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音乐: That's What I Call Music!

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1:音(Tone)
  是一种物理现象。物体振动时产生音波,通过空气传到耳膜,经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右,而使用到音乐中的音(不含音),一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。
2:音色(Tone-color)
  指音的感觉特性。发音体的振动是由多种谐音组成的,包括基音和泛音,音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的,音乐的颜色分为人声音色和器乐音色。人声音色分高、中、低音,并有男女之分;器乐音色中主要分弦乐器和管乐器,各种打击乐器的音色是不同的。
3:共鸣(Resonance)
  共鸣指的是一种振动。当一个发音体振动时,引起了其它物体的振动,并发出了声音,产生了共鸣。
4:基音(Fundamentaltone) 
  物体振动时所发出的频率最低的音是基音,其余的为泛音。基音决定音高。
5:泛音(Harmonicovertone)
  除了发音体整体振动产生的最低的音是基音,以基音为标准,其余1/2、1/3、1/4等各部分也是同时振动,是泛音。泛音的组合决定了特定的音色,并能使人明确地感到基音的响度。乐器和自然界里所有的音都有泛音。
6:音高(Pitch)
  音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高,频率少则音低。目前国际通用的标准音"a",是每秒振动440次的声音。
7:音名(Pitchname)
  音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。这些名称没有统一,在各个国家是不同的。被广泛采用的是:CDEFGAB。
8:唱名(Syllablenames)
  唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。大调的主音用1do,小调的主音用6la。
9:音域(Compass)
  人声或乐器所能达到的最低音和最高音之间的范围就叫音域。音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。
10:调性(Tonality)
  调性指调式类别与主音高度。在乐曲中,主音是旋律、和声的核心,其它音与之发生从属关系最后中止在主音上。这样的乐曲就是有调性的乐曲。
11:音阶(Scale)
  指调式中的各音,从以某个音高为起点即从主音开始,按照音高次序将音符由低至高來排列,这样的音列称为音阶。音阶由低到高叫做上行,由高到低叫做下行。我们今天所说的音阶,就是以最普遍的大音阶(大调)与小音阶(小调)为主。
12:五声音阶(Pentatonicscale)
  由五个音构成的音阶。多用于民族音乐的调式。如:do、re、mi、sol、la、(do)。13:大调(Majormode)
  调式的一种。七声音阶,其相邻二音的间距分全音与半音两种。其音阶除第三、四两音间与第七、八两音间为半音外,其余均为全音。大调的色彩较为明朗。
14:小调(Minormode)
  调式的一种,七声音阶有"自然小调"、"和声小调"、"旋律小调"、"現代小音阶"四形式。小调的色彩一般较大调黯淡,常用来表达悲哀、忧郁的情绪。自然小调(小音阶)的二三两音间与五六两音间为半音。
15:纯律(Justintonation)
  与十二平均律不同。音阶中各音与主音的关系均为纯音程。由于这样形成的半音无法分平均,所以不能随便转调,现已被历史所淘汰。
16:主音(Key-note)
  调式音阶里的第一音。十二平均律(Temperament)音律的一种。把一个八度音均分为十二个半音,半音的音程都是相等的。钢琴、竖琴等乐器均按此律定弦。
17:半音、全音(Semitone、Wholetone)
  将一个八度音分成十二等份,每一份为半音,两个半音相当于全音。半音相当于小二度,全音相当于大二度。
18:协和音程与不协和音程(Consonant,Dissonance)
  根据协和的程度可分为完全协和音程(纯1、4、5、8度)和不完全协和音程(大、小3、6度)。除此之外都是不协和音程。
19:音程(Interval)
  指两音之间的距离。计算音程的单位称"度",两个音之间包括几个音节就称几度。度数相同的音程又因为其所含半音和全音的数目不同而有纯、大、小、增、减等区别。
20:十二音体系(tweleve-tonesystem,tweleve-notesystem)
  现代派作曲手法之一。由奥地利作曲家勋柏格于1921年创立。作曲家放弃传统的调式、调性与和声体制,将半音音阶中的十二个音任意排成一年音列,然后以倒置、逆行等技法加以处理,除非所有的音都出现过,否则任何一个音不得重复。
21:五声音阶(prentatonicscale)
  八度内有五音,谓之"五声音阶"。
22:七声音阶(diationicscale)
  八度内有七音,就称为"七音音阶"。
23:力度(dynamics)
  力度指演奏、演唱乐曲时音响的强度。以力度记号表示,如f(强)、p(弱)、<(渐强)、>(渐弱)等。
26:不定音高(inderterminatepitch)
  乐曲中所采用的没有明确音高的声音叫不定音高。实为噪声,原不属于乐章范围。现代派作曲家常用之,如锯木声、折纸张声、打字声、扫地声、敲击声、嘘声、呼啸声等等。
27:不对称节奏(asymmetricrhythm)
  又称"复节奏"(polyrhythm)。在同一乐句或小节中,各声部的节奏不相一致;或在同一小节中,组成各节拍的时值不相一致。广义言之,复调音乐都属于奇异节奏。现代派作曲家所用的奇异节奏,是一种高度复杂化的节奏。
28:切分音(synopation)
  变换小节中强弱拍位置的一种节奏。其形成的格式如下: 
 (1)、弱拍音延续到强拍位置;  
 (2)、休止强拍位置; 
 (3)、弱拍音改为强拍。
29:无调性(atonality)
  指乐曲的构成没有一定的调性基础。
34:平行五度(parallelfifths)
  乐曲的两个声部隔开纯五度作平行进行。十五世纪以来,在对位与和声上都规定应避免平行五度之出现。
35:平行减七弦(paralleldiminishedseventh)
  和弦进行的方式之一。减七和弦由四个音连续小三度叠置而成,其特点是无明确的倾向性。减七和弦连续出现而不加解决,就是"平行减七和弦"。
37:节奏(rhythm)
  构成乐曲的基本因素有乐音的高度、乐章的时值(包括休止)、乐音的强弱三种。表现于时值与强弱方面的,即乐音的有规律的轻重缓急,称为节奏。
38:节拍 
  乐曲中周期性出现的节奏序列。
42:主调音(tonickeynote)
  调式的中心音称为"主调音"。
43:主调音乐(homophony)
  复调音乐及单调音乐的对称。多声部音乐的一种。以一个声部作旋律(曲调)进行,其余声部居于和声衬托的地位。
45:半音音阶(chromaticscale)
  相邻二音的间距为"半音",谓之"半音音阶"。
50:全音音阶(whole-tonesacale)
  相邻二音的间距皆为全音,谓之"全音音阶"。
53:华彩段(cadenza)
  插于乐曲尾处的辉煌的即兴演奏段落。由独奏者即兴展示其演奏技巧。作曲家与演奏家常为他人的作品写定华彩段。
55:声部(part,voice)
  指重唱、合唱、重奏、合奏乐曲中同时进行的各旋律线。如弦乐四重奏有第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴四个声部;混声合唱有女高音、女低音、男高音、男低音四个声部。
57:转调(modulation)
  乐曲在进行中变换调性。转调是重要的作曲手法之一。简单的转调常在近关系之间相转。
58:拍子(beat)
  小节的单位时值。小节的拍子结构以拍子记号(timesignayure)表示。
62:和声(harmony)
  不同高度的乐音同时发声,谓之和声。和声学的研究对象为:和弦的结构、和弦的连续法则、和弦在乐曲上功能属性、和声学是作曲技法的重要组成部分。
63:和弦(chord)
  和声的结构单位。在自然音阶的和声体系中,和弦由音阶上各音连续三度叠置而成。三音叠置,即成三和弦,由C、E、G三音组成;其属七和弦,由G、B、D、F四音组成。
65:变和弦(alteredchord,Chromayticchord)
  和弦的组成音中有不属于同调性的音出现,谓之变和弦。变和弦常作为转调的准备。
66:〖单调音乐〗(monophony)
  单旋律的音乐。复调音乐及主调音乐的对称。即不附带任何对位声部、衬托句及伴奏等,只有一条单纯的旋律线。古代音乐及大多数民歌,都是单调音乐。
69:复调音乐(polyphony)
  单调音乐及主调音乐的对称。由两个以上各自**而又根据和声法则同时进行的声部组成的音乐。其性质与"对位音乐"(counterpoint)基本相同。
70:复对位(compoundcounterpoint)
  凡对位音乐的各声部可以高低易位者,统称为复对位。复对位按声部数量可分为二重对位、三重对位、四重对位等。
71:音域(compass)
  人声或乐器发声的音调广度,常以其高低两极音表示之。各种音域,其各局部的音质不相同,这种局部,称为音区(register),在人声则称为声区。
72:音程(intreval)
  两乐音之间的音高差距。通常以自然音阶两音之间的音级数(包括边缘两极)作为音程的量度。
73:音高(pitch)
  乐音在音阶上的绝对高度。如C音、D音等。在物理上,音高决定于发音体的振动频率,在心理感觉上,音高之决定还稍受音的响度的影响。
74:音调(idiom)
  某一时代、民族、地区、流派、作曲家特有的音乐风格。如言某民族或某的民歌音调。
75:音阶(scale)
  音乐上所用的音,根据一定规律,在八度内按高低次序排列之,即成音阶。世界各民族各地区,皆有其独特的音阶。
78:美声唱法(belcanto)
  声乐表演风格之一。十八世纪流行于意大利。演唱者追求音质的优美、自然与歌唱表演的华丽、辉煌,而忽视词意和感情等的表达。以运用美声唱法著称的作曲家有贝里尼、多尼采蒂、罗西尼等人。他们所作的歌剧常称为"美声歌剧"。
80:配器(orchestration)
  作曲法的组成部分之一。指器乐合奏曲中各种乐器的配合。其内容要点为各类乐器性能、各类乐器的音色对比与配合效果、乐曲原音响统一效果。配器除用于初始写作之外,亦常用于现成乐曲配器,如将钢琴曲、重奏曲等,改编为管弦乐曲。
81:调式(mode)
  据以构成乐曲的基础音列。其中一音为中心音,其余各音与该中心音具有依存关系。调式的中心音称为"主调音"。以主调音的音高表示调式,谓之"调性"。乐曲之构成而无一定的调性基础者,谓之"无调性";同时以两种调性为基础者,谓之"多重调性"。
83:旋律(melody)
  不同高低与不同时值的音前后相连,即成旋律。旋律的要素一为音高,二为节奏。较原始的音乐公有旋律,甚至仅有节奏。现代音乐也有只求和声与配器等的新奇效果而忽略旋律的。
94:音乐的基本表现手段
音乐的基本表现手段是:
(1).曲调旋律、节奏、拍子、速度;
(2).调、和声;
(3).力度;
95:音乐的分类
(一)音乐按声部和声部状况可分为:单声部音乐、.复调音乐、主调音乐。
96:音乐的分类
(二)音乐按照性质分可分为:纯音乐、标题音乐、轻音乐、爵士音乐。
97:乐音体系
  在音乐中使用的、有固定音高的音的总和,叫做乐音体系。
98:调号
  变化记号若使用在整首曲子中,使这首曲子中的每逢指定的音都要升或降,那这時候这个变化记号就被称之为调号。
99:节拍
  强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式,叫做"拍子'',正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。
100:旋律
  又称曲调,它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段,是音乐的灵魂。
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撰文/黃若農(資深樂評人)


不同於非洲的廣漠地形和亞洲的種族林立,歐洲無論就地理環境和歷史發展來看,都呈現出一種「異中求同,水乳交融」的混合性格,反映在世界音樂的型態上則多半受到種族遷徙、宗教衝突與政權更替的影響而有所變異。

以種族遷徙為例,猶太人流亡歐洲各地,克爾特人輾轉英吉利海峽兩岸和維京海盜肆虐都對族群分佈與傳統音樂造成肢解的作用。天主教與新教徒、天主教與回教、天主教與東正教之間的糾紛則導致文化發展的歧異。自西羅馬帝國滅亡以降,十字軍東征、蒙古西征、英法百年戰爭和卅年戰爭等大型戰役更是日後歐洲各民族政權的建立,從政治上區分了世界音樂類型的濫觴。目前,世界音樂的概念若從廣義的角度來討論,在歐洲的分類有點類似古典音樂中國民樂派的意味,除了強調傳統、在地的根源外,另外也有從昔日殖民地反撲的旋律或現代化、融合的概念來發表的作品。

在深入了解世界音樂的過程中,由於時空因素的限制,無可避免地會更為仰賴有聲出版品的流通。目前市面上的世界音樂錄音,多半以地區或國家來劃分,也有從樂器、種族或語言上來歸類的。以歐洲為例,舉其熒熒大者:西班牙的Flamenco、葡萄牙的Fado、英倫群島上的Bhangra、CelticMusic、法國的Chanson、匈牙利的Tanchaz民謠,以及東歐猶太人的Klezmer。

★Flamenco

Flamenco(佛朗明哥)包含了三大藝術:歌、舞和吉他演奏,歌者以高亢的吟唱和越來越快的擊掌為拍,激勵舞者作出高難度的動作,舞者多半身著有縐折或流蘇的服飾跺腳展臂起舞,有時候會打響板(Castanets),吉他演奏除了伴奏外也有不少獨奏的機會,現代化的Flamenco受到爵士、藍調、搖滾樂、NewAge等的影響,增添了許多樂器,像是長笛、非洲手鼓和鍵盤等都加入其中。


大約在十五世紀,由南部安達魯西亞地區的吉普賽人,融合了猶太、阿拉伯和天主教音樂的元素而成型的Flamenco,十九世紀末開始成為大眾娛樂主流,後來更由於作曲家ManueldeFalla(法雅)、古典吉他大師AndresSegovia(塞戈維亞)和愛國詩人FredericoGarciaLorca(羅卡)的大力提倡而聲勢大盛。最常見的有Soleares(悲孤調)和Siguiriyas(斷續調),兩者同為深沉歌曲(CanteJondo)的主力,另外像Bulerias(喧戲調)、Saeta(箭調)、Alegrias(歡愉調)則較為活潑,許多地方還有各自的傳統曲調。


既然是融合了三種元素的藝術,因此在各個領域中也是人才輩出,以人聲為例:已逝的西班牙國寶歌手CamarondelaIsla、少見的女歌手CarmenLinares、最成功的流行樂團GypsyKings和Ketama都頗具代表性,吉他方面更是不勝枚舉:多產又富原創性的PacodeLucia、旅居英國的老牌吉他手PacoPena和雙棲的吉他世家PepeRomero等人的作品在此間最容易找得到;舞者方面目前最有名的應屬性感偶像JoaquinCortes,一位從國立芭蕾舞團回歸的吉普賽男性,僅能在阿莫多瓦的電影中偶爾瞥見他的身影。

★Fado

Fado(法朵)可視為是葡萄牙的「藍調」歌曲,其基本表現形式與Flamenco類似,強調人聲與吉他的搭配,同樣是十九世紀開始在都會區的餐館中逐漸茁壯,但較不強調舞蹈部份。Fado之意和英語的「Fate」(命?相同,因此歌詞充滿了悲劇性的宿命觀,曲調也偏向哀怨傷感的氛圍,晚近的Fado則受了流行音樂的影響,在樂器編制上加入小提琴、大提琴、手風琴、鋼琴甚至弦樂四重奏的音色,情感訴求也有顯著的改變。
Fado彈奏的吉他(Guitarra)不同於一般六根弦的吉他,而是六組雙弦(12弦)的規格,因而會產生「鏗鏘」感的回音效果,但音色和指法卻又與Flamenco大異其趣。堪稱為Fado之后的AmaliaRodrigues,是廿世紀最重要的Fado歌手,最近幾年則以DulcePontes、Misia兩位當紅女伶陸續有作品引進國內,但最為人熟知的Fado詮釋者,當屬以電影《里斯本的故事》而聲名大噪的聖母(Madredeus)合唱團了。


聖母合唱團成立已有17年,但在幾年前還是個名不見經傳的民謠樂團,他們的曲風算是新派的Fado,比較偏向現代民謠的風格。由兩位吉他手PedroAyresMagalhaes與RodrigoLeao的二重奏逐漸發展起來,但靈魂人物則是女主唱TeresaSalgueiro,她的歌喉純真柔美,不像一般Fado歌手的剛猛滄桑,Madredeus的編曲也相當輕盈流暢,因此很容易被大眾接受。

★Bhangra
Bhangra(邦拉)舞曲是從英國昔日殖民地—印度半島上流傳的錫克教傳統豐年祭舞曲,原本以手鼓伴奏的強烈節奏,在印巴移民的社區中大為流行,後來經過一些夜總會的DJ將其改編成電子旋律,融合了各種元素,成為世界音樂中的新興流派,儼然是繼印度古典音樂Raga之後,又一種風靡全英的異國音樂,其歡愉的氣氛也成為印度電影製作中心—Bollywood最愛使用的配樂類型。

★Celtic
Celtic(克爾特、居爾特)音樂可說是一個古文明的延續;一個種族的復興邉佣?a生的樂種。Celtic人分佈在英倫三島和西歐大西洋沿岸的高地,特別是當今蘇格蘭、愛爾蘭、法國布列塔尼半島和西班牙加里西亞等地最多,後來由於移民的緣故,在美東新英格蘭和南部各州也開枝散葉。拜西歐強勢錄音工業之賜,Celtic的有聲資源亦最為豐富,最盛行的Celtic音樂除了像Enya那種NewAge之外,多以克爾特豎琴、風笛、小提琴和長笛演奏為主,近年來最為人熟知的則是電影《英雄本色》、《鐵達尼號》的配樂,以及RiverDance踢躂舞曲。


由風笛手PaddyMoloney領軍的Chieftains(首領)樂團大概是最為人熟知的Celtic民謠樂團,他們將傳統曲目賦予現代化的新意,同時也將流行歌曲改編成具有Celtic風味的演出效果,甚至自己成立了唱片品牌。來自西班牙的風笛新秀CarlosNunez受到Chieftains的提攜,以音色接近的加里西亞風笛成為世界音樂樂壇的一顆新星,法國布列塔尼省的AshleyMacIssac同樣是英雄出少年,以一把小提琴活躍於大西洋兩岸,六○年代Celtic復興邉语L起雲湧,使得愛爾蘭的Clannad(Enya家族)和隨後的Altan建立起國際知名度,從愛丁堡音樂節發跡的蘇格蘭Tannas樂團,則是新式CelticMusic的代表,Capercaillie、Cranberries以及Corrs(可兒家族)則是在流行搖滾和傳統Celtic音樂之間找到了平衡點,加拿大的女歌手LoreenaMcKennitt,則將Celtic音樂賦予NewAge意涵,融合其它文化而成為跨界音樂的代表之一。

★Chanson
Chanson(香頌)嚴格說起來並非世界音樂,但卻由於法語的腔調和器樂伴奏營造的特殊氛圍,成為世界音樂中的「顯學」。從字面上來看,Chanson就是法語的「歌曲」,和英語的「Song」、德語的「Lied」毫無二致,拜唱片工業興起之賜,現在大家最耳熟能詳的Chanson,泛稱十九世紀下半葉到五○年代,黃金巴黎時期的法語流行歌曲,充滿了喜悅、浪漫、感傷、懷舊等的複雜情緒,在法國ACC唱片大獎、法國唱片協會大獎、法國新浪潮電影和左岸人文薈萃的推波助瀾下,向全世界的有情人招手。


聽Chanson絕對少不掉「法國小麻雀」EdithPiaf的錄音,這位活躍於二次大戰前後的傳奇女聲,和繼之而起的JulietteGreco前後呼應,在六○年代前成為捍衛法式風情的旗手,另一位男歌手MauriceChevalier則是歌舞雙棲的影星。近幾十年來受到外籍移民和媒體開放的影響,Chanson也開始有了多面向的變化,拉丁美洲和北非節奏、美國Rap、Hip-Hop黑人音樂都滲入Chanson之中。戰後的新派藝人SergeGainsbourg、JacquesBrel、有「法國貓王」之稱的GilbertBecaud都是能寫能唱的全才藝人,各有其獨特風格,曾經★度來過台灣登台演出的女藝人CatherineDelasalle,目前有三張專輯在市面流通,可說是最為活躍的法語女歌手。

★Tanchaz
Tanchaz(當齊斯)源於匈牙利川士凡尼亞地區的採集音樂,其意為「舞蹈會館」七○年代受到古典音樂國民樂派的影響,引發一陣復興傳統音樂的熱潮,川是煩尼亞地區的Tanchaz因保存了最完整的傳統曲目而成為樂壇主流。其中,被喻為「匈牙利音樂大使」的MartaSebestyen,與Muzsikas合奏團從八○年代起即以宣揚匈牙利音樂為職志,以電影《英倫情人》主題曲成為全球知名度最高的東歐音樂家。

★Klezmer
Klezmer(克萊茲梅爾)由希伯來語中的「kley」(樂器)和「zemer」(歌)所組成,意思是「猶太音樂家」。Klezmer音樂最常出現在波蘭、羅馬尼亞、俄國和烏克蘭等地的猶太人教堂或社區(非猶太人社區也有),一般多在結婚生子的喜慶場合中演奏,且以各種形式的舞曲居多。除了小提琴、黑管、手風琴等樂器演奏外,多半以Yiddish語(伊第緒,一種混合德語和希伯萊語的猶太語言)發音演唱,電影《屋上提琴手》裡的音樂就是相當典型的Klezmer。


十七世紀以降,中東歐的猶太人(Ashkenazic)在音樂自主性上保有了較大的權力(相對於南歐拉丁語系的Sephardic猶太人而言),在歷經一千多年的流離漂泊後,音樂方面受到了異族文化的影響而產生變化,二次大戰以色列建國後,猶太音樂的重心也從歐洲轉到了美洲,甚至與爵士樂或鄉村音樂融合,Klezmer更是其中代表,傳統中從事音樂演奏的猶太樂師多半以口耳相傳,因此職業和業餘樂手在技巧上的差距頗大,現在則加入許多學院派從事考察、整理舊曲目與創作新曲的工作,GioraFeidman是最具知名度的Klezmer黑管大師,無論在古典樂壇或世界音樂領域中都很活躍。

最後,從廠牌上來尋找世界音樂可說是最有效的方法。目前在台灣知名度較高的世界音樂品牌屈指可數,而且多半集中在英、法、美三國:英國的EMI/Hemisphere、Topic、Nimbus、RealWorld、WorldCircuit、WouldMusicNetwork/RoughGuide,法國的Auvidis、Ocora、HarmoniaMundi、Erato/Detour,美國的Alula、Rykodisc/Hannibal、CelestialHarmonies、EllipsisArts、Putumayo、GreenLinnet/Xenophile、Warner
onesuch,比利時的CrammedDiscs、Zoku,香港的NaxosWorld、Hugo,愛爾蘭的CelticHeartbeat,加拿大的BMG/Wicklow,義大利的Amiata、葡萄牙的Movieplay、日本的King等。
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相对古典音乐而言,轻音乐既是用通俗的手法进行改编,用小型乐队演奏,来营造温馨浪漫情调,轻松优美旋律,带有一种休闲性质。而古典音乐具有庞大结构和规模,深刻的内涵和严肃端庄的特征,故又称严肃音乐。轻音乐则相反,结构简单,节奏明快,旋律优美动听。它没有深刻的内涵,只想带给人们轻松的享受,因其轻松活泼,把它称为轻音乐是非常贴切的。但它不同于以流行歌曲为核心的流行音乐具有鲜明的时代特征,也不象热门流行歌曲很快会过时,优美的旋律会经久不衰。它介于古典和流行之间,是二者鲜明对比的折中,可谓第三种势力。它古典气息和现代风味兼有之,华丽而不俗艳,浪漫而不轻浮,抒情而不缠绵,既通俗易懂,又格调高雅,风度不凡,可谓雅俗共赏。

  轻音乐一出现就受到广泛欢迎,成立于30年代后期的曼托瓦尼乐队是轻音乐诞生的标志。曼托瓦尼以极柔和动听,优美醉人的演奏,使轻音乐迅速在通俗乐坛上奠定自己的地位。60---70年代是其全盛时期,一大批轻音乐队纷纷建立,如詹姆斯-拉斯特乐队,保罗-莫里亚乐队等等。他们在欧美不断举行轻音乐会,录制大量精美唱片,畅销世界各地。这种音乐让古典乐迷们耳目一新,好比常穿西装的人换上了随意自然的休闲服装一般。而流行爱好者在声嘶力竭的呐喊冲击之后,轻音乐就象一杯清凉爽口的饮料。

  轻音乐的曲目大多是改编而来。其中,欧美流行歌曲占很大比重,很多都是上了英美排行榜的热门歌曲,如[昨天][雨的节奏][我爱巴黎][兰色的爱][莉莉-玛琳]等。这些歌曲改编后,淡化了原歌中的流行因素,突出了优美旋律,使音乐情调一变,更加优美悦耳。至今,很多热门歌曲以被人们忘记,但轻音乐改编曲却深深的留在人们的脑海中。

  欧美电影尤其是好莱坞电影,音乐剧,舞台剧的主题音乐或插曲,是轻音乐的另一改编来源。像[月亮河][时光流逝][爱情故事]等乐曲,都成为轻音乐的经典曲目。

  用通俗音乐语言演绎古典名曲,是很多轻音乐队热衷的。好的改编和演奏,既保留原曲的古典精神,又融入了鲜明的现代气息,古典乐迷感到别有韵味,使那些对古典音乐敬而远之的人觉得于古典音乐的距离缩短了,提高了欣赏兴趣。改编成轻音乐的巴赫[圣母颂]舒伯特[小夜曲]贝多芬[月光]等,听来别具一格,满耳生辉。

  世界各地的民族民间音乐也是改编对象。如英国的[夏天最后一朵玫瑰]意大利的[重归苏莲托]加拿大的[红河谷]和拉丁音乐等。此外,一些广为流传的浪漫小曲如[少女的祈祷][爱的浪漫曲][绿袖]等也是轻音乐队经常演奏的曲目。

  轻音乐所具有的韵味和美感既不同于古典,也不同于流行。动人的旋律,优美的和声,新颖的配器,丰富的音色,浓郁的浪漫情调给人以全新的感受,产生了其特有的美感。曼托瓦尼乐队演奏的[魅力](chanmaine)。集中体现了这种美感,那悦耳动听的音响,像醉人的芳液流入人们的心中,令人情不自禁的喊道:"太美了"!该乐队演奏的[时光流逝][秋叶][昨天]等带给人们的美感是语言难以表达的。听保罗-莫里亚乐队的演奏,令人感到每个乐符都充满了法国人的浪漫情调,让人联想到葡萄酒,玫瑰,郁金香的芬香;地中海的阳光,情人的欢笑和眼泪。他把各种浪漫的情思和诗意展现出来,令人产生强烈的共鸣。他的成名作[爱情是兰色的],自60年代轰动欧美后,经久不衰,成为各乐队争相演奏的曲目。而詹姆斯-拉丝特乐队的[莫斯科郊外的夜晚]所具有的美感也是原歌曲无法替代的:随着吉他轻轻弹出几个分解和弦,在打击乐器奏出的明快节奏映衬下,三角琴轻柔委婉的弹出了歌曲的主旋律。接着优美的混声合唱伴随着弦乐的延伸轻轻响起,时强时弱,时远时近,把人们带入遥远的,充满温馨浪漫情调的俄罗斯夜晚之中,整个乐曲如梦如幻,美不胜收。如果说听交响音乐像是欣赏戏剧,那听轻音乐就像是读一首首优美的诗歌,看一幅幅色彩淡雅的风景画,令人赏心悦耳,心旷神怡。

  轻音乐队的指挥大都精通古典音乐,会演奏各种乐器,他们既是乐队的指挥,也是乐曲的改编者。轻音乐所具的独特魅力,在很大程度上归功于他们对原曲的带有创作性的编配。其中最经常使用的手法是对原曲的节奏,速度,力度,节拍等音乐要素进行重新处理,赋予古典音乐以拉丁舞曲和爵士,摇滚,迪斯科音乐的节奏,通过打击乐器加强原曲的节奏和节拍重音。使乐曲的内容和形式产生了强烈的对比。如用探戈节奏来演奏勃拉姆斯的匈牙利舞曲,用桑巴,恰恰,伦巴的节奏演奏德沃夏克的斯拉夫舞曲等,听来节奏奔放,极富感染力。对一些原本节奏激烈的流行歌曲则采取慢节奏进行柔化处理,进而产生一种新的听感。

  丰富多采,别具一格的配器,是轻音乐改编的另一种主要手法。一是喜爱使用一些不登大雅之堂的民间乐器,如西班牙吉他,口琴,手风琴等,并经常让其演奏主旋律,因此来营造特殊的音乐情调和氛围,并与传统的管弦乐器形成音色上的对比,使音响富于变化而丰富多采。二是喜爱使用各种打击乐器,如小军鼓,铃鼓,三角铁,哑铃,沙锤等,还使用一些富有特色的民族民间打击乐器,使音响生动活泼,极有感官上的冲击力。三是通过加入电声乐器来丰富乐队的音色和增加音响的现代气息。电子乐器与打击乐器,传统的弦乐器完美的融合在一起,营造出一种晶亮轻盈,生动明快的音响效果。四是通过加入无词的人声哼唱来烘托优美的音乐氛围。这方面詹姆斯-拉斯特是开先河者,他的乐队专门设有一个混声合唱队,演奏中,伴随着具有现代气息的节奏,动人的无词混声哼唱与乐队演奏的优美旋律交替出现,时起时落,极为优美动听。如该乐队演奏的贝多芬[致爱丽丝]奥芬巴赫[船歌]等曲,都加入了男女混声无词哼唱,听来韵味独特,美不胜收。

  80年代以来,轻音乐的演奏趋向个人化方向发展,乐队的核心已经不是指挥,而是某一种乐器的演奏明星;乐队也由原先的演奏主体转变为演奏配角。有的轻音乐队则兼收并蓄,将交响乐,流行音乐,爵士乐,摇滚乐,新世纪音乐融为一体,与传统的轻音乐队已有很大的差别。这类可称为新轻音乐的唱片很多,但除了理查德-克莱德曼(钢琴)肯尼基(萨克斯)赞非尔(排萧)雅尼等人及乐队录制的唱片外,大多数唱片沙龙味较浓,不能给人以高层次的审美享受。

  要听正宗的轻音乐,首选仍是三大乐队。事实上,这三个乐队的唱片在国内以占据了主流地位。其中曼托瓦尼乐队的唱片大多由DECCA公司出品,主要是50-60年代的录音。去年DECCA公司发行了一套两张的曼托瓦尼金曲集,汇集了其演奏的最精彩的29首金曲,是收藏的精品。詹姆斯-拉斯特乐队是环球公司(原宝丽金)旗下的专署乐队,几十年来录制了大量精美唱片,仅在国内能见到的就有30多款,是录音最多的一个轻音乐队。保罗-莫里亚的唱片由PHILIPS公司录制,数量也较多,而且有不少是近年的新录音,录音水准较高,录音效果极佳。其他著名轻音乐队,如亨利-曼西尼,阿尔弗莱德-豪泽,斯坦利-布莱克,科特-埃德乐哈根,黑塞乐队的唱片也有不少进入中国,但目前已不容易见到了。
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顺便来电有关日本音乐方面的常识

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作者:zijin1983&winnie

在日本,“系”这个词的运用十分广泛,在很多领域,他们都喜欢按照不同的方法分“系”。比如说,服装上有新宿系、原宿系、涉谷系等等。而日本音乐派系当然也有自己一套独特的分类方法,即以“地域性”来分派系。在日本的涉谷、新宿、下北泽等地都是年轻族群集散地,充满了流行、音乐、服饰等等,在这股流动的风潮之中,这也就孕育出不少音乐人才,产生了一些具有不同特色的音乐流派。


涉谷系

日本乐团“系”的始祖。当初只有在涉谷的HMV及Tower才买得到這一类音乐的专辑,此类音乐的专辑只在涉谷店头的销售排行榜高居榜首,也因此被称作“涉谷系”。涉谷系曲风偏向法国香颂,属於轻柔、慵懒的调性。其拼贴音乐(就是很巧妙地将欧美音乐移植,凑出东洋味十足的新音乐)的特性加上高度流行化的服装造型,正如涉谷区的特色。
几年前此系名气还是很大的,就连滨崎步也自认是“涉谷系”。但是明“耳”人一听就知道,电子舞曲的滨崎步跟轻柔、慵懒的“涉谷系”……这是什么跟什么啊……<!--emo&-_--->[img]style_emoticons/<#EMO_DIR#>/sleep.gif"border="0"style="vertical-align:middle"alt="sleep.gif"/><!--endemo-->|||(ps.宇多田和仓木也自称……唉……没办法,那几年只要说自己是“涉谷系”,唱片的销量就有保证呢。)但是现在再谈“涉谷系”,就会有人觉得老套了。


新宿系

新宿作为东京的心脏,既是行政枢纽的都厅所在,又是酒店商场林立的购物天堂;歌舞伎町这个新宿附区同样是非常矛盾,著名的驹剧场位於歌舞伎町中心地带,散发着日本传统的文化气息,却又是色情行业及其他黑帮业务之胜地。在这样的充斥着截然不同的文化相溶并冲突着的气息中,新宿系音乐除了歌曲的编排起伏不定外,歌词内更加入浓烈的新宿地区色彩,具有鲜明的新宿特色,新宿系因而得名。说起新宿系音乐,其代表人物自然是首推有“新宿系音乐女王”之称的椎名林檎(她的曲风在分男分女的文章里面已有详细的介绍,在这就不再重复了。)

下北泽系

下北泽是东京的livehouse区,是地下乐团的聚散之地。自从有的地下乐团的名字,如AdvantageLucy、fra-foa及Pelicanking等,在各大排行榜上出现后,下北泽的地下乐团也渐渐引起了人们的注意,“下北泽系”一词也就出现了。另一方面,由于“下北泽系”音乐也具有清新缓和的特性(比如竹内惠的音乐),所以有的人也将“下北泽系”视为“涉谷系”的分支。

介绍了以上三个派系后,我们发现涉谷、新宿、下北泽全是东京的地名。这是因为“毕竟日本的歌手出身东京都的最多。我们离开日本远可能不觉得,但是,在日本本土,流行歌坛是会对歌手的出身地关注很多的。一方水土养一方人,到哪里都一样。”(注:魔王语)
日本音乐发展到现在,在日本的其他地方,比如大阪、冲绳、北海道等等,也有出色的音乐人出现。自然,也就产生了以其出身地名冠名的音乐派系。

当然,日本音乐也存在一些不是以地名命名的音乐派系。

视觉系

就是VR(VISUALROCK)。什么?你不知道VR是什么?那知不知道X-JAPAN啊?不知道?!@%#@#%@#%%@#%!!@#^%#^<!--emo&-_--->[img]style_emoticons/<#EMO_DIR#>/sleep.gif"border="0"style="vertical-align:middle"alt="sleep.gif"/><!--endemo-->#

治愈系

也被称为治疗系。顾名思义,治愈系音乐具有抚慰心灵的音乐力量。在压力已经成为了世界人们都关注的问题的时候,治愈系音乐就显得别具意义了。尤其是在日本这个工作压力这么大的国家,治愈系带来的这种抚慰心灵的声音就犹如无端吹来的一阵清新温柔的暖风,给人惊喜舒服的感觉。

总的来说,音乐“系”的分类通常就是不同的音乐风格特色的分类,喜欢不同的音乐风格就对不同的“系”有特别的关注。各地区的系也有着融合着该地区的风格特色的意义。
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音乐格式一览

经典的WAVE
WAVE文件作为最经典的Windows多媒体音频格式,应用非常广泛,它使用三个参数来表示声音:采样位数、采样频率和声道数。
声道有单声道和立体声之分,采样频率一般有11025Hz(11kHz)、22050Hz(22kHz)和44100Hz(44kHz)三种。WAVE文件所占容量=(采样频率×采样位数×声道)×时间/8(1字节=8bit)。

传统的MOD
MOD是一种类似波表的音乐格式,但它的结构却类似MIDI,使用真实采样,体积很小,在以前的DOS年代,MOD经常被作为游戏的背景音乐。现在的MOD可以包含很多音轨,而且格式众多,如S3M、NST、669、MTM、XM、IT、XT和RT等。

电脑音乐MIDI
MIDI是MusicalInstrumentDataInterface的简称,它采用数字方式对乐器所奏出来的声音进行记录(每个音符记录为一个数字),然后,播放时再对这些记录通过FM或波表合成:FM合成是通过多个频率的声音混合来模拟乐器的声音;波表合成是将乐器的声音样本存储在声卡波形表中,播放时从波形表中取出产生声音。

龙头老大MP3
MP3可谓是大名鼎鼎,它采用MPEGAudioLayer3技术,将声音用1∶10甚至1∶12的压缩率压缩,采样率为44kHz、比特率为112kbit/s。
MP3音乐是以数字方式储存的音乐,如果要播放,就必须有相应的数字解码播放系统,一般通过专门的软件进行MP3数字音乐的解码,再还原成波形声音信号播放输出,这种软件就称为MP3播放器,如Winamp等。

网上霸主RA系列
RA、RAM和RM都是Real公司成熟的网络音频格式,采用了“音频流”技术,所以非常适合网络广播。在制作时可以加入版权、演唱者、制作者、Mail和歌曲的Title等信息。
RA可以称为互联网上多媒体传播的霸主,适合于网络上进行实时播放,是目前在线收听网络音乐最好的一种格式。

高压缩比的VQF
VQF即TwinVQ是由NipponTelegraphandTelephone同YAMAHA公司开发的一种音频压缩技术。
VQF的音频压缩率比标准的MPEG音频压缩率高出近一倍,可以达到1∶18左右甚至更高。而像MP3、RA这些广为流行的压缩格式一般只有1∶12左右。但仍然不会影响音质,当VQF以44kHz-80kbit/s的音频采样率压缩音乐时,它的音质会优于44kHz-128kbit/s的MP3,以44kHz-96kbit/s压缩时,音乐接近44kHz-256kbit/s的MP3。

迷你光盘MD
MD(即MiniDisc)是SONY公司于1992年推出的一种完整的便携音乐格式,它所采用的压缩算法就是ATRAC技术(压缩比是1∶5)。MD又分为可录型MD(Recordable,有磁头和激光头两个头)和单放型MD(Pre-recorded,只有激光头)。
强大的编辑功能是MD的强项,可以快速选曲、曲目移动、合并、分割、删除和曲名编辑等多项功能,比CD更具个性化,随时可以拥有一张属于自己的MD专辑。MD的产品包括MD随身听、MD床头音响、MD汽车音响、MD录音卡座、MD摄像枪和MD驱动器等。

音乐CD
即CD唱片,一张CD可以播放74分钟左右的声音文件,Windows系统中自带了一个CD播放机,另外多数声卡所附带的软件都提供了CD播放功能,甚至有一些光驱脱离电脑,只要接通电源就可以作为一个**的CD播放机使用。

潜力无限的WMA
微软在开发自己的网络多媒体服务平台上主推ASF(AudioSteamingformat),这是一个开放支持在各种各样的网络和协议上的数据传输的标准。它支持音频、视频以及其他一系列的多媒体类型。而WMA是WindowsMediaAudio的缩写,相当于只包含音频的ASF文件。
WMA文件在80kbps、44kHz的模式下压缩比可达1∶18,基本上和VQF相同。而且压缩速度比MP3提高一倍。所以它应该比VQF更具有竞争力。

免费音乐格式Vorbis
为了防止MP3音乐公司收取的专利费用上升,GMGI的iCast公司的程序员开发了一种新的免费音乐格式Vorbis,其音质可以与MP3相媲美,甚至优于MP3。并且将通过网络发布,可以免费自由下载,不必担心会涉及侵权问题。但MP3在网上已经非常流行,微软的WindowsMedia技术也开始普及,Vorbis的前景还是不容乐观。

其它音频格式
AIF/AIFF:苹果公司开发的一种声音文件格式,支持MAC平台,支持16位44.1kHz立体声。
AU:SUN的AU压缩声音文件格式,只支持8位的声音,,是互连网上常用到的声音文件格式,多由SUN工作站创建。
CDA:CD音轨文件。
CMF:CREATIVE公司开发的一种类似MIDI的声音文件。
DSP:DigitalSignalProcessing(数字信号处理)的简称。通过提高信号处理方法,音质会极大地改善,歌曲会更悦耳动听。
S3U:MP3播放文件列表
RMI:MIDI乐器序列

有损压缩:
AAC:在高比特率下音质仅次于MPC,在高比特率和低比特率下表象都很不错。就是编码速度太慢!
MPC:低比特率下表现一般,不及Mp3Pro编码的MP3和OGG,高比特率下音质最好,编码速度快!
OGG:低比特率下音质最好,高比特率同样也不错。编码速度稍慢。
MP3(MP3Pro):在低比特率下音质次于OGG,其他方面同MP3
WMA:高低比特率下都一般,不支持VBR,最高192Kbit/s

无损压缩:
FLAC:压缩率在四个中最差,编码速度不错,平台支持很好。
PAC:稍慢的编码速度,压缩率排第三,平台支持良好。
APE:编码速度最快、最好的压缩率,平台支持一般。
WV:编码速度非常快,压缩率在四个种排第二,仅支持Windows平台。
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愛爾蘭、蘇格蘭、英格蘭民謠導覽◎高克龍


所謂克爾特(Celtic)文化,一直是一個曖昧模糊的概念,並非像一般國家是由人口和政治來區隔,而是從音樂、文化、語言上來界定。舉凡愛爾蘭、蘇格蘭、英格蘭、威爾斯、法國、西班牙、義大利、土耳其,都有一點克爾特文化的色彩。
從六十年代開始,有一股很強的克爾特文化復興勢力崛起,主要是在英國愛爾蘭,從鄉下村莊裡的PUB漸漸向外蔓延伸展。當時,在音樂上很重要的一個人物是SeanORiada,他擁有一個古典音樂的樂團,卻賦與音樂很愛爾蘭的風味,造成一種新曲風的時興。在他去世後,樂團中一個吹風笛的人,叫PaddyMoloney,組成TheChieftains樂團,成為當代愛爾蘭民謠最有名的樂團。這種結合現代和傳統的音樂,具有聽覺上的新鮮度,詮釋技巧也非常好;再配合完整的市場行銷,雖然處在開拓階段,卻幾乎像是風行草偃般,整個英國和愛爾蘭的年輕人突然對克爾特文化,尤其是音樂產生了莫大的興趣。蘇格蘭地區比較少,可是整個克爾特文化已經漸漸潛移默化大家的心靈,所以不久後便有很多樂團如雨後春筍般紛紛出現。英格蘭地區也對搖滾比較有興趣,直到後來才有民謠的復興。

愛爾蘭民謠
藉由歷史、政治和文化力量來維持生命力的愛爾蘭傳統民謠,時至今日仍是西方世界音樂文化表現最豐富的一種。

早在工業革命之前,只有鄉下才有克爾特文化;工業革命之後,由於大眾傳播媒介的發達,加上國際旅行越來越方便,因此過去不同文化各自為政、彼此有隔閡的時代已經結束。克爾特文化漸漸傳播到大城市及國外英美澳等地,在全世界各處都有愛爾蘭偏克爾特曲風的一些演唱會、音樂比賽、音樂節等非正式來往,形成文化交流的和諧場面。

早期的愛爾蘭民謠,泛指舞會上的音樂(DanceMusic),大部分都不須唱歌,只是純粹的樂器演奏。愛爾蘭人無論在家裡、在廚房、在十字路口、在婚禮、在任何活動場合,都會譜曲作音樂,與生活渾然天成、融為一體,和吉普賽、匈牙利、東歐的文化很像。不過,這種音樂的目的是為了跳舞,因此你得動動腳、搖搖肩膀,讓音樂解放你的身體。到了二十世紀初,舞會上的音樂還是很受歡迎。但漸漸地,越來越多人到大都市找工作,城市裡有狄斯可、有收音機、有唱片、有CD,所以街上的音樂越來越不重要了。曾經有一段時間,愛爾蘭傳統民謠喪失了活力,彷彿茍延殘喘般,窩在鄉鎮村莊的PUB中,直到最近三十年才再度復興。

現在的愛爾蘭民謠,主要有兩種表演方式:一種是針對要跳舞的人;另外一種是在PUB裡表演,針對觀光客或其他觀眾。給舞者的音樂比較難,不像PUB裡那麼快,須要特別技巧。在PUB裡歌曲動聽與否不是很重要,重要的是如何才能完整表達出創作者的想法和感覺。

愛爾蘭的民謠傳統也有兩種,一種是古老的方式seannos,只有一個人清唱,沒有樂器伴奏,旋律很慢、有點悶,聲音的改變也不多。而且唱歌的人對聽眾要求很多,希望聽眾能了解他到底是怎麼唱的才會欣賞,如果不了解seannos的演唱概念,就比較難欣賞。Seannos旋律緩慢,發源於宮廷詩人,和中古時代的歐洲一樣,他們通常被國王或某家族族長找來唱歌,由此發展自成一格。

另一種是介於愛爾蘭和英格蘭不同語言的哂梅绞街?g,有時用蓋爾語(Gaelic)唱,有時則用英文來唱,多在PUB演唱,比較活潑。愛爾蘭的PUB表演,除了須購買門票才能觀賞的知名樂團正式演出以外,還有各種免費的非正式演出,只要給樂手或歌者一個角落,他們就會即興表演歌舞,是最有意思的音樂欣賞。

愛爾蘭民謠所使用的樂器,多半是小提琴、風笛和其他笛子,最有名的樂團是TheChieftains。他們原本是以傳統音樂為主,後來為了迎合潮流,也會找一些有名的搖滾音樂人來搭配表演,所以與RollingStone及很多流行樂手合作過,但本質上還是一個很傳統的樂團。

TheChieftains裡所有的成員演奏技巧都很好,主要的樂器是風笛,據說風笛要學習七年、練習七年、表演七年才能學會。對於愛爾蘭人而言,風笛尤其難學,也許和它是外來樂器,十八世紀才傳入有關。事實上,愛爾蘭最具代表性、最早期的樂器是豎琴和手鼓,節奏同樣難以控制也很難表演。

TheChieftains六十年代開始表演時,讓很多年輕人大感意外,沒想到古老的民謠也具有如此活潑的生命力,於是便開始對愛爾蘭民謠產生興趣。於是越來越多人加入民謠復興的行列,如ChristyMoore,他的個人創作音樂最引人入勝,但較偏沒那麼傳統的音樂。ThePogues是在倫敦長大的愛爾蘭人,曲風以節奏快且活潑著稱。另一個團體Altan成立於一九八七年,始終堅持用傳統樂器唱傳統的歌。大家所熟悉的恩雅的合作樂團Clannad,約二十年前仍維持傳統路線,現在則使用電子樂器,曲風搖滾,顯然與傳統漸行漸遠。這一點也是目前最具爭議性的,究竟新的改變是進步,還是商業化?不改變就算故步自封嗎?

蘇格蘭民謠
一般人對蘇格蘭的刻板印象是----吹風笛穿裙子的男人,所以蘇格蘭人的文化復興活動在其他國家被接受比較難。

從六十、七十年代開始,有一些重要的人如EwanMacColl,因應二次世界大戰後,美國音樂的影響越來越大,立志保護傳統民謠。他本來是演員,因為是低地人,故曾接受英格蘭文化的洗禮,唱的歌多半是自己創作,與政治、大眾生活有關的敘述性歌謠,無論是描摹蘇格蘭人或英國北部礦工文化,皆極具社會批判色彩。後來他到英國的BBC廣播電台中表演,唱的都是一般老百姓生活的問題,從那時開始,他就變得很有名。貓王甚至唱過他寫的一首歌,還得了葛來美獎,叫「FirsttimeIeversawyourface」。EwanMacColl是整個英國民謠界最有影響力,也是最有才華的人,他從五十、六十年代時,就有自己開的FolkClub,據說當時有一個不成文的規定,即歌手和音樂家在這個Club裡只能表演自己國家的歌曲,可見他其實是民族性很強的一個人。Ewan寫的歌多半和歷史有關,寫蘇格蘭人和英格蘭人之間的矛盾關係,「JohnnyCope」即為其中代表。

另外還有一個人,也是被EwanMacColl影響到的,叫DickGaughan。他跟愛爾蘭的ChristyMoore有點像,同樣是自己寫歌,也蒐集別人的歌。他常常去別人的演唱會聽一些歌,唱完以後就會跟歌手講「可不可以給我歌詞?」所以以前的歌就是這樣一代傳過一代。

蘇格蘭最具代表性的是EwanMacColl、DickGaughan,多是比較有批判性的歌,與歷史有關。當地也有很多Pub,如愛丁堡和格拉斯哥,可以參與現場樂團的LIVE演奏。

英格蘭民謠
英國流傳下來的民謠很多,可能和當地音樂工業的興盛有關。六十年代即有民謠復興邉樱?饕?谟??辈縉orthumberland,因其地理位置靠近蘇格蘭,加上許多愛爾蘭人移民到英國時,會經過此地,於是形成三地民謠文化的大融合。

英格蘭整個民謠界始終維持著一種傳統,即有舞蹈的樂團,也有很多歌都和礦工生活有關。英格蘭西北和東北盛產煤礦,礦工都有這種舞蹈樂團,且做了很多批判性的抗議歌,尤其在1968、1969年。另外,從倫敦來的BillyBragg,也是唱比較批判性的歌,他有一首歌叫「Thereispowerintheunion」,描寫各行各業都應該有工會,才能爭取自己的權力。

談到英格蘭很多人會想到TheWatersons(瓦特森家族),在六十年代很紅,是民謠復興活動的主要人物。如今整個團早已不再聯合演出,還好NormaWaterson和MartinCarthy結婚了,他們的女兒ElizaCarthy是個小提琴手,因此整個音樂家族或全家合作或個人創作,也陸續出版了許多CD。

MartinCarthy是民謠界一個非常重要的人。1969年民謠手鮑伯.狄倫在某個演唱會上,開始從木吉他改成電子吉他時,遭到很多人抗議。MartinCarthy幾年後也循此改變,卻被大眾攻詰他把英國民謠給賣掉。鮑伯的歌多是自己創作,要怎麼改隨他,但Martin的歌都是改編自傳統歌謠,因此後來他的演唱路線便從民謠改成搖滾。

他成立了幾個很重要的樂團,分別是FairportConvention、SteeleyeSpan、Albionband共三個,早期曲風是美國抒情搖滾,後來改成民謠加上電子吉他。那個時期樂團文化非常興盛,而且有一個有趣的現象,就是整個英國愛爾蘭民謠界的人,彼此經常跨團互相合作。很多英格蘭的民謠經典都是比較慢的歌。

繼FairportConvention後有一個搖滾樂團,是Oysterband,他們從八十年代開始表演,走民謠搖滾曲風,令人耳目一新,他們的首張專輯「EnglishRock&Roll,TheEarlyyears1800-1850」,由專輯名稱來看,Oysterband倒也將英國民謠視為搖滾樂的根源之一。

被譽為英國民謠之后的JuneTabor,從七十年代就開始唱傳統民謠,她的作品是以傳統民謠為根基,在音樂與文字上略作修飾,呈現出更加精緻且具文學色彩的民謠經典。

愛爾蘭、蘇格蘭、英格蘭民謠透過口傳的形式代代相傳,使民謠成為一種活的藝術,在不斷的修改增刪中與人民的生活真正結合。
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电子分类及相关分类

ACAPPELLA

ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲,但凡纯以人声唱的歌都是ACAPPELLA,不过今天我们说ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法,连乐器伴奏都由人声唱出。ACAPPELLA的相反是INSTRUMENTAL,即纯音乐乐曲,任何类型的歌曲都可以以ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的ACAPPELLA歌曲是"SOMUCHINLOVE",香港ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。

Ambient

听起来起伏不大,但其实一直在做改变,像是长时间的音效,或是渐进式的音乐编排等等,常会营造出有层次的空间感,所以被称为"情境音乐",且常对於生活周遭的声音做取样,如人声,汽车声,甚至是其他音乐的旋律...等等.为70年代的BrianEno所创,是一种很"高深"的电子音乐.后来Ambient也有分支,如AmbientHouse,AmbientTechno...等等,相信大家从字面上就能了解,其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子,甚至某些古典乐中也有Ambient的味道.

Ambient是七零年代由BrianEno所提出的音乐理论。Eno先生在提出这套音乐理论之前,是某摇滚乐团的键盘手。七五年的某天,他发生车祸,腿断了,躺在医院里头。离他的病床不远有一台破旧的唱机。唱机已经很烂了,那天又下著雨,传到耳里的音乐变得模糊不清,音符和音符之间难以区分。昏头昏脑听著,Eno发现和雨声合而为一的音乐变得格外特别。音乐似乎是缭绕在身旁,你能感觉出它的〝气氛〞所在。音乐好像变化不大,但实际上它是不断变化著,只是很细微罢了,要长时间才听得出来。蒙蒙矓矓的音乐演显得很有空间感。Ambient的〝环境〞之义(或是情境)就是这些特色的代表。Eno出院后,即以这些概念著手制作音乐,也产生了Ambient的原型代表专辑Ambient1:MusicforAirports。
  Ambient音乐可以让人感受不到的存在,有点类似〝背景音乐〞。有时音乐播玩时,你会惊讶地说〝怎么已经放完了?〞。长时间细微的变化,是Ambient最明显的特徵,深度的空间感和层次感则是Ambient所营造的,有时一首Ambient曲子长达十几分钟不足为奇。既然是环境音乐,Ambient中常出现身活周遭各种声音的取样。取样人声和其他音乐已经不怎么稀奇了,Ambient更可能出现飞机声、电话声、水流声、收音机中混著杂讯的音乐…你想得到的都可能出现。

  但Ambient的概念是BrianEno最先想到的吗?这就不是了。活跃于五零、六零年代,对于现代乐和实验乐有极大影响力的音乐家JohnCage早有这种概念,只是他没把它叫Ambient罢了。JohnCage相当有名的作品:4'33"即表现了这个概念。JohnCage请和他长期合作的钢琴手DavidTudor〝表演〞这首〝曲子〞。他请DavidTudor带一个时钟上舞台,然后坐在钢琴前盯著时钟看,但是啥也不弹奏,等到四分三十三秒过后再下台。如此的举动,自然引起台下听众不安的气氛,听众们开始发出许多杂乱的声音,包括交头接耳,坐立不安,等等窸窣声。JohnCage就是要大家感受这种〝身历其境〞的感觉,和环境中的各种声音。此举堪称乐坛创举。


BOSSANOVA
BOSSANOVA是种带JAZZ味道的巴西音乐,1950年代作曲家ANTONIOCARLOSJOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸COOLJAZZ混合而成,柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个BAR的第1,4,7,11,14拍为重拍。歌手JOAOGILBERTO的纯厚歌声是JOBIM音乐的出色拍档,50年代中期传入美国後大受欢迎,其他着名BOSSANOVA乐手有CHARLIEBYRD,STANGETZ和ASTRUDGILBERTO等,最着名的歌曲为"THEGIRLFROMIPANEMA"。OSSANOVA於60年代最流行,其馀年代亦不断有捧场者。


Breakbeat

不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律,而是以破碎的节拍呈现,像是切分拍.如在两拍中加入小碎鼓,等等,Breakbeat只是一个总称而已,有很多种音乐都属Breakbeat,如以下的Brit-Hop,Big-Beat,和黑人的Hip-Hop便是一种


Brit-Hop

把黑人Hip-Hop的节奏加快鼓声加重,配合些许电吉他,Bass,有摇滚乐的味道,如TheChemicalBrothers的曲风即是.


Big-Beat

"大节拍",把Brit-Hop变得更快,节奏更重,更有摇滚的味道,可说是将Brit-Hop改良后,更成熟的一种曲风,你可以想像一下又重又碎,又有点快的节拍是什么样子.如TheProdigy,TheChemicalBrothers,FatBoySlim即是BigBeat的"大角

BigBeat是自约1997年左右兴起的音乐形态,其基本概念,就是将摇滚乐和电子乐结合起来,即是将演奏取向的摇滚乐,以电子乐方式制作,变成舞曲的形式。(不过外头也不乏以摇滚乐为主的舞会。)
  BigBeat最明显的特徵,应是它节奏的部份。BigBeat的节拍走Hip-Hop方向,但是被加重、加快很多。又重又碎的拍子,有时比Techno这类4/4拍强力机械式的舞曲更具有爆发力。因此BigBeat不只受舞曲迷欢迎,更受摇滚迷喜爱。

  其实早在1990年TheProdigy乐团成立时,他们便有将摇滚和电子结合的概念。但当时他们的音乐电子成份还是很重,其节奏和音色的使用,可能较接近于Techno。直到1995年TheChemicalBrothers的专辑ExitPlanetDust推出后,才将摇滚的部份明确化。那时乐评们称他们的音乐为Brit-Hop。很明显这个字源自于Hip-Hop,又因为TheChemicalBrothers是英国团体,才使用〝Brit〞这个字。(简化了British,〝英国的〞之意。)

  97年TheProdigy的专辑TheFatOfTheLand推出之后,大家才见识到摇滚和电子结合的威力。相较于ExitPlanetDust的松散,TheFatOfTheLand的制作更加成熟,节奏变得更肥厚,音色也接近于工业摇滚,更有爆发力。这张专辑更在英美两地的流行音乐榜上有非常好的成绩,表示大多数的人都很认同这种音乐,此时BigBeat这个字才正式浮现。不过这可能表示,BigBeat是电子乐中〝最不电子的一种〞。虽说TheProdigy的气势好像压过了TheChemicalBrothers,但说他们是都是电子摇滚的代表,绝对不为过。电子和摇滚的结合也花了六、七年才趋于成熟。又由于BigBeat实为摇滚乐建构在电子乐上,因此也有人称它为〝Techno-Punk〞。


ChillOut

这只是一种统称而已.在舞池旁边,常会有一个区域,或是小房间,里头会放一些较缓和,较平静的音乐,让舞客跳完舞后缓和情绪,休息一下,以放Ambient音乐为主,所以会叫"ChillOut"(冷却)就是这个缘故.TheOrb可说是ChillOut音乐大师.
在舞厅中常有一个小区域,放一些轻松的音乐让狂欢后的舞客们静一静,经常是放Ambient音乐。但ChillOut只是个统称而已,因为也可能放其他的轻音乐也说不定。ChillOut即有〝冷却〞的意思


Drum'n'Bass

对某些人来说,Drum'n'Bass的音乐可能很烦,因为Drum'n'Bass很注重在节奏上玩花样,还有Bass的表现,像是很快很快,复杂的碎拍,以及运用各种不同的电子鼓,或是取样而来的鼓声.因此Drum'n'Bass也是Breakbeat的一种.4Hero为Drum'n'Bass的知名乐团.

约95年左右出现的Drum'n'Bass,则结合了Jazz乐风,柔和了许多。顾名思义,Drum'n'Bass就是著重于鼓声和低音的表现。鼓声可能全部采用电子合成,也可能取样自真实鼓声。而它的Bass声则是显得格外巨大,有时声音还会扩散开来。但Drum'n'Bass音乐也可能清一色使用鼓声,然后将大鼓的声音用效果器〝压扁〞成Bass声。这类低音相当有压迫感,有点撞击的感觉,耳朵很容易听出来。但也有乐团有时使用真实的低音大提琴负责低音部份,如英国的4Hero乐团。

  虽说Drum'n'Bass有如Jungle的改良,但它俩其实界线不是非常明确。若是你听到曲子的节拍又快又复杂,或是很难抓它的节奏感,那可能就是Jungle/Drum'n'Bass了。


Dub
Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae(瑞格,也有称之为雷鬼,一种很有节拍性,唱腔特别的南美黑人音乐).而将Dub运用在电子乐上,则是将部份歌声抽离,将Bass和鼓声加重,并且加入大量的Echo(回音)等效果.这种技术常在现场表演时,将歌曲重新混音(Remix)呈现.像MassiveAttack的专辑Protection便由MadProfessor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本.

七零年代就有Dub这玩意了,Dub这个字有〝咚咚敲打〞之意。跟Dub关系最近的乐风应属雷鬼乐(Reggae),极有节奏感的节拍,加重低音,偶尔出现雅买加式的饶舌,是Raggae最明显的特徵。
  至于最原始的Dub,则是去掉人声,将拍子和低音加得更重的雷鬼音乐,有时还会加入些回声的效果,不过现在许多的Dub都没有雷鬼味了。Dub相当著重低频部份,不只是Bass音,连鼓声都会变重。有些DJ在放音乐时,就算不是放雷鬼乐,也会用Dub手法处理音乐,让音乐变得更有压迫感。由于Dub有些敲击乐的意味,若是应用得当,可以营造出浓厚的异国风味


DREAM-POP
DREAM-POP是种“梦”般的流行曲,它有一种迷离的气氛,多靠SYNTHESIZERS(电子合成器)造成,加了ECHO效果的电结他也是重要的成分,歌唱部分往往很'BREATHY'即呼吸声重,歌词也往往有梦般的诗意色彩。代表乐队有COCTEAUWINS,LISAGERMANO,ST.ETIENNE,THISMORTALCOIL,MYBLOODYVALENTINE,MAZZYSTAR和DEADCANDANCE等。中文歌手以王菲为首,代表作有"迷路"、"DI-DA"等。


Electro
八零年代初出现的Electro,其实没有风行很久,只有少数几首代表曲子而已。Electro是饶舌乐的一种,结合了七零年代的Funk,使用当时流行的电子鼓TR-808做为节奏基础,相当有节奏感,且大量使用合成旋律。后来八零年代中期以〝取样〞为主的Hip-Hop出现后,渐渐取代了Electro。
  但九零年代仍有许多舞曲艺人使用Electro元素,就连Techno也不例外,如英国的Orbital乐团,和DetroitTechno教父JuanAktins。

早在70年代末,80年代初,那时还没有House,Techno...这类玩意儿,电子音乐也较不盛行,只有Electro这类电子音乐而已.Electro可说是纯粹以电子合成器(Synthesizer,长得有点像Keyboard)来发声的音乐,通常蛮轻柔的,且常使用Roland公司的鼓机(DrumMachine)TR-808来发鼓声.德国的Kraftwerk乐团可算是代表.现在的Electro音色比以前明亮,透明许多.后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐,被称作OldSchool.现在的FatboySlim(流线胖小子)也融合了一些Electro和OldSchool在音乐中.



Electrophonic

随着时代的演进,音乐家有了更多制作音乐的方法.所谓电子音乐,就是以电子合成器,音乐软体,电脑等所产生的电子声响来制作音乐.电子音乐范围广泛,生活周遭常常能听到,在电影配乐,广告配乐,甚至某些国语流行歌中都有用到,不过以电子舞曲为最.很多人认为电子乐是一种冷冰冰,没有感情的音乐.其实电子乐也可融入Rock,Jazz甚至Blues等多种元素而充满情感的。
电子音乐的类型也是多种多样的,包括House、Techno、Ambient、Trance、PsychedelicTrance、Breakbeat、Brit-Hop、Big-Beat、Trip-Hop、Drum'n'Bass、Jungle、Electro、Dub、ChillOut、Minimalism。


FOLK

民歌(FOLK)原本是指每个民族的传统歌曲,每个民族的先民都有他们自原始/古代已有的歌曲,这些歌绝大部分都不知道谁是作者,而以口头传播,一传十十传百,一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌(FOLK),大都是指流行曲年代的民歌(FOLK),所指的是主要以木结他为伴奏乐器,以自然坦率方式歌唱,唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手WOODYGUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音,所以普遍被认定是现代民歌(FOLK)的祖师。之後PETESEEGER、THEWEAVERS继续推动这类音乐,六十年代越战,反战民歌手如BOBDYLAN,JOANBAEZ,PETER,PAULANDMARY等成为时代的呼声。後民歌向POP,ROCK及都市化发展,BOBDYLAN发明了FOLKROCK,SIMON&GARFUNKEL发展出中产口味的都市FOLKPOP,风行一时。八十年代SUZANNEVEGA,TRACYCHAPMAN等+走出一种更富现在都市感觉的URBANFOLK(城市)/CONTEMPORARY(当代)FOLK路线。民歌(FOLK)在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌(FOLK近年较新的发展是与NEWAGE结合(如ENYA),及与TRIPHOP结合(如BETHORTON)。
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house
HOUSE是於八十年代沿自DISCO发展出来的跳舞音乐。这是芝加哥的DJ玩出的音乐,他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(DrumMachine)规律的节奏及黑人蓝调歌声混音在一起,House就产生啦~一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏,一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱.DISCO流行后,一些DJ将它改变,有心将DISCO变得较为不商业化,BASS和鼓变得更深沈,很多时变成了纯音乐作品,即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子,往往没有明确歌词。渐渐的,有人加入了LATIN(拉丁)、REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、RAP(说唱)或JAZZ(爵士)等元素,至八十年代后期,HOUSE冲出地下范围,成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。
为什么会叫"House"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中最容易被大家所接受的.Cher唱的Believe就是个好例子.而M-People可说是House代表团体.House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐.

HOUSE的分类:
AcidHouse
融合了TB-303的Acid声的House乐

DeepHouse
有着相当浓厚的灵魂唱腔,又叫作Garage,蛮流行化的.像RealMecoy,M-People,LaBouche都是Garage团体.

EpicHouse
就是"史诗"House.EpicHouse有着优美,流畅的旋律和磅礴的气势,很少会有vocal在里面(几乎是没有!).BT的音乐就是很棒的EpicHouse,而他也被称作"EpicHouse天皇".其实连Rock也有"EpicRock"

HardHouse
简单来说,就是节奏较重,较猛的House.

ProgressiveHouse
这类House没啥灵魂唱腔,反而比较注重旋律和乐曲编排.有一点像"演奏类"的House乐.像SASH!的专辑It'sMyLife便是很好的ProgressiveHouse专辑.

TribleHouse
想像一下:带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓奏的House是啥样?这就是TribleHouse~这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间,会加入一些带有原始风貌,零碎的鼓点.蛮有趣的~

不过,House的范围太广了,大家也不用硬要把一首曲子分类.这些只是告诉大家,House很多种"而已。

到了九十年代,HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩,但仍是很受欢迎的音乐。





IDM
IDM就是IntelligentDanceMusic的缩写,通译为聪明舞曲,这种形式的音乐其实很多很常见,只是人们都不那么称呼罢了。节奏在电子音乐或电子的声音中占有极其重要的地位,究其根源,相当复杂,和最初的黑人节奏有关,和原始舞曲有关,和欧洲的地下集会有关,和异域(尤指南美、印度等地)的古怪打击乐有关。但总体说来,IDM要尝试的应该是从节奏里面寻找旋律的可能性。

  最具代表性的就是那种把普通节奏调速,使其疏密有别,然后再混杂在一起的作品,忽快忽慢、忽动忽静,在配之以声相调节、延迟回声,让人无法想象这个拍子接下来会变成什么。能否给听者一种旋律感就要看创作者的修为了。其实IDM毫无特别之处,它也像其他音乐的产生一样,无非是对常规的另一次反叛,打破固有的时段Loop模式。所以大多数对传统有厌烦情绪的青年人自然而然成了这种形式的追随者。不过,IDM在中国好像不是那么有知名度,不信你去调查,现在能知道A4的人肯定没有知道F4的人多,虽然我会毫不含糊的说——26个字母越往后越烂!

  我把Gescom/Autechre的一系列专辑算作是我对IDM深刻认识的一个开始。A,发明一种谁都没有听过的节奏型;B,像世外高人一样的态度,把简单的东西变得精美而复杂;C,不要节奏,随兴所至,挥手即成;D,在ABC中取交集或合集。Gescom则给我添了一个选项E——为何不从相反的角度考虑问题?——就用旋律编织节奏,然后由节奏再反映出舞曲的旋律。这个奇妙的二元思维让我对那张EP《KEYNELL》惊叹不已,就是那么几段交响乐(甚至怀疑是某部帝国主义大片中的片断)按照编制舞曲的方法进行拼贴,于是音乐喜剧化的在跳跃中反复铺展,能把借来得变成自己的,那样才算真正的“聪明人”。

  IDM范围应不应该是非主流的艺术,这个很难说,我发现一些比较“权威”的“大师”对这种音乐态度不是很好,大概也真的有很多类似的东西在近年来被太多的人们提起,有些恶俗了。但我倒觉得他是一种形式向另一种形式过渡必须跨过的界限,或者干脆重复不久前和朋友争论态度时说过的一句话——“当然是各自有各自的态度最好了,如果大家都一样的话这个世界真会疯掉。”


Jungle
Jungle就是Drum'n'Bass的前身.Jungle的速度比Drum'n'Bass快很多,而且节拍更为复杂,比较强悍,有时会搭配一些Rap,不像Drum'n'Bass会融合一些Jazz,Soul等元素,听起来比较柔(当然这是和Jungle比起来~).连"摇滚变色龙"DavidBowie现在都搞起Jungle了

Jungle承袭了Hardcore的精神,听起来很〝硬〞,其碎拍更是迷人,也常出现一些Rap,使Jungle有很重的黑人味(其实早期许多Jungle乐手都是黑人)。基本上,要做出又快又复杂的节拍任何人都会,但如何在复杂且快速的节奏中,让听众了解〝你到底在做什么〞,就不是件容易事了。一些Jungle先锋如Goldie等人,其对于节拍建构的功力真是一等一。


Minimalism
这被翻译成"极小派乐风",在Ambient和Techno的音乐中常听的到.带有Minimalism的曲子有着重复性的旋律,还有一种特别的律动,感觉上像一种特别的频率一样让你听了会有被催眠的感觉.JeffMills的作品就属于MinimalDetroit-Techno,带有相当的迷幻色彩.


NEWAGE
NEWAGE是种宁静、安逸、闲息的音乐,纯音乐作品占的比重较多,有歌唱的占较少。NEWAGE可以是纯ACOUSTIC(即以传统自发声乐器演奏)的,也可以是很电子化的,重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉,洗涤听者的心灵,令人心平气和。NEWAGE很多时与音乐治疗有关,不少NEWAGE音乐说可以治病,也有不少与打坐冥想有关,这与NEWAGE思潮哲学有莫大关系。NEWAGE音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐,WINDHAMHILL是最具代表性的NEWAGE唱片公司,NEWAGE代表乐手有ENYA,GEORGEWINSTON,WILLIAMACKERMAN,YANNI,KITARO等等。


ORCHESTRA
ORCHESTRA就是管弦乐团,它分成四部分:1弦乐,包括小提琴、大提琴等,2铜管乐3木管乐和4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏(竖琴除外),四组演奏者由一人统筹兼领导,他就是乐团的指挥。ORCHESTRA於17世纪出现,到18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世纪加入了些新乐器,乐团人数加大。ORCHESTRA是西方古典/正统音乐的正宗。西方流行/摇滚乐也经常运用ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。


SynthPop
SynthPop中的"Synth",即Synthesizer,顾名思义,SynthPop就是“由Sythesizrs炮制出来的流行乐”,当然除Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。SynthPop於八十年代初期开始流行,至八十年代中开始沉寂,当年在香港也曾掀起过一阵热潮。SynthPop的特点是科技感强,有时会颇冰冷,歌曲多是“三分钟流行曲”(3-minutesPop),很多时SynthPop乐手会作入时打扮。

SynthPop代表组合:DepecheMode、HumanLeague、DuranDuran、OMD、GaryNuman



Techno

Technology,即表示"高科技舞曲"啦!利用电脑,合成器合成,做出一些特殊音效,这种音乐常常是许多音效组合起来的.Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快,且听起来具重复性,较强硬,较机械化,所以某些人称Techno为"工业噪音",但某些还是会注重旋律的.Techno起源于美国底特律,有三名DJerrickMay,KevinSaundersonJuanAtkins尝试将电子乐与黑人音乐结合,而产生了DetroitTechno.DetroitTechno通常较平缓,不像一般的Techno那样强劲,可说是现代Techno的起源.

Techno即是英文中科技一字Technology的字首。顾名思义,Techno相当有科技感(插个嘴,电子乐本身就很有科技感嘛。)。Techno的层面相当广,它至少包括了强硬的TR-909电子鼓节拍,和使用电脑或合成器所制造出来的旋律,及许多怪里怪气的音效。
  Techno不像House那般,总是将听众的情绪捧得高高的,让你觉得很happy。相反的,Techno的行进相当内敛,有时甚至冷冰冰的,没有House那欢愉的气氛。且Techno的行进很机械化,重复性很大,有时连音符都很少,没啥旋律,会让听者有如置身工厂般,再加上又快又吵的4/4拍节奏,有人称Techno为〝工业噪音〞。(但过度的重复性,正是常人认为电子乐听起来很没趣的原因。)

  至于Techno这个字正式被乐评套在音乐上,则是在八○年代末。美国的重要工业城:底特律有三位DJ:DerrickMay,KevinSaunderson,JuanAtkin尝试将如Kraftwerk般的纯电子乐,和其他黑人音乐如灵魂乐和Funk做结合(跟House有点像喔。)这类的Techno被称作DetroitTechno,相较于其他的Techno,听起来是格外温暖,但也少不了科技感。直到现在DetroitTechno的影响力还是很大的。

  至于DetroitTechno的根源-Kraftwerk乐团-所影响的就不只是Techno和House了。早在七○年代,Kraftwerk就已尝试利用电子合成器制作音乐,包括普通乐器所做不出的音效,以及冰冷的电子节拍。科技感中却带有一些人性的温暖,这就是Kraftwerk的特点,也是直接影响DetroitTechno的地方。

Trance


迷幻舞曲,由Techno演变而来,听了会让你有"出神"的感觉,但还是保有舞曲的律动,很注重Bass的表现,某些听了会有"催眠"的效果.拍子也是以4/4拍为主.不过我也有听过用Breakbeat的(下面会介绍),如SvenVath的专辑Fusion.

当Techno正在底特律萌芽时,美国本土却没太多人注意它,反倒是德国的DJ们很爱这种跳舞音乐,且他们走的是又快又猛的路线。后来他们在Techno中加入一些很有催眠感的TB-303声音,或是些快速的钢琴弹奏,便渐渐演化成现今的Trance。
  Trance的本意即是〝恍惚〞之意,但大多数人喜欢它梦幻的感觉,甚至有人喜欢它邪气的部份。Trance保留了Techno的律动和能量,更著重于旋律部份,且在Trance中,低音部份占了相当重的份量,因为bass音很能产生迷幻感。有时也能听到类似弦乐手法的堆叠旋律,或是跳跃式的音符。总之,你可以很轻易的感受出这类音乐所要营造的气氛。

  在Trance的众多分支中,最重要的非GoaTrance莫属,有时它也被称作PsychedelicTrance。Goa一字来自于印度的某一小岛的名字,在那常常举办party。GoaTrance有著层层堆叠的TB-303声音,音符变化之间非常细微,更有著东方色彩。如果你在唱片行看到GoaTrance唱片封面上印著佛像,不用太惊讶。

  Trance在舞曲市场中占有一席之地,其商业化程度也不可小看。目前我看过最受争议的,大概是德国团体666了。有人认为他们的音乐很炫,但有人认为他们专做了无新意的芭乐歌。不过像666的团还多著呢。

PsychedelicTrance
又名GoaTrance,发源于印度的一个小岛上.Goa即为这小岛的名字.,旋律常带有印度风味.这类Trance的特徵,就是很重视旋律,音符之间的细微变化,且常有重叠的旋律,和高亢的TB-303声音出现.有点Ambient的味道.


Trip-Hop

Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种,它的名字来源是“Trip+HipHop"=Trip-Hop",因为它发源自英国的Bristol,因此最早时称作"BristolHip-Hop".。由于把把Hip-Hop(其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的...不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人,他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的.)节奏变慢(有时很慢很慢),加入一些迷幻的味道,如很阴沉,肥厚的Bass,轻微但迷幻的合成音效,或是些唱片的取样,有时可能连唱片的杂音都会被"故意"取样进去.所谓“Trip",指迷幻,氤氲的药物「旅程」,所以,Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有Jazz感觉的、迷糊的、带点HipHop节奏的Breakbeat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类,但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。

Trip-Hop是九零年代一种新型态的Hip-Hop乐。相较于把Hip-Hop变快的BigBeat,Trip-Hop将Hip-Hop变慢(有时很慢很慢),搭配肥厚的Bass音,轻柔、迷幻的音色,跟原本的Hip-Hop比起来,少了一些〝侵略性〞。
  既然根源是Hip-Hop,Trip-Hop也会出现一些Rap和唱片取样。不同的是,Trip-Hop出现的Rap多为相当轻柔的,而其唱片取样,多取样自六零、七零年代的老唱片,有时连唱片的杂音都被取样,成为音乐的一部份。MassiveAttack的作品Teardrop对于杂音的运用就相当得当,让人一点都不觉得杂音是干扰。

  Trip这个字的本意,可以指〝吃了***后的精神状态〞,因此黑暗、恐怖、压迫感等不开朗的形容词常被用来指称Trip-Hop,而这也是此类音乐所著重的。若是音乐中出现歌唱,常是女性歌手来唱。但我觉得男性歌手更能表现这些特质。Trip-Hop中常出现真实乐器演奏,而非合成音色。其音乐形态相当适合以〝乐团〞方式呈现,特别是在现场表演时,毕竟它不是舞曲走向。

外国Trip-Hop代表人物:
Trip-Hop中公认的铁三角:Portishead,Tricky,MassiveAttack.
MandalayMoloko
Coldcut



WORLDMUSIC
WORLDMUSIC是西方角度观点的词汇,意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐,通常指发展中地区或落後地区的传统音乐,例如非洲及南亚洲地区的音乐,有些地区如拉丁美洲的音乐,则能普及到自成一种类型。今天大家说的WORLDMUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的KINGSUNNYADE,东欧的DONBYRON,中国的朱哲琴,巴基斯坦的NUSRATFATEHALIKAHN等是西方乐迷较熟悉的WORLDMUSIC乐手。
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在网络看见此文章,觉得教详细,便转过来给大家看看


聊一聊黑暗音乐(darkwave)

??这是我原来贴在"有约"的一个贴子,当时curemyspirit提到我喜欢的darkwave音乐,恰逢当晚我心绪不宁睡不着觉,就想到哪写到哪地凑出一篇,darkwave是个比较复杂的音乐,无论是其种类的繁多还是起源的众说不一,都让人迷糊.我自己说实话很多东西也不清楚.这些天东翻西看,又长点知识.就在那篇的基础上改了改,搬到锦瑟供各位剔牙的时候看看.知道的朋友相互交流一下,还没有接触的朋友了解一下,或许会很喜欢,或许这将是你的musicofdestiny.<!--emo&-->[img]style_emoticons/<#EMO_DIR#>/smile.gif"border="0"style="vertical-align:middle"alt="smile.gif"/><!--endemo-->但我先提个醒,darkwave的cd很难买,国内几乎是凤毛麟角,比死亡金属的唱片还难买,所以...呵呵(坏笑...)

??听着DREAMOFSANITY"withthemoonlightguidingme",觉得耳塞里孤独的歌声就是一个桥梁,接通另一个世界.只有这个时候我才是我,沉静,自信,**,充满你所不了解的东西...象anathema唱的:"hopeyoudon'tunderstand".这很矛盾吗?而我觉得这是我的财富。

??一言盖之,darkwave是黑暗音乐,属于所谓亚文化,有翻译成"阴暗乐派"的,有翻译成"黑暗浪潮"的,就思想意义来说是描写宗教,人生和社会的另一面.说darkwave,必须先提一下哥特(gothic)音乐,它与darkwave有水乳交融的关系,gothic的起源及其繁衍可以写万字的文章.简而言之,歌特本身并不单指音乐,它从中世纪开始从建筑最先发衍,逐渐渗透到各种文化范围甚至生活形态,而作为音乐,大概从70年代起成为一种**形式,并分化出多种风格.那么gothic和darkwave是什么关系呢?对不起,我不知道.呵呵...因为说法不一.传统的看法是darkwave是gothic音乐的分支,这很不准确.就时间上看,darkwave这名字出现远远晚于gothic,所以说darkwave与gothic一脉相承是毫无疑问,但darkwave涵盖的东西又不仅仅是gothic.我也不去讨究这个学术问题了,音乐是关键.我想把gothic/darkwave算成一种音乐就省事多了........(长吁一口气..).于是依俺的理解,下面是它的主要几种形式(我实在悲哀于自己的叙述能力):

??1.gothicrock:或叫puregothic,这是最典型的gothic,同时保留着rock的基本特点,所以曲调上相对还是有点吵,有点狂躁的吉他,暗淡的演唱,鼓声往往比较沉重缓慢.出现得最早,延续至今,最祖师的乐队是bauhaus,著名的乐队有thecure(哈,这个知道),sistersofmercy(仁慈姐妹,男主唱!),siouxsieandbanshees(苏西和女妖,女主唱),nickcave,andalsothetree....可以看出,gothicrock与punk,postpunk有很紧密的关系.thecure有人称为postpunk风格,nickcave原所在的thebirthdayparty就是一个punk乐队.gothicrock因为历史悠久,社会接受面大,所以出版公司也都是大公司,很容易买到.这个我不多说,多说露馅.

??2.ethereal:仙音派.这是darkwave典型的形式,虽然有些乐队有极明显的gothic倾向,但也可以说是最不象gothic的音乐,因为gothic音乐作为亚文化,多多少少有点邪异,怪诞.但ethereal却很美同时往往很柔和.ethereal乐派充分体现了黑暗音乐的摄人魅力.极其优美的旋律,不食人间烟火的主唱如千年冰雪不染尘埃.大都是女声,偶尔也有男声.要说找一个具有优美声线的主唱并不难,但ethereal乐派赋予专辑深厚的文化或宗教底蕴,并刻意营造一种缥缈黑暗的氛围,令人深陷其中不可自拔.于是你会觉得enya的音乐显得非常苍白.说到这一乐派,有三个出版公司不得不提,英国的4AD,德国hyperium和美国projekt.4AD公司在国内早已是声名显赫,她旗下的乐队在黑暗音乐乃自另类音乐里往往都是祖师级,在仙音派里就是如教母一样尊贵的COCTEAUTWINS,主唱elizabethfrazer公认为另类音乐第一女声.几乎所有的仙音乐队都承袭cocteautwins的衣钵.德国hyperium公司实际上是仙音派的奠基公司,她出版了heavenlyvoices系列唱片,选取了darkwave界所有仙音乐队歌手,目前出了5张,非常难买,非常难买.旗下著名仙音乐队有verpertina,syria,anchroage,ophelia'sdream,chandeen等...美国PROJEKT公司成立于80年代,它的成立也代表了DARKWAVE这种音乐的正式成立.最代表的是其老板sam所在的乐队BLACKTAPEFORABLUEGIRL,可以说btfabg是darkwave里名气最大的乐队.旗下其他仙音乐队还有AREA,MIRA,LOVESPIRALSDOWNWARDS等.需要说明的是,尽管很多乐队可被称为仙音乐队,但往往也横跨多种风格.如hyperium旗下的乐队大都具有neo-classic的风格.一般来说,只要乐队的主唱是优美的女声或沉郁的男声,旋律优美,rock味不重的乐队都可以称为具有仙音风格.

??3.neo-classical:即新古典乐派.顾名思义该派乐队往往古典背景深厚,音乐中采用古典乐器和技法,有的已经和古典音乐很接近了,融合ambient风格,音乐中唱的部分较少,有很多的纯音乐的曲目.使用的乐器一般都是小提琴,大提琴和钢琴,一般不会有古典音乐那样的宏大排场,还有一些乐队并非采用真正的古典乐器,而是使用电子合成器仿真.这是一种比较近期出现的音乐形式,同时也非常难以界定.因为现在的darkwave乐队往往都会使用一些古典乐器,但若称他们为新古典似乎有点牵强.最没有异议的新古典乐队是hyperium旗下的stoa,这是我非常非常喜欢的一个乐队,目前出了两张专辑.这是极迷人的音乐,现代气息的古典风格,加上曼妙的吟唱,相信任何听过的朋友都会喜欢.该乐派的乐队所处出版公司不是很集中,大多数的**公司都有这样的乐队,但其中最有影响的是还是德国HYPERIUM公司.出版了CLASSIC1合集唱片是NEO-CLASSICAL的最初的奠基,但现在看来它所选的乐队有很多商榷的地方,如LOVEISCOLDERTHANDEATH,ELEVENSHADOW,ROSEGARDENFUNERALOFSORES的音乐都没有太多的古典气息.这里还有一个重要的公司需要介绍的是美国的ARKSYMPHONIES,其实这家公司主攻METAL,但老板TED成立DARKSYMPONIES的原因是为了出版自己所在的新古典乐队AUTUMNTEARS.这也是一支很重要的新古典乐队,出版了三张成系列的唱片"LOVEPOEMSFORDYINGCHILDREN",但感觉从才华上比不上HYPERIUM旗下的一些乐队.另外重要的乐队还有AMBRASYLUM,IMPRESSIONSOFWINTER,REMANENCE等等.

??4.MEDIEVAL/GOTHIC:中世纪乐派.这也是DARKWAVE很重要的一支.典型乐队有意大利的ATARAXIA,澳洲的DEADCANDANCE,法国的RAJNA,瑞典的ARCANA,奥地利的DieVerbanntanKinderEva's,德国LOVEISCOLDERTHANDEATH很多很多.DEADCANDANCE是最有影响的乐队,很多乐队都是师从他们.从风格名称就可以看出这种音乐的特点,返朴归真,采用中世纪的元素,音乐古朴典雅,大量使用圣咏的唱法.这里需要说明的一下的是中世纪乐队并非都是黑暗乐队,有许多很纯正的中世纪乐队,和dark一点关系都没有.正确的说法是很多gothic-oriented的乐队采用中世纪的作曲法,唱法表现自己的音乐思想.甚至采用一些中世纪的服装.为何中世纪对这些乐队有非凡的吸引力呢,大概是因为中世纪是歌特文化的发源之时,同时年代的久远给人以神秘感,这是最重要的.很多论著里会说道中世纪是"黑暗世纪",但这个黑暗和我们这篇文章里的黑暗是两回事.那个黑暗是因为中世纪(4世纪到14世纪)是宗教为主的时代,基督教在罗马的君士坦丁大帝通过米兰赦令定为国教后大肆扩张,从而一些民间和人性的东西被扼杀,所以后世的艺术家称之为艺术的黑暗,因此我们在市面上如果去寻找西方艺术史之类的书,会发现它们或者从文艺复兴开始讲起,或者从古典时代讲起但对中世纪一笔带过.可见和我们这里谈的黑暗是两极的东西.但实际上现在人们逐渐回归,开始挖掘那时候的一些文化,发现许多辉煌的东西.可能这也是很多乐队着迷中世纪的一个原因吧.把话转回来,出版medieval-gothic乐队的公司也比较多,如瑞典的COLDMEATINDUSTRY,法国的HOLYRECORDS和Prikosnovnie,德国的APOLLYON和chromRECORDS等等,美国projekt下也有中世纪组合aracanta.

??差不多说到这里,把我喜欢的几种darkwave/gothic音乐形式都包括了,但这远远没完,还有很多黑暗音乐形式逐渐成为主流,尤其是现代音乐向电子风格发展,很多黑暗乐队开始融合电子风格,如舞曲风格,环境音乐,工业噪音等等,但说实话我都不太喜欢了,因为我个人喜欢适合静静聆听的音乐.但简单的说一下大概有darkambient,darknoise/industry,ebm(electronicbodymusic)等等风格,说实话我对大部分的ambient和全部的noise乐队极其反感.我们讲,如果是音乐,至少得有三要素:旋律,节奏,和声.而ambient,noise基本没有,我知道这些比较avantgarde,比较modernworld,但对不起,我听不了,我拒绝说他们是音乐.(有小部分darkambient还可以,因为有旋律).拜托,拜托,千万别对我提大友良英,灰野敬二,johnzorn等等等等这帮疯子.

??在黑暗音乐里,gothic/darkwave里,还有很多音乐不容易归类,或者前后风格变化很大,或者本身音乐就比较另类(这里提另类是不是很滑稽:-&gt.我听过的有这些:1.deinelakaien:这是德国chrom旗下王牌乐队,现在都打上排行榜了耶.好好呦!shit!该乐队基本是dark-electronica的风格,但他们有一张演唱会唱片"acoustic"非常迷人,极正宗darkwave.2.rosacrux:这是个法国异教乐队,非常邪门.有自己特殊的宗教仪式,但音乐本身一般般.基本上还是用圣咏的唱法.3.dieform:法国色情邪异组合.风格变化极大,一张专辑一个样.但基本上偏重electronica风格.4.Erosecropsique:法国乐队.甚至比dieform还色情.旋律极好,非常gothic,但主唱使用法语说而不是唱,darksexyrap??5.goetheserben:这实际是很著名的德国GOTHIC乐队.和上面乐队一样,主唱用德语说唱,据说他的现场非常有感染力,但我不太喜欢这个乐队.6.soporaeternus:德国悲情古怪(对不起,我实在想不出别的词了)乐队.其实说它是新古典也差不多,因为最近的两张专辑的配乐都是一把小提琴悲悲切切,然后男声更悲悲切切地唱,感觉是他一边在找上吊的绳子一边录的唱片.:-&gt;7.ANGELPROVOCATEUR:这应该是一个ambient乐队.但特别的是其中的女声,悠远鬼魅,也没有歌词,就是哼唱,让你非常真切地感觉到那种"黑暗",我非常喜欢.8.devildoll:哦,非常怪异,非常怪异.该乐队主脑mr.doctor是个神秘人物,居住在德国.所做的音乐古典气息浓重,才华出众,但非常邪恶.

??对了,还有一类风格DARKFOLK我没有提到,著名乐队有CURRENT93,SOLINVICTUS,DEATHINJUNE等等,我不是很熟悉,听过很多MP3,但一张CD也没有,总体感觉我不是很喜欢,还有一个讨厌的事是这几个乐队象疯子一样地出唱片,尤其是CURRENT93,大概得有20多张唱片,我很怀疑他能否保证自己音乐的质量,有抢钱的嫌疑.

??差不多就是这些了,还有很多乐队我没有提到,都是我很喜欢的,象DIARYOFDREAM,FAITHANDTHEMUSE,TRANCETOTHESUN,CHANGLINGS,ENGELSSTAUB等等等等,但我没打算写百科全书,就都免了吧.希望我有心情能把自己的主页搞起来,充实一些,但实在是懒呀,懒呀....
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EP,LP,SINGLE等音乐名词的解释※

◆单曲(Single)
通常是一首比较好听的歌曲,为了扩大影响,这首歌曲被乐队和唱片公司挑出来单独发行。通过电台和电视台
的反复播放,吸引歌迷购买单曲唱片,单曲的销售量排名就成了单曲排行榜(chart),这无形中反映了某首
歌曲在一定时间内的流行程度,同时为乐队带来了好名声。这种专为上排行榜的单曲同时也叫做hit,就是热
门歌曲的意思。不过对于重金属来说,能登上排行榜的单曲不算很多,能得到好名次的更少(除了那些煽情的
慢歌),这毕竟是一种喧闹的音乐,不是每个人都受得了的。

◆专辑(Album)
现代音乐最主要的发行方式,通常由3-15首歌组成,长度大多在12到74分钟之间(不排除例外)。专辑中的歌
曲顺序一般来说应该是经过慎重考虑的,按照这样的顺序听下来,整张专辑给人的感觉会超过简单的歌曲总
和,也就是整体大于局部总和的意思,尤其是概念专辑(conceptualalbum)。

◆大碟(CD/LP)
专辑通常有两种,一种更为正式,收录的歌曲较多(10首?),时间较长(40分钟?),能够让歌迷一次过足
瘾,而音乐家在上面花的心思也更多一些。象这种正式和规矩的专辑就称为大碟,或者干脆就叫专辑。80年代
以前专辑的主要发行方式是胶木唱片和磁带(Cassette),其中胶木唱片更适合于收藏,而90年代之后CD成
为更为主要的介质。所以大碟通常就是LP,但现在也渐渐用CD来称呼了。

◆细碟(MCD/EP)
也就是小专辑,一般有3-7首歌(当然也可能更多),时间也比较短,通常在15-20分钟左右。它是一种较不正
式的专辑,乐队有了几首成熟的作品,需要及时推出,但又够不上一张大碟的数量,所以就发行这种细碟,当
然也可能纯粹就是为了赚点外快。它的价格介于单曲和大碟之间。为了使细碟更具有吸引力,乐队有时会在细
碟上放一些较为罕见的歌曲,如现场或翻唱歌曲。作为一支摇滚乐队来说,大碟是不可缺少的,细碟就属于可
有可无的东西了。在胶木唱片时代这种细碟叫做EP,现在当然就叫MCD了。

◆私制唱片(Bootleg)
这是一种更不正式的唱片了,而且根本就不是合法的东西。它是由歌迷自己在现场用录音机或摄象机偷偷录制
的,也有的是乐队未发表的录音室作品被偷出后翻制的,这种私制唱片通常制作粗糙,但也不乏精品。在国
外,这种私制唱片具有相当的市场,因为这种唱片中的歌曲版本一般是无法从正式渠道获得的。一些老牌乐队
如AEROSMITH,IRONMAIDEN,METALLICA的私制唱片是最多的。有时极少数效果很好的bootleg也会被乐队
看中,拿来改编后进行正式的发行。

◆小样(Demo)
乐队自己录制的样带。地下乐队在签约前,自己掏钱录制这样的小样,然后灌制成磁带或CD,进行地下发售或
者送到唱片公司和电台以期获得注意。有些乐队的小样录制得非常精致(这要看乐队的设备和录制水平),完
全可以作为收藏品了。

◆处女作(Debut)
debut这个单词很难用一个中文词来解释,因为它可以指任何活动的第一次。如第一张专辑叫debutalbum,
第一次演出叫debutshow,第一次巡演叫debuttour,甚至第一次在美国露面叫Americandebut......

◆小型演出(Gig)
通常指在酒吧或俱乐部举行的规模很小的现场演出,一般地下和半地下乐队是很难有机会在大型体育馆或剧院
进行演出的,所以这种gig成为他们展示自己音乐才华的主要方式。当然,如果乐队有一定影响的话,通过这
种演出也可以从酒吧老板那里拿到一定数量的报酬,一般是足够基本生活开支了。

◆演唱会(Concert)
指具有一定规模的现场演出,如果乐队没有足够的歌迷支持,是不可能举办这样大规模的演唱会的,因为租借
一个象体育馆或剧院这样大的场地通常需要一定的金钱和名声。演唱会可以说是摇滚乐手最激动人心的时刻,
能在数以万计的歌迷面前演出,这本身就是一件非常有满足感的事情,何况还有非常可观的门票收入(当然,
也有不少大型演出是免费入场的)。演唱会对于歌迷来说则是一个狂欢的节日,大多数金属乐迷都会认为一场
精彩的演唱会比disco更来劲得多。

◆巡回演出(Tour)
典型的摇滚生活方式不可缺少的一部分。乐队和技术人员搭乘着各种交通工具,从一个城镇转移到另一个城
镇,为当地的乐迷带去精彩的现场演出。这通常也是一种为专辑促销的方法,不过对于乐队来说,能够周游各
地,也是一种难得的体验。巡演是一种非常需要体力的劳动,因为它往往耗时漫长,有时乐队只好在飞奔的汽
车上睡觉,还得自己动手搬运器械,所以不少乐队都写过关于巡演残酷程度的歌曲(就象MEGADETH的
KillingRoad)。为了扩大巡演声势,通常会有几支风格类似的乐队联合起来一起进行巡演,例如90年代初
著名的ThrashMetal巡演ClashOfTitan(包括ANTHRAX,SLAYER,MEGADETH等)。

◆音乐节(Festival)
在某个主题的号召下,很多乐队集中到一起,在数天的时间里为歌迷带来一系列演出,这是名副其实的节日。
这种音乐节经常是露天的(outdoor),因为可以不受场地限制,接纳尽量多的歌迷。不少乐队在音乐节上表
现出众而一举成名,象著名的重金属音乐节MonstersOfRock,重金属乐队纷纷以参加这个音乐节而自豪,
如果能够在这个音乐节上摘得头牌交椅,那乐队的地位无疑就已经是超级明星了。不过历史上最有影响力的摇
滚音乐节还是非1969年的Woodstock莫属。
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提高MP3\声卡音质使接近CD音质终极大法(推荐)
今天看了一篇[提高MP3\声卡音质使接近CD音质终极大法]的文章推荐给大家!
提高MP3\声卡音质使接近CD音质终极大法!
首先,衡量播放MP3的播放器质量好坏关键有几点,抛开音源文件的好坏这些外部因素不说。
就MP3播放器的内部播放构成而言,,解码器(DECODER)和音频输出(OUTPUT)是两个最关键的因素。
WINAMP自2.20版本以后购买了MP3的发明者FHG公司的专业解码器,并且在2.70版本以后优化了其解码器的不良算法造成的音质失真。加上WINAMP可以通过各种插件来提升其播放音频格式的兼容性,比如目前他兼容MPC,AAC,OGG,APE,MP3PRO等先进的音频格式,所以,我个人推荐大家使用WINAMP,他不仅对MP3(包括VBRMP3)OGG,WMA等音频格式支持良好,占系统的资源也很小,还得到美国超级公司AOL,时代WALLBROTHERLTD.的支持,WINAMP的前途目前来看非常不错。
就音质而言,WINAMP的解码器可以更换其他的插件,比如in_mad.dllin_mpg123.dll等,目前在国外比较流行MAD,而MPG123在德国和日本比较流行,UNITEDKINGDOM的一个音频网站作过测试,WINAMP的FHG解码器和MPG123的改良版本表现优异,MAD比较一般,我个人感觉这三个插件都差不多,在我的设备上听不出大分别,可能是我设备不够好吧,不过MPG123改良版播放MP3的声音比较清亮,我个人比较喜欢。(这两个插件的设置请设在24BIT,据说24BIT的解码效果不错,当然目前大部分声卡不支持,但是WINAMP只要换了OUTPUT插件就基本可以实现24BIT解码),下面我将说说如何更换OUTPUT插件以实现让MAD,MPG123等解码器实现24BIT解码)
专做WINAMP插件的作者PETER在3周前制作了两个OUTPUT软件,out_wave.dllssrc和
out_directsound.dllssrc,这两个输出PLUG-IN都带了SSRC,SSRC的作用是优化因为声卡的不良SRC算法带来的声音失真问题,目前的实验是在创新CREATIVE的SBLIVE,AUDIGY和VIBRA128,PCI128等声卡上做的(目前国内的声卡大部分都是创新的),表现不错,声音变的清晰,明亮,以前单纯用声卡自带SRC给人浑浊的感觉消失了。不过,用了这个软件,CPU的占用大了一些,但为了音质好点,CPU占用大点也没大关系了,毕竟现在很多人都用P4,P3了。WIN98/WINME推荐用OUT_WAVE.DLLSSRC,win2000,WINNTWINXP用OUT_DIRECT.SOUND.DLLSSRC.

关于SSRCOUTPUT的设置是在WINAMPOPTIONPREFENCEOUTPUT里面选择有SSRC的那项,然后选48000HX,16SAMPLE,对于普通的声卡,已经足够了。解码器的设置也类似,在INPUT里选IN_MAD.DLL或IN_MPG123.DLL,我个人喜欢MPG123多一些,一些台湾的音频爱好者也比较喜欢MPG123。
至于为什么解码器要设置为24BIT,有专业文章这么认为:
MPG123和MAD之所以能改善音质,是因为能真正做到24bit播放,在译码过程中把其它16bit译码技术未能解读的资料,一一钜细无遗地表达出来,无形中令音乐内容顿时丰富起来,提高音质。
另外,就算所播放的歌曲本身是用16bit压缩,使用24bit译码也一样有好处,因为在每次译码过程中,都会不能幸免地出现资料流失,假如音乐来源是16bit,而又找回同样是16bit译码技术播放,这种流失(例如16-1)令出来结果一定是少于16bit。由于MAD本身是24bit译码的缘故,因此就算有同样流失情形发生,音乐信息也是在24bit解读速度中发生,无碍本身16bit压缩的歌曲内容。

然后提一提目前在网络上流行的以WINAMP“DFX”为代表的DSP软件,这类软件被专业音频爱好者疵为“味精”,为什么呢。参考下面的文章:
使用DFX不单不会提高WINAMP播放MP3的音质,反会失真下降,一般人之所以听了DFX渲染后的MP3比原来的MP3好听,其实是一种声音心理学上主观对“音效”的接受,注意,是“音效”而不是“音质”,所谓的提高音效是指用一些矢量化算法把音场数码化的扩大,让人耳听到的MP3音乐仿佛是由某些场景发出来的,比如音乐会,运动场,CLUB等。HOWEVER,改变音效的同时对音质作了污染,一般的音乐发烧友是不提倡用DFX,DEE,ENHANCER,WAVE3D等DSP软件的,DFX是DSP软件里常见的一种。DSP插件数字味太浓,没有音乐味了。
总之,说了这么多,通过广大专业音频机构和爱好者的综合测试,WINAMP作为一个音频播放软件,无论在音质,兼容格式,对资源的占用和发展前途方面,都是领先于其他播放器的,强烈推荐大家在听MP3,CD,WMA,包括以前会流行的AAC,MP3PRO,OGG等音频格式时使用WINAMP。不过,WINAMP3.0在没有正式版出来前不推荐。
最后,推荐多几个在音质方面表现优秀的电脑音频播放器给大家,COOLPLAYER,他的文件格式很小,占资源低,而且解码器是使用MAD版本的,音质不错,不过启动比较慢

另一个是著名的MUSICMATCHJUKEBOX,他的解码器也是FHG的,音质很好,很柔和,他的外表华丽,可以做WMA,和MP3/MP3PRO编码器,直接把CD转化为WMA和MP3/MP3PRO格式,还是支持目前先进的VBRMP3/VBRMP3RPO格式,还是全球第一个直接支持MP3PRO格式的播放器,不足之处是启动比较慢,资源占用也大。

附录:几个软件的下载地址
MADpluginDownload地点:

http://www.mars.org/home/rob/proj/mpeg/mad-plugin/

MPG123:
http:/<br /> etcity7.web.hinet.net/U.../in_mpg123.zip

OUT_WAVE.DLLSSRC
http://www.blorp.com/~peter/zips/out_wave.zip

OUT_DS.DLL.SSRC
http://www.blorp.com/~peter/zips/out_ds.exe
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迪斯科(Disco)
  discotheque的简称,原意为唱片舞会,起先是指黑人在夜总会按录音跳舞的音乐,70年代实际上成了对任何时新的舞蹈音乐的统称。与摇滚相比,它的特点是强劲的、不分轻重的、像节拍器一样作响的4/4拍子,歌词和曲调简单。1977年,因澳大利亚流行音乐小组“比吉斯”(BeeGees)的电影录音《周末狂热》在美国掀起迪斯科热。迪斯科经常在录音室进行音响合成,制成唱片,但终因节奏单调、风格雷同,于80年代初逐渐被其他节奏不那么显著、速度稍慢的流行舞曲所代替。

朋克(Punk)
  70年代中期发展起来的一种摇滚乐,或称“朋克摇滚”(punkrock),80年代初扩展到全美国。朋克针对摇滚乐的反抗性减弱这一情况,以一种故意与比较文明的摇滚乐相对立的面目出现。它继承了摇滚乐开始时的反叛精神,蔑视一切传统,蔑视政府、宗教、教育机构等等,但却是用一种更加颓废的方式,极端无政府主义的言行表现出来。他们的唱词淫狠、粗鲁;在舞台上尖叫、跺脚、斗殴;音乐上与硬摇滚比较接近,音响极大,音色浓烈浑厚。代表性乐队有“性手枪”(SexPistols)、“撞击”(TheClash)等。
  70年代末,从朋克中分离出一支比较能被人接受的、也更带点艺术性的新品种,叫“新浪潮”(NewWave)。


索尔(Soul)
  亦称“灵歌”。1969年,“公告牌”用“索尔”来代替原来对“节奏布鲁斯”的称呼。它是由布鲁斯、摇滚乐与黑人福音歌混合而成的一种黑人流行音乐,演唱时较少演奏乐器。索尔的著名歌手有詹姆斯·布朗(JamesBrown)、查尔斯(RayCharles)、雷丁(OnsRedding)、史蒂夫·旺德(StevleWonder)、普林斯(Prince)等。

雷鬼(Reggae)
  起源于牙买加,70年代中期传入美国。它把非洲、拉丁美洲节奏和类似非洲流行的那种呼应式的歌唱法,与强劲的、有推动力的摇滚乐音响相结合。

说唱(Rap)
  黑人俚语,相当于“谈话”(talking),产自纽约贫困黑人聚居区。它以在机械的节奏声的背景下,快速地诉说一连串押韵的诗句为特征。这种形式来源之一是过去电台节目主持人在介绍唱片时所用的一种快速的、押韵的行话性的语言。莱普的歌词幽默、风趣,常带讽刺性,80年代尤其受到黑人欢迎。最有代表性的乐队是“公开的敌人”(PublicEnemy)。莱普有时也称“希普-霍普”(hip-hop)。实际上,希普-霍普的含义更宽,泛指当时纽约街头文化的各种成分,除莱普外,还有:(莱普经常采用的)用手把放在唱机转盘上的唱片前后移动,发出有节奏的刮擦声;唱片播放员(DJ)在转换唱片拼接唱片音乐片断时,听不出中断痕迹的技法;霹雳舞等等。

波普(Pop)
  一种具有强烈节拍的现代流行音乐。一般认为,流行音乐有广义和狭义之分,这里的“波普”是指狭义的流行音乐,如70、80年代著名歌手罗斯(DianaRoss)、里奇(LionelRichie)、惠特妮·休斯顿(WhitneyHouston)、麦当娜(Madonna)、迈克尔·杰克逊(MichaelJackson)、普林斯(Prince)、珍妮特·杰克逊(JanetJackson)等人演唱的很多歌曲。

艺术摇滚(ArtRock)
  于70年代后流行,主要在欧洲,英国人领头,如“穆迪布鲁斯”(MoodyBlues)乐队,但在美国也有影响。艺术摇滚把摇滚与古典音乐结合起来,利用电子设备演奏如李斯特、德彪西等作曲家的作品,又称“进步摇滚”(Prosressiverock)。
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歌特音乐反思录(ZT)

国内知名黑暗音乐网站黑水仙的创建者MURK曾经说过:“我估计中国人听音乐会经历一个黑暗历程”。果然如其所言,中国摇滚乐迷们经历了金属的洗礼和朋克的泛滥之后,又迎来了歌特音乐的全面入侵。在网易为数不多的几个音乐论坛中开设了与金属和“摇滚”并列的歌特专版,盗版商们在THECURE和COCTEAUTWINS身上赚足好处之后开始觊觎PROJEKT,在打口店中更是陈列的极为热销的刻盘中,低调后朋、黑浪潮和黑金属占了九成,宿舍走廊里面常听到的“单身情歌”居然在某日变成了歌特金属的女高音和重型和弦,网上还有人说LACRIMOSA连他老爸都爱听呢。真可谓口味多样,老幼咸宜,歌特音乐已逐渐成为广大另类人民群众喜闻乐见的艺术形式,中国的另类音乐爱好者们也终于在十几年的恶补之后跌跌撞撞揪住了西方地下音乐文化的尾巴。新一代人的音乐概念不再是BEATLES、ROLLINGSTONES,GUN&ROSE和NIRVANA也已经成为远去的话题,他们纷纷匍匐于低调的灰尘中并为老炮们所鄙夷。在激昂、叛逆和躁动之后,我们开始面对黑暗,无奈地感受着西方文化对炎黄后裔的又一次冲击。然而对于文化经历了数次阉割和重创,并经历了一段比之黑暗更为恐怖和痛苦的真空之后,国人已经很少能用沉静和成熟的心态来坦然面对文化风潮的兴起了,在每一次的运动中我们都能看到无数的煽动者,投机者,起哄者和跟风者,以至每一次都显得如此的突如其来和莫名其妙。世界在没有准备好的状态下突然变得无比喧嚣,每个人都身不由己的热情投入了,然而,没有反思的热情,注定是悲剧。歌特,你、是谁?两种音乐被包含现在歌特音乐的主流定义范畴之内:从后朋克衍生出来的歌特和继承了中世纪精神的黑浪潮。许多人称这是歌特音乐的两个分支或流派,这显然是不恰当的认识,它们的源头,不论在时间和空间上都相去甚远,我宁愿将它们看成毫无关联的音乐。如BAUHAUS、SISTEROFMERCY、MISSION这样的歌特巨擘,实际上和JOYDIVISION开启的后朋克音乐一脉相承:传统的四件套、简约有力的配器、空前突出的贝司和鼓,追求音乐的狰狞和机械,以及沉重压抑的IANCURTIS式嗓音。他们的音乐仍然传达一贯的朋克主题:城市青年的恐惧、工业文明的压抑、人与人之间疏离的痛苦以及青春的躁动和不安。这些乐队是朋克歌特风格的先行者也是保持者,除了THECURE乐队外,我们很少见到哪支乐队对自己的音乐风格尝试过重大的突破。黑浪潮则发端于一个完全不同的世界,他们之异于后朋克正如黑天鹅和蓝树精的丛林异于钢筋水泥混凝土的都会。无疑他们追求的是一个更飘渺的音乐情景,他们从现实中脱离出来,到中世纪精神之中去汲取虚幻的歌特风光。黑浪潮是真正的厌世者,不象后朋克们仍然在离弃之中透露出无限的尘世情结,他们否定了文艺复兴以来的一切人文情怀:人性应当被压抑,对神性的渴求和尊崇才是高尚的。这种精神上对黑暗世代的回归强烈地体现在音乐形式的复古倾向上:黑浪潮大量使用弦乐和钢琴以及古典吹奏乐器的音色,组织音乐以旋律为核心,注重丰富的层次感和气氛的铺陈,对人声,特别是女声的锤炼达到圣咏式的高度,并在音乐构造手法上表现出强烈的自我克制。与摇滚乐一贯的张扬奔放截然相反,黑浪潮在新音乐中的节制和冷静达到了顶点。从这里他们和朋克、乃至整个摇滚乐划清了界限。也正是基于此点,他们更多地被评论界称之为“新古典”。虽然后朋克的黑暗乐队们在先以歌特被命名,但黑浪潮乐队冠以歌特一词似乎更为合适。后朋克的“歌特”是评论的结果,他们的音乐动机与此无关,歌特在这里不过作为一个简单的形容词存在,如SISTERSOFMERCY,虽然被尊奉为歌特三巨头之一,却从来不曾承认自己是歌特乐队。而对黑浪潮音乐而言:歌特时代是他们直接的出发点,他们的音乐灵魂就寄托在那些尖顶大教堂、神迹圣歌和古堡幽冥之上。所以当美国校园枪杀案发生后,歌特音乐因对少年精神的负面影响遭受舆论指责时,虽然矛头指向不相干的MASON,PROJEKT的发起人兼BLACKTAPEFORABLUEGIRL的核心人物SAM还是站出来为歌特辩护了。我总以为许多中国乐迷对两种音乐风格同时付出同等程度的热爱是毫无理由的,是“歌特”这个暧昧的概念将两者混为一谈了,实际上二者的源头、器材、表现手法、构造方式乃至精神内核都是大相径庭,甚至可以说是毫无关联。黑浪潮发端时,原始意义的歌特运动已经走向没落,也很少见两派音乐的创造者彼此间相互欣赏。也许喜欢音乐的确不需要理由,只有感觉是最真实的。但是如此多的人不约而同地选择迥异的两种音乐风格,并如此集中、心无旁骛地将热情投注其上,不能让人不怀疑:这感觉是一种伪饰,是分类学以及模糊定义的恶果,而根源是盲目的歌特崇拜和狭隘的另类欲望。歌特=黑暗?也许许多乐迷对我上面的问题还有以下的答案:黑暗是他们同时喜欢这两种音乐的唯一理由。而且黑暗,也的确成为我所见到的大多数歌特乐迷的选择标准。然而,当将一种音乐用一个视觉概念来限定时,我们已经先失一着了。我们在讨论音乐时的一个巨大问题就是不用音乐本身来解释音乐,而必须归结到文字或形象上,所以有人说中国人对音乐的理解大多数还处在卡拉OK的水平上,仿佛它不是**自足的艺术,而是必须依赖其它形式才能被表达的寄生物。我们可以说黑暗是一种象征,是压抑、神秘与庄重的象征,在某些方面这个词的确极好地解释了歌特音乐。但是,许多名噪一时的歌特乐队绝对没有达到这种高度而被黑暗爱好者们尊崇备至;还有一些歌特乐队从黑暗以外的途径达到了同样高深的艺术境界,譬如NICKCAVE,他依靠的是音乐中强烈的戏剧化冲突和锐利恶毒又不失高度的叙事态度,加上他的诗人情怀,成就了他的音乐艺术,在他的音乐,尤其是中后期的作品中,我们如何在SHEPSONG和INTOMYARMS这样的歌曲中觅到黑暗的痕迹呢?“黑浪潮”,这是一个被引起更多误解的音乐名词,它在这类音乐发生之初被固定下来,但已远不能涵盖它走过十几年历程后衍生出的所有音乐类型,现在它的功能仅仅是一个偏离了原始意义的便利通用语。我们以为某些乐队黑暗也许仅仅是因为它附属的流派、它所在的厂牌,或者仅仅是它名字中的一个“黑”字和乐队人物的特异举止。实际上,黑浪潮乐队中,中世纪情结最深的往往偏执于宗教观念,表达高洁和神圣的意图在他们的音乐中体现得十分明显,因此音乐也不失明朗和开阔;而在世俗化一些的乐队,又经常会出现温馨恬静,类似民谣和夜曲的作品,对这类音乐,与其说是黑暗,不如用MURK形容BLACKTAPEFORABLUEGIRL的一个词更合适:“典雅的忧郁”;而如MIRA这样的乐队,发掘民歌更成为他们的重要目的,那些凯尔特民族曲风,又能和黑暗有多少亲缘?HYPERIUM的“仙音”,又有几个达到了优美与沉重并备的境地?在网上看到了一个初听歌特者的困惑:在听过朋友热情推荐的“黑暗音乐”之后,本来打算迎接黑暗吞噬的他却为音乐摇篮曲般的甜美和安详而大感意外。是他没有领略到黑暗的精髓还是歌特迷们在先入为主的黑暗观念之中欺骗了听觉呢?我宁愿相信那双没有受到任何资讯污染的纯洁的耳朵。“黑”浪潮中实际不乏静谧的谣曲、仿古典或氛围音乐,与黑暗并无瓜葛。然而资讯力量的强大竟然压垮了音乐本身,“黑暗”们一词被严重地泛化和曲解了,那些泛滥成灾直至腐朽的普通悦耳旋律一概被封为黑暗,冠以仙音。实际上厂牌成为衡量黑暗的标准,而黑暗又成为衡量音乐的标准,乐迷对厂牌前所未有的倚重和偏执使歌特成为一个狭隘和孤僻的黑暗领地,虽然这黑暗的感觉经常源于自我的伪造。歌特,没落中的神殿从产生的那一天起,歌特一直就是意识大于技术的一种音乐形式,然而从JOYDIVSION起,歌特乐队们一直是摇滚乐形式突破和创造的中坚力量,他们将朋克的叛逆指针从社会转到音乐本身,以撼动和颠覆传统为乐。后朋克引爆了全面的音乐革命,曼彻斯特撒下的种子也在欧美遍地盛开邪异的花朵。但是,颠覆一旦成为传统,结出的将是更无味的果实:歌特音乐的低技术成分决定了他们只适于充当伟大的破坏者——意识惟有通过突破性的创造才能开花,因此而导致其极易被复制的特性也为无数的效仿者大开了方便之门。那些在开端极富生命力的重复乐句和段落在给将要窒息在重金属和弦中的摇滚乐注入了一针强心剂后竟迅速地被自我所禁锢,简约成为单调,冰冷成为机械;蜂拥而起的低能投机乐队更加剧了传统歌特的腐朽,使之变成枯燥乏味的公式化催眠工具,。黑浪潮进一步拉大了技术和意识之间的差距,一个不会任何乐器的人想做音乐?可以从黑浪潮开始——这绝非戏谑。黑浪潮中电子乐占了绝对的主角,电子乐本身的冰冷气息以及一些极方便采用的音效甚至使阴暗成为几乎是不可避免的音乐气质,也使实验成为一种本能。而大部分此类电子乐的制作技巧和音色要求甚至比舞曲还要简单得多。虽然他们被称为“新古典”,其实大部分只是指他们运用的音色和和声而言,在作曲结构上,虽然体现出了同样的自我克制和深思熟虑,但黑浪潮中极少有具备真正古典音乐观念和高度的作品。尽管很多黑浪潮音乐家不乏古典音乐的背景,有人亦能请到古典乐团或音乐家与之合作,但却走不出嫁接和翻版的尴尬境地,直接翻奏古典曲目已令人称奇,更遑论创造和突破。所谓的“黑暗交响”除了少数的伟大作品外,更多的是成为大众古典和金属及电子的庸俗结合品。四平八稳的特效旋律氛围背景,悦耳的钢琴和弦乐音色交织,间或夹杂一些唾手可得的“工业”音效,几乎成为黑浪潮经典的创作模式,它比后朋克更易被效仿和复制的特性也决定了黑浪潮音乐中天才的比例更低:黑浪潮只能有一个BLACKTAPEFORABLUEGIRL,正如后朋克只能有一个JOYDIVISION一样,而如GOETHESERBEN这样奇思迭出、才华横溢的乐队更是难得一见,我们更多地听到的是平淡无奇的旋律流行乐,绝对的地下姿态虽然增加了他们的神秘孤傲的色彩,却难以提升他们音乐的光辉。当然,歌特在形式上的腐朽决不意味着其精神的没落,此刻我们更应该期待的是特立独行的创作者的出现和下一场形式上的革命,将歌特音乐带出这让人昏昏欲睡或只限于精神亢奋的沉寂之地。歌特,生命还是死亡?我的回答绝对是前者。一切音乐皆源于旺盛的生命力和激越的本能,当生命萎靡的时候,音乐也就死亡了。对歌特音乐而言,谁能说BADSEEDS压抑中蕴藏的暴戾和激情少于那些嚣张的前朋克?真正的低调音乐同一切艺术一样意味着天才的爆发,惟有蓬勃的精神与生命才能支持这澎湃的才情,即便这才情释放的是无尽的痛苦。NICKCAVE说,他在JOYDIVISION的音乐中听到的是快乐;而IAN在死前不久听过了德国的实验电子,他对乐队的成员说:“这是我们以后的方向”——他的精神一直未曾停止过探索。他死了,JOYDIVISON也就不复存在,因为真正的JOYDIVISION需要的是充满生命力,连癫痫也无法阻挡的IAN。而决不象有些自欺欺人的煽动者一样,说IAN活着做出了死人的音乐。我们不会回避歌特中众多的死亡主题,但这死亡一向是用生命来支撑的,我们看到NICKCAVE在吟唱地狱和死亡时高傲的强者姿态,就能明白优秀的艺术家从来都不是感情的沉溺者。他们裁减生命的片段并予以强化和放大,但他们的音乐绝非就是他们的生命本身,而是打磨雕琢之后的产物。正如RADIOHEAD的吉他手说:他们从来不会悲丧,相反,享受工作,精力充沛,随时愿意尝试新的东西,没有时间来烦恼。但他们同样做出了抑郁沉沦、催人泪下的音乐。音乐是艺术,不是生活,正如鲁迅所言,戏台上的关公决不会拖着青龙偃月刀一路咿咿呀呀唱到家里去。歌特音乐的创造者们绝非嗜血者,绝望者、濒死者,那是他们对生命的诠释方式,而音乐向来都是情感的高度放大和扩张。所有这些决不应该成为听者萎靡和堕落的借口,但可悲的是那些懦弱无聊、顾影自怜的城市畸零青年们,幻想着自己的生活与偶像的音乐重叠,成为自欺的剧中人,竟相攀比着颓废和堕落的速度,玩弄生命衰弱的障眼术。每当我读到那些感情泛滥的歌特作文,我感到强烈的厌恶,那些没有节制的矫揉造作在炫耀着彼此的生命是多么的颓丧和无聊。其实我想说:歌特,从来就不是生命的真相。
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Surf(海浪音乐)

海浪摇滚是60年代早期美国摇滚的一种重要形式。与吉它发出的那种余波荡漾的声音相比,摇滚乐器发出的音色更像绝对的海浪声,简单纯质,三重唱的歌曲,音乐似乎类似单色,但它在当时却是一种音乐中的华彩,成为摇滚乐的探路先锋。海浪摇滚的第一波由Dick Dale和他的单曲“LetGoTrippin”掀起。在加利福尼亚州取得了成功。但是这类歌曲的灵感来自于无数的乐队――像Chantays乐队和Surfaris乐队,他们在全国范围内得到了认可(个别的如Pipeline和WipeOut),几乎所有的这些乐队都在力争创造又一类的单一打击乐取得突破。海浪摇滚的第二次高潮被BeachBoys乐队掀起。他们把FourFreshmen的流行风和ChuckBerry中的海浪摇滚韵律相结合。象Jan&Ronny&theDay tonas这些后来的乐队,但BeachBoys仍然坚持着为听众带去最后的海浪音乐,因为他们把富感染力的海滩和海浪声融入歌词中,而非以印象派的音乐取而代之。尽管如此,在60年代的艺术家们中间,海浪摇滚得到了广泛的尝试,而且一直流行到90年代,在此不得不对那些海浪摇滚作出影响的几代人。

具有该风格的乐队/艺人名单:

theBeachBoys


.SwedishPop/Rock(瑞典流行/摇滚)

瑞典作为欧洲的一个重要国家,其流行/摇滚音乐也是欧洲重要的门户音乐.瑞典流行/摇滚以其典型的阳光风格著称----节奏明快,朗朗伤口,高度协调,舞曲表达,和富有层次感的键盘乐.这些特点在主流乐队和地下非主流乐队如cardigans或komeda的表演中都得以体现.当然,ABBA是瑞典流行/摇滚乐的开山鼻祖,他们不仅在自己的音乐创作领域中获得了巨大的成功,同时,其专辑也是瑞典流行/摇滚音乐中极为出色的作品.

具有该风格的乐队/艺人名单:

InFlames


1990年的瑞典死亡金属在世人眼中还只限于entombed,不过那里正酝酿着一场新的运动,许多乐队都正在形成之中,他们将把瑞典变成世界上最大的死亡金属基地。那时吉他手jesperstromblad准备离开原来所在的ceremonialoath乐队,出于不同的音乐方向,他与乐队的另两位成员andersfriden和andersiwers(同时在tiamat乐队中)进行了简单的分手仪式。然后他和johanlarsson以及glennljungstrom一道组建了inflames乐队...

等...

.SymphonicBlackmetal(黑色交响)

虽然这并不是一个很完美的命名,人们还是最常用“黑色交响”来称呼这种在90年代中后期出现的以欧洲为中心的音乐风格。它当然不是字面上说的交响乐,之所以叫交响只是因为它有着厚重的乐器的声音和规模宏大、极具戏剧效果的声音背景。而它和我们经常听到的黑色金属也没有必然的联系,虽然几乎所有的黑色交响乐队都是从演奏黑色金属开始的,事实上,黑色交响和它这直接的祖先只有一些微小的表面的共同之处。黑色交响的起点是90年代早期的挪威黑金,尤其是那些在音乐中加入忧伤的、旋律优美的键盘声来中和他们狂怒的演奏的乐队。这些黑色金属渴望突破原有形式中的内在局限,他们开始不再那么强调吉他、而在音乐中加入了前卫摇滚的元素(主要是迷幻太空摇滚乐队如PinkFloyd)和哥特金属所强调的那种阴冷、怪诞的结构。其结果通常是产生了一种更加华丽的声音,而且比纯粹的黑色金属更加动人、更容易让人接受。有Tiamat和Samael等乐队开了先河,以Gathering为首的一批新潮乐队也开始在乐队中招入轻灵的女性歌手,有时候还是作为整个乐队灵魂性的声音核心。黑色交响运动还是有它的局限性的,部分是因为它史诗般过于宏大的雄心壮志、部分是因为它已经不是传统意义上的金属乐;但是它把影响它的各种元素迷人地合成到了一起,并迅速地在新世纪之交成为地下金属乐迷们一个不错的选择。

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Alastis


Darkmetal这种极端金属中比较小的一个分支,在介绍流派的文章中很少提到,原因是这类乐队早期的风格可能不纯,换句话说早期很多Blackmetal乐队的作品就已经有Darkmetal的成分,但90年代中期以来,随着一批乐队的风格定型,而且逐渐成熟起来,这种不以表现速度为重心,而重视营造阴暗、深沉氛围的金属乐逐渐从Blackmetal中分离出来,形成自己的流派,其中比较著名的乐队有Ancient、Aeternus以及我们这次要提到的Alasits...

Einherjer



在VIKINGBLACKmetaL乐队中,ENSLAVED乐队不是挪威唯一的“海盗”,令一群更加血腥的野蛮人EINHERJER正在挥舞着他们的长剑,巨斧向教堂发动进攻。是我最喜欢的黑金属乐队之一...

.SynthPop(合成器流行乐)

合成流行乐是新风格中最独特的一种。80年代早期,一些乐队――首先英国深受Roxy音乐和DavidBowie的风格的影响――流行乐队Kraftuerk吸收了电子音乐的革新。最初,由于音调上没有电子伴音的变化,象GaryNuman,thehumanleague和DepecheMade。这些乐队的艺术家们的音乐听起来似乎有些贫瘠,阴森,模糊地恐吓感,然而,合成流行乐的第一步变化是朝舞曲风格发展了,DuranDuran综合流行乐使合成乐更热烈,更迷人,更接近舞曲点子。不久以后,许多乐队纷纷追随DuranDuran,尽管一些乐队依然没有受到这种影响,他们从不依靠流行的三分钟热度。当众多的合成流行乐队很欣然接受那种不止一种风格的打击乐时,DuranDuran一跃成为明星。也有一些例外――the HumanLeague(人类语言)和Eurythmics(韵律操)就已有多种鼓点,如HowardJones――这个领域依然被单一韵律的音乐占据着,比如AFlockofSeagulls(一群海鸥)。到了1984年,合成流行已走向灭亡了,但在聚光灯的时代中,合成方式作为一种主流在流行乐中走向前台。

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DepecheMode



当一支你已追随了十多年、曾陪伴著你渡过成长岁月的乐队,若然徘徊在解散的边缘时,感觉总是无奈得像害怕失去了甚么似的。先是第二创作灵魂人物AlanWilder在95年6月宣布离队,然後歌手DaveGahan又在去年夏天因过量服食混合毒品而差点儿送命,这些都彷佛是迫使DepecheMode走向完结之路。当然,一队乐队始终也逃不了解散之结局,即使没有了DM,我的生活也不会变得枯燥无味。毕竟对於已处於慢产状态的他们来说,在这几年间,已变成一个有如淡出中的名字。然而在我一遍又一遍地听著DM重整旗鼓後所发表的第九张专集Ultra,却深深地感受到,我们仍需要DepecheMode的存在,因为他们依然能够为乐迷制造音乐上的新惊喜一一这是驱使我们追随著DM的原动力...

Techno(数码)

数码的根源可追溯到80年代中期的底特律电子房音乐。那儿的音乐房依然明确的和迪科斯紧密相连,尽管这处联系过于机械化。数码的缔造者和DJ们是KevinSaunderson,JuanAtkins、DerrickMay和那些热衷于电子合成音乐的艺术家们,如AfikaBambaataa和合成摇滚的艺术家,如Kraftwerk。在美国,数码是一种直接的地下音乐形式,但在英格兰,80年代后期却作为主流音乐一下子爆发出来。90年代早期,数码开始渗入到不少音乐风格领域中,包括硬核、氛围和jungle(丛林音乐)中,在硬核数码里,每分钟的点子打击纪录越发不可理喻。根本无法随之起舞――被设计成一种为海外所接受的风格。而氛围音乐则相反,当那些自由人和俱乐部的过往人在酸性音乐房和硬核数码音乐房作一短暂的休息,缓慢的打击有如流水般的电子音乐结构便符合这种氛围的,成为一种流传下来的音乐。
Jungle几乎与硬核一样具有积极的因素,结合着间断停顿的数码音乐和舞会雷?。所有的数码音乐最初多是为俱乐部而设计的,那儿的DJ并给予了音乐混合后的新生命,最重要地,大多音乐在12英寸的独奏或许多音乐家的联合完成,歌声可以回荡得更长时间,给DJ更多的素材融入到他们的设置中。90年代中期,新的数码音乐家开始成长――大多特别地氛围音乐家,如Orb和AphexTwin,但是也有不少顽固的艺术家,如Prodigy和Goldie,开始灌唱片集,而非生硬的把打击乐组合起来。不出所料的,这些音乐家――成就非凡的艺术家――成为在数码领域中公认的奠基者。

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Orbital



组建时间:1987国籍:英国

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152.Thrash(鞭挞金属)

鞭鞑金属本质上就是80年代的地下重金属乐,它主要使用一种用于节奏吉他的推进性的敲击方法(多亏了手掌闷音这一技巧的产生及运用),具有很强的攻击性。鞭鞑金属通常具有吉他技术娴熟、节奏快而狠的特点,有时还会用无调的吉他连复段代替旋律。但是以上这些概括远不是绝对的标准。早期的时候,鞭鞑金属从本质上看和速度金属是一样的,80年代早期美国乐队的作品就将英国重金属新浪潮简洁凶狠的敲击,以及硬核朋克与摩托党的节奏混合在了一起。但是,演奏速度金属所要求的灵敏性和持续的强度渐渐成为其局限,于是各种各样不同的技巧迅速地成形了:有一些鞭鞑金属乐队集中精力于中速的反复乐句,偶尔加快速度进入到速度金属的范围;还有一些,比如metallica和Megadeth,用他们高超的吉他技巧创作出了更复杂更前卫的音乐;剩下的一些则注重音乐的侵略性,用以塑造一种戏剧性的恐吓的意境。对于80年代末期控制了排行榜的易被人接受的流行金属乐队来说,鞭鞑金属提供了一种更硬、更重、更可以确切地称之为金属的音乐选择;所以尽管缺乏在电台上的反复播送,鞭鞑金属依然变得非常受欢迎,以至于90年代早期metallica和Megadeth只是将他们的音乐稍做改进使之更容易被接受,他们就迅速地称为了超级明星。而地下金属头目中的顽固分子则在这次鞭鞑金属引发的死亡与黑金风格中找到了避难所,他们把鞭鞑金属中黑暗的主题和内在的爆发力借鉴过来,并有意地将之发展成为了烦扰的极端事物。

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Carcass




CARCASS是来自英国的超级死亡金属乐队,他们的音乐风格经常被认为是GRINDCORE,而且把他们与NAPALMDEATH和BRUTALTRUTH相提并论,并列为GRINDCORE的代表乐队。其实CARCASS除了早期的作品称得上是GRINDCORE音乐外,乐队更多的时候是在玩一种非常独特的死亡金属。可能由于乐队部分成员毕业于医学院,他们的音乐经常用晦涩难懂的医学词汇去描写赞美血淋淋的人体器官,非常病态,与GRINDCORE源自PUNK的暴徒般的气质有很大的区别。至于音乐表现手法,CARCASS的音乐确实象GRINDCORE乐队一样快速有力,残暴至极,但编排上远较GRINDCORE复杂,应该说完全是死亡金属那种继承自THRASHmetaL的编排方式,而且带有英国乐队特有的严谨细腻的特点。另外在乐队全盛时期,队中有来自瑞典的超级吉他手MICHAELAMOTT助阵,音乐中自然渗入了北欧死亡金属...

等...

Trance(Trance)

Trance舞曲是90年代早期从德国高科技舞曲和硬核音乐中分离出来的,它强调简洁的合成器乐句在全曲中的不断反复,只有很少的一些节奏上的变化和偶尔的合成器的干扰可以将这些反复区分开来---这样做的目的是为了有效地将听众带入一种接近宗教本源的“出神”状态。尽管在90年代中期的时候人们对出神舞曲的兴趣大大减退,但是到90年代后期的时候,它再次受到了欢迎,甚至取代浩室舞曲(house)成为全球范围内最热门的舞曲音乐。受到酸性浩室舞曲和底特律高科技舞曲的启发,伴随着出神舞曲一起产生的还有比利时根特的厂牌R&SRecords和德国法兰克福的厂牌Harthouse/EyeQRecords.其中R&S公司通过它早期发行的一些单曲定义了这种音乐,如JoeyBeltram的"EnergyFlash"、CJBolland的"TheRavesignal"、以及其它一些RobertLeiner,SunElectric,和AphexTwin的唱片。而由SvenV鋞h和HeinzRoth&MatthiasHoffman于1992年创立的Harthouse公司,则对出神舞曲这种音乐造成了最不可忽视的影响,它发行的最主要的唱片包括Hardfloor最简练的史诗作品"HardtranceAcperience"、V鋞h自己的唱片"LEsperanza"、以及Arpeggiators,Spicelab,和Barbarella的一些唱片。虽然这种音乐形式并没有能够在更广阔的音乐世界里造成影响,但一些像Bolland,Leiner这样的艺人和其它许多音乐人一起,促成了这种音乐由开始到最终完善的转变。虽然在它刚刚出现的那一段漫长的新生时期,出神舞曲曾经消失过,而被另一种破拍舞曲所取代(breakbeatdance,包括神游舞曲“trip-hop”与丛林爵士舞曲“jungle”),但这种风格对英国舞曲的影响最终在90年代末期的时候达到了顶峰。德国传统的声音也在此影响下有了一些改变,于是"progressive"trance(前卫出神舞曲)一词应运而生,它被用来描述从浩室音乐流畅的结尾以及从欧洲舞曲那里受到的影响。到了1998年,大部分国内最知名的DJ们---PaulOakenfold,PeteTong,TonyDeVit,DannyRampling,Sasha,JudgeJules---都在英国的超级俱乐部里做出神舞曲。甚至连美国,在它最优秀的DJ(包括ChristopherLawrence和KimballCollins)的倡导下,也最终被卷入到这种风格当中。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Moby




Moby,MichaelStipe,MichaelMoore,JackBlack以及其他十一位嘉宾将出席MoveOn.org于1月12日在纽约举行的颁奖典礼,届时该组织将会宣布Bushin30Seconds竞赛的胜利者...

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Trip-Hop(Trip-Hop)

Trip-Hop(神游舞曲)是英国评论界创造出来的一个新名词,他们想要用这个词来描述一种兼有落魄、爵士、疯克、和受灵魂乐影响的实验性破拍舞曲的特色的新型音乐风格。神游舞曲与迅速转化成为实验性地下音乐的英国后酸性浩室舞曲(post-acidhousedance)一脉相承,但它最早出现是在1993年,同时出现的还有一些厂牌,如MoWax,NinjaTune,CupofTea,和WallofSound.它有很多地方与美国的hip-hop很相似(虽然大部分时候剔除了人声),它同样喜欢使用取样性的鼓点突变、同样具有典型的实验性、并喜欢把对氛围音乐的高度倾向性和明显的精神迷幻气氛(所以才会“神游”)结合在一起,于是这个词很快被用来形容所有来源于PortisheadandTricky,DJShadowandU.N.K.L.E.,Coldcut,WagonChrist,和DepthCharge的音乐---而这让这些音乐人非常的气恼,因为他们发现人们只是把他们的音乐看作是固有的hip-hop的一种延续,而不是一个巧妙的创造性的分支。作为商业上重要的混合产物之一---它成功地将跳舞时听的音乐与更加主流的听众交织在了一起---神游舞曲的一系列唱片理所当然的占据了英国**排行榜的榜首;而像Shadow,Tricky,Morcheeba,theSneakerPimps,和MassiveAttack这样的艺人,则在为了获取美国本土听众而发起的电子运动("electronica")第一次浪潮中成为了中坚力量。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Portishead


Portishead是英国西南部的一个不起眼的港口,Portishead乐队的灵魂人物GeoffBarrow在那里度过了他的童年.在组建Portishead之前,GeoffBarrow曾在一些小的音乐制作室工作过,曾和MassiveAttack合作过.乐队组建之后,先为一部名为'tokilladeadman'的影片制作了电影音乐(同时他们也参加了该片的演出)后加入GO!Discs公司.94年乐队出版了第一张专辑'Dummy',虽然乐队不爱接受采访的习惯使他们无法获得象Oasis那样的商业成就,但专辑却引起了乐评的广泛关注,被许多音乐刊物评为当年最佳专辑,与MassiveAttack,Tricky并称为'Trip_pop三巨头'(真是个无聊的名字).这之后,GeoffBarrow这位完美主义者差点因无法获得新的音乐灵感而解散乐队.3年之后的97年,乐队的第二张专辑'Portishead'出版.……

TweePop(矫饰流行)

矫饰流行也许可被比作摇滚乐中的泡泡,其音乐的灵魂即是对朋克大行其道进行反抗,而更多的表现出自早期摇滚就不曾多见的简约与纯朴。矫饰流行源于1986年。那年英国周刊NME发行了名为C-86的录音带。其中包括了乐队McCarthy,theWeddingPresent,PrimalScream,thePastels,以及Bodines。这些乐队都受到了Smith吉他流行音乐,Ramones纯朴的三合声,记忆GrilGroupEra怀旧甜美的影响。英国媒体也称其为“anorakPop”和“Shambling”。C-86的影响只持续了很短时间,但对后来的乐队影响甚大。大西洋两岸的后来者汲取了其中简约,纯朴,从而演绎出绝妙的旋律。矫饰流行的标志:男女合声,苦恋的歌词,纯朴的旋律,简约的演奏。在英国,矫饰流行的灵魂就是现在成为传奇的Sarah乐队。其乐队成员有FieldMice,Heavenly,Orchids。Sarah解散后,其创始人又创建了新的乐队“Shinkansen”。在美国,矫饰流行根植于华盛顿地区的奥林匹亚则是由BeatHappenings,CalvinJohnson创建运作的KRecords的老家。

具有该风格的乐队/艺人名单:

BeatHappening


.VocalJazz(人声爵士)

尽管并不是全部采用人声爵士,20世纪的人声爵士演绎大师大都采用爵士语言进行演奏。从RussColumbo,DorisDay到JohnnyMathis均将其天才与嗓音用于内容的表达。他们放弃了爵士器乐演奏家惯用的演绎标准的方式,而利用其即兴演奏的天赋,音乐家的素养,甚至个性化,带给了歌词新的意义。早期的一对巨匠,LouisArmstrong,BingCrosby,留下了人声爵士的标准:随意却不失焦点。几乎就是当时人声爵士的专业标准。从大乐队集中的地区涌现出了大批爵士演唱家,几乎都是后来的大师级人物:FrankSinatra,BillieHoliday,EllaFitzgerald,AnitaODay,SarahVaughan,PeggyLee,JoeWilliams;他们均和摇摆舞乐队共事过很长一段时间,多数在人声爵士风格开始时因此取得了巨大成功。尽管区分人声爵士演唱家与传统流行乐歌手并不总是那么容易,很多爵士节目单还是以演奏内容来作目录的。人声爵士与爵士独奏家们展开了竞争。他们那时通常拒绝与无名乐队和具有流行音乐元素的乐队合作。而选择与真正天赋禀异的组织者(NelsonRiddle,BillyMay)以及真正伟大的作家合作(IrvingBerlin,ColePorter,theGershwins)。和40,50年代的人声爵士演唱家汲取了摇摆舞的风格一样,后波普歌手们也用他们自己的经验来演绎疯狂的节拍,实验爵士器乐演奏家的独奏。Lambert,Hendricks,Ross陶醉在狂热的合声中,而BettyCarter,MarkMurphy,AbbeyLincoln则发掘出更激进的即兴演奏方式。尽管70到80年代,人声爵士演奏家日趋减少,还是有很多艺术家坚持不懈,继续这种风格。

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JoniMitchell




World(世界音乐)

在西方,世界音乐即指非北美和英国的流行音乐以及民谣,也指不同本土音乐的复合。某些风格的音乐元素比如牙买加的瑞格或拉丁流行音乐,已经深入北美和英国的音乐,因此被视作是其自有的音乐之源了。除此之外的其他音乐,从中国民乐到非洲民谣,均被视作世界音乐。Worldbeat和世界音乐相比还是有一些不同,因其通常是西方音乐混合的产物。当然,由于Worldbeat从各种本土音乐中汲取了其风格,乐器,以及韵律,所以仍归属于世界音乐。

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Enya




WorldFusion(WorldFusion)

WorldFusion指第三世界音乐的融合,也指融合了爵士乐的世界音乐,尤指融合了异教徒音乐,非西方音乐,以及新音乐三方面的元素。异教徒音乐混合了爵士乐的即兴方式(拉丁爵士);通常,其中独奏的部分更多的使用即兴爵士乐,而伴奏和合成部分则和异教徒音乐一样。第二种元素也是以融合了特定的非西方音乐的爵士乐为主。比如DizzyGillespies在“突尼西亚之夜”中的表演;70年代KeithJarretees录制的四重奏,其中合声和中东乐器的使用;50年代到90年代SunRas也融合了非洲音乐的节奏;YusefLateefs录制的一些唱片也兼容了传统伊斯兰乐器和配乐方式。第三种元素则是受到新音乐的影响,显著的变化来自于爵士的即兴革新创作:乐器,合声,合成实践,以及已有的异教徒传统韵律。尽管这样的融合具有独创性,但仍能反映出非爵士,异教徒的传统。比如DonCherrys,CodonaandNu;JohnMcLaughlins从70年代到90年代的一些音乐很大程度地吸取了印度的传统音乐;而DonEllis70年代也借鉴了不少印度和保加利亚的音乐;AndyNarrell在90年代则把特立尼达岛的音乐与乐器和即兴爵士,funkstyle融合起来。WorldFusion并不是和现代爵士一起首次出现,其发展趋势并没有游离在美国爵士之外。举例来说,波力尼西亚音乐在20世纪初融入了西方流行音乐,吸引了早起的爵士音乐家。加勒比海舞蹈的节奏在整个20世界成为了美国流行文化的一个重要组成部分,而爵士音乐家们越来越多的汲取流行音乐元素势必使这种融合继续下去。DjangoReinhardt30年代的音乐,融合了吉普赛音乐,法国即兴爵士以及印象派室内乐。

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BrendanPerry

AcidJazz(酸性爵士)

这类音乐是成长在爵士、funk、hip-hop之间的音乐。酸性爵士有三个基本元素:它作为一个极富力度的撞击而存在,起初的风格类似于爵士和非洲古巴舞曲,但是它又固执的游离在funk,hip-hop和舞曲音乐之间。1998年,最初它出现在作为美国唱片的说明性短语和重新发行的70年代的英语歌收录辑系列的标题中,被Brits称作在80年代中期再现的特别的夹缝音乐。在80年代中期和90年代初,一些酸性爵士的艺术家们显露出来:出现了一些乐队,如StereoMCs,JameTaylorQuartet,theBrandNewHeavies,GrooveCollective,Galliano和Jamiroquai,以及一些室内音乐设计,象PalmSkin,Productions,MondoGrosso,Outside和UnitedFutureOrganization等等。

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the69Eyes

早在20世纪90年代,芬兰首都赫尔辛基,5个身穿黑皮夹克的年轻人走到了一起,组了乐队,名字叫做‘THE69EYES‘。他们签约在了一家**唱片公司GagaGoodies,然后在瑞典,英国和意大利等各地演出,十分频繁。以至在没出专辑前许多歌迷就已经认识了这个来自芬兰的乐队。"WASTINGTHEDAWN"是THE69EYES在ROADRUNNERRECORDS全球发行的第一张专辑,这张专辑在乐队本身简单有力的特点上融合了歌特的氛围,非常独特的GOTHICROCK,给人一种耳目一新的感觉,单曲wastingthedawn最为优秀。凭借这张专辑,THE69EYES取得了很大的成功,也得到了很高的评价。人们曾经幻想着出现一只介于TheCult和TypeONegative音乐之间的乐队现在他出现了,就是THE69EYES。2000年,单曲GOTHICGIRL发行了,这首歌在芬兰国家广播电台的TOP10playlists上持续了一个多月,受到了前所未有的欢迎。随后乐队发行了第二张正式专辑"BLESSEDBE"。这张专辑的总制作人是JOHNNYLEE,他为乐队做了大量的工作,包括所有的键盘部分都是他完成的,他也是一位非常有名的电影配乐制作人。这张专辑以后,在2000年8月开始到德国演出,也参加了thehugeMeraLunaGothicfestival。专辑BLESSEDBE取得了非常好的销量。这也是我最喜欢一张专辑!这一年乐队一直忙于各地的巡演。芬兰最大的音乐杂志Soundi评选THE69EYES为这一年芬兰最优秀的乐队!

Jamiroquai


1993年,Jamiroquai乐队的出现的确使人精神一震,因为它标新立异,与众不同,尤其是它那种非常funky的Acid-jazz风格,似乎与90年代格格不入。乐队成员包括:主唱Jason`jay'Kay、贝司手Stuart(斯图尔特)、吹管乐手Wallis(华立士)、键盘手Toby(托比)和鼓手Derrick(德立克)。乐队的名字是根据印第安部落Iroquois而起的,该部落撚钪婕瓷駭的崇拜和对大自然的敬畏曾深深影响过乐队的核心-主唱Jason`jay'Kay。他们凭着一首在AcidJazz唱片公司的单曲-WhenYouGonnaLearn?(你何时能学?),就被索尼公司看中,签了八个专辑的合同.Kay,1969年生于英国伦敦,他母亲KarenKay是个爵士歌手。他从小深受SlyStone,GilScottHeron和RoyAyers的影响,并把这些影响重新诠释后,带入了90年代的流行模式(结合NewAge的神秘主义和日益壮大的城市Funk运动)。他以前是个霹雳舞舞手,1986年他曾在MorganKhan的Streetsound唱片公司出过一支hip-hop风格的单曲。他第一支由主流唱片公司出版的单曲TooYoungToDie立刻闯入英国十佳榜,这是一首中速、带有70年代中期爵士/疯客风格的曲子,在厚实的贝司声线的支持下,尖锐的号声、喘息般的键盘、带着啸叫的吉他和快速的鼓点,再加上主唱的声线有机地排列,这听上去实在象20多年前早期的Kool&TheGang,EWF,TheCrusaders的某些作品。同时,第一个专辑EmergencyOnPlanetEarth(地球告急)成为专辑榜冠军,全球销量超过两百万张。这样的成绩并不出人意料,当那些已经腻味喧嚣的Grunge和绵软情歌的年轻人听到这种全新而讨巧声响-老派的爵士风格融合现代可舞性的Funky节奏配上极美妙嗓音,并从MTV精致的画面上看到Kay极个性化的时装、潇洒的舞姿(别忘了他曾是个霹雳舞手)以及目前欧洲非常流行的撔氯死鄶形象.

2.AcidRock(酸性摇滚)

酸性摇滚是幻觉摇滚的一种激烈、大声的变奏。它吸取了盛期已过的Cream和JimiHendrix即席演奏的精华。酸性乐队依赖变奏的吉它、柔美的歌声和长时间的即兴表演。酸性摇滚存在的时间并不长——在幻觉剂的生命期限里,它不断的发展并形成一个中心——最后没有解散的乐队演变成了重金属乐队。

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JimiHendrix


原名詹姆斯.马歇尔.亨德里克斯(JamesMarshallHendrix),1942年11月27日出生于华盛顿州的西雅图。吉米.亨德里克斯生长于一个贫穷的黑人家庭,他是摇滚历史上最伟大的电吉他天才和60年代末唱片工业摧毁力量的牺牲品。亨德里克斯在上学期间就自学吉他,并热衷于听南方布鲁斯歌手的作品,从罗伯特.约翰逊(RobertJohnson)到B.B.金(B.B.King)。1961年,他在美国伞兵服役期间,在部队俱乐部演奏音乐,并结识了贝司手比利.考克斯(BillyCox)。在亨德里克斯以后的生涯中,他对亨德里克斯的帮助很大。退役后,亨德里克斯参加了一些音乐家的演出。在他移居纽约之前,他还与小理查德(LittleRichard)、艾克和蒂娜.特纳(IkeandTinaTurner)合作过。当他在纽约的黑人俱乐部里为“艾斯利兄弟"(IsleyBrothers)、金.柯蒂斯(KingCurtis)和其他乐队伴奏时,被实业家埃德.查普林发现,并与他签订了录音合同,还使他成了“柯蒂斯骑士”(CurtisKnight)乐队的主音吉他手。同时,亨德里克斯作为一个吉他手的绝顶天赋被前“动物”(Animals)乐队的贝司手蔡斯.钱德勒(ChasChandler)所赏识,并向他许愿把他培养成顶级歌星。亨德里克斯被他打动了,并于1966年随他到了英国。在伦敦,“吉米.亨德里克斯经验”(JimiHendrixxperience)乐队组建,这是一支有魔力的三人乐队,主音吉他兼主唱亨德里克斯,贝司手诺埃尔.雷丁(NoelRidding)和鼓手米奇.米切尔(MitchMitchell)。该乐队几乎一夜成名,尤其是亨德里克斯引起了英国流行音乐界的极大关注,据报道,那年冬天,埃里克.克拉普顿(EricClapton)和皮特.汤森(PeteTownshend)观看了他所有的演出。1967年夏,他成功地进行了英国、德国和斯堪的纳维亚巡回演出,并录制了热门单曲“嘿,乔”(HeyJoe)和“紫雾”(PurpleHaze)以及专辑《你经历过吗?》(AreYouExperienced?)在保罗.麦卡特尼(PaulMcCartney)的大力推荐下,他参加了蒙特雷音乐节,他的成功使他跻身于世界超一流歌星的行列。作为一名黑人歌星,人们注意到,他的听众几乎都是白人,他是第一位赢得所有白人听众的黑人歌星。1969年,他却面临巨大的政治压力——黑人团结,但他并不懂政治,因此感到不解和紧张。在商业方面,1968年是最成功的一年,《像爱一样勇敢》(Axis:BoldAsLove)(1969)和《电子女儿国》(ElectricLadyand)都成为金唱片,他还从音乐会及无可争辩的超级歌星的身份中赚取了大量的金钱。在1968年底,他被认为是其他“激进摇滚”吉他手的鼻祖。他那忧郁而激动人心的独特风格,体现了强烈的布鲁斯音乐的情感。爵士乐大师迈尔斯.戴维斯(MilesDavis)甚至预言他将成为一名伟大的爵士乐吉他手。他的演奏具有很浓的实验色彩,把电吉他的技巧和功效发挥到了不可思议的地步。但当他进一步成功时,麻烦也随之而来了。1968年1月,他因与贝司手诺埃尔.雷丁争吵斗殴而被拘留,这标志着乐队成员之间的关系激剧恶化。一个月之后,在他第二次环美旅行演出中,他放弃了舞台表演中所有花哨和噱头,直接表现他那复杂的音乐。这一举动遭到了观众的反对,亨德里克斯为逃避这种反应,取消了47天中的54场演出,并用大量吸毒的狂乱生活方式麻醉自己。他消瘦了许多,并指责他的经理人对他的钱财管理不当。除了他的魔力在公众中的巨大影响,1969年却是一个不顺之年,他的经理人蔡斯.钱德勒被解雇,“吉米.亨德里克斯经验”乐队解散,一个多伦多的毒品贩子控制了他,整整一年,金钱如流水般地花掉,他的私生活更加无序。同时,他还面临来自黑人听众的巨大政治压力,要求他组建一支全黑人乐队。尽管他在纽波特音乐节上露面,并重新启用米奇.米切尔,还邀请他的朋友比利.考克斯(BillyCox)任贝司手,他的现场演出还是比以前大大减少了。一个月后,他在伍德斯托克音乐节露面,这是他音乐生涯中的最后高潮,同年12月,他的全黑人乐队(“吉普赛人乐队”(BandofGypsies)终于组成),但他对乐队第1张专辑并不满意,不久在纽约麦迪逊广场花园演唱会后“吉普赛人乐队”宣告解散。此时,他还在准备下一个双张套专辑《新升太阳的第一束光》(FirstRaysoftheNewRisingSun)。此后,亨德里克斯重组“吉普赛人乐队”,乐队由亨德里克斯、考克斯和巴迪.迈尔斯(BuddyMiles)组成,到夏威夷拍电影,开更多的演唱会,在新开的“电子女儿国”录音棚里录音。8月份,他最后一次离开美国,参加怀特岛音乐节。当时舆论认为他那次表演水平并不高,可现在回想起来,那次表演依然十分出色,接下来的欧洲巡回演出被缩短了。亨德里克斯于9月中旬回到英国。1970年9月18日,他因过量服用安眠药剧烈呕吐窒息而死。当时亨德里克斯心理压力很大,种种迹象表明他并非自杀——他的死只是个悲剧事件。许多人认为亨德里克斯死的时候,灵感已枯竭。摇滚歌星们应该知道在这种职业生涯中该如何保护自己,可惜一个人在青云直上时不会明白,而等他明白时,已经太晚了。亨德里斯从来不知道如何筑起保护墙。我们不能说他在70年代的作品缺乏创造力,不幸的是亨德里克斯的音乐深奥重要之处已被营利目的搞的面目全非——《新太阳的第一束光》这张未完成专辑中的大部分歌曲被收录在亨德里克斯死后最初出版的两张专辑《爱之哭泣》(CryofLove)和《彩虹桥》(RainbowBridge)。

PrimalScream


PrimalScream的经历可以用多方的角度来解读,就像80到90年代的英伦的**摇滚乐一样。BobbyGillespie在80年代的中期初创乐队,而那时他仍作为英国的另一只同PrimalScream音乐风格截然相反的噪音摇滚乐队theJesus&MaryChain的鼓手。在经过一段时间的朋克硬摇滚风格的创作后,在90年代早期他们彻底转变为一只舞曲乐队。紧跟theStoneRoses和HappyMondy对流行和Acid-house的融合。1991年,在制作人AndrewWertherall和HugoNicholson的协助下,PrimalScream创作了一张完全将**流行乐和舞曲融合在一起的专辑《Screamdelica》。Screamdelica打破了90年代英伦流行乐的划定,并使舞曲和Techno被主流摇滚乐广泛接受。80年代,英伦的地下音乐己经被正处于萌芽的Acid-House所支配。PrimalScream也深深的被这种新兴的舞曲音乐所吸引。之后他们求助于他们的一个名叫AndrwWeatherall的DJ,从新混缩他们的一首老歌"I'mLosingMoreThanI'llEverHave。"Weatherall从新打造个这首歌,在其中加入了沉重的贝斯并配了一部分雷鬼乐的回声,删除了原曲中的大部分的配器(甚至是吉他部分),之后从新加入一轨采样的音效(包括PeterFonda的一段“thewildangle”的对白)。新的混音版本被命名为"Loaded,"并且取得了巨大的成功。"ComeTogether,"是他们即将到来的第三张专辑的第一只单曲,同之前的那首"Loaded,"有着相同的曲风,并受到广泛的称赞。

3.AcidTechno(酸性数码)

当80年代中期酸性室内音乐缄默的时候,却成了年青一代沉进去加深印象的时期,他们变得十分容易受声音的影响。在90年代初,他们中的一些人开始做音乐,并人让声音去适应技术而不是象古典芝加哥室内音乐那样是一种柔美和暖调的风格,和早期的德国Trance十分相似。酸性数码包括许多早期的唱片,如AphexTwin,Plastikman,和DaveClarke等等。

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AphexTwin


上世纪八十年代中后期,年仅十四岁的RichardD.James已经开始蹲在合成器旁制造迷幻氛围的试验音乐了,那个时代高科技艺人还处在舆论抨击的夹缝中,验证电子音乐的市场前景的确是件费力不讨好的苦差事。当年他以AphexTwin的名字录制的单曲“Didgeridoo”成为氛围高科技摇滚的第一块试金石,身为DJ的他或许没有意识到自己正在尝试一种全新的摇滚风格,当时这种新音乐只是为了能够给舞厅带来更好的效益。九十年代初,RichardD.James和TheOrb、BlackDog,Autechre,B12andFuse,等乐队推出的大批电子乐专辑使电子音乐的商业潜力开始爆发,当年他的《SelectedAmbientWorks85-92》的氛围高科技音乐,被视为TheOrb后的又一次风格界定,高科技的春天从此来临。RichardD.James的简约主义的试验作品中体现出的攻击性和噪音成份为后来的电子摇滚指明了方向。此后,他的音乐走向开始复杂起来,电子疯克、硬核化的根源迷幻流行音乐、工业drumn'bass等风格的专辑确立了他高科技音乐急先锋和探险者的地位。AphexTwin(后来多以RichardD.James的名义)推出了众多的专辑、单曲,风格差异非常得大,AphexTwin的成长史几乎涵盖了电子乐的所有发展阶段,没有他的高科技音乐是不可想象的。

4.AdultAlternative(成人另类)

成人另类音乐的听众很多,那些乐于接受与主流音乐有所不同,但差距又不是很远的人往往是它的追随者。很难说清楚是否是新成人时代的电波模式造就了成人另类还是本身成人另类就是为了电波而存在。成人另类的风格是:无论是原声的,电子的,还是电子与原声的合成,都深受流行,摇滚和爵士的混合成分的影响。(虽然成人另类的主要表现方式是乐器,但不少专辑却以一些柔美的声音来表达)。当他们要让听众很容易接受他们的音乐时,顶级的艺术家们对旋律的感悟和乐器使用方式的不同,以及韵律的持久性总有特别的天分。不过它也有不足之处,成人另类有时候听起来就象没有歌词的过了时的流行音乐。——LindaKohanov

具有该风格的乐队/艺人名单:

Enya


出生时间:1961国籍:冰岛
5.AdultAlternativePop/Rock(成人另类流行/摇滚)

成人另类流行/摇滚是相对于主流音乐的另类摇滚的一个分支,它具有柔和的旋律和另类柔美风格。成人另类流行具有很强的商业性,但是艺术家并并不是以商业为目的。他们来自传统的流行吉他音乐,80年代的流行舞曲(正如GinBlossoms,BarenakedLadies的音乐),民谣和传统的歌者(正如IndigoGirls,ToriAmos,JeffBuckley,SarahMcLachlan,FionaApple,Jewel的音乐),美国传统摇滚乐(正如SherylCrow,Hootie&theBlowfish,DaveMatthews的音乐),时髦的trip-hop电子(正如Portishead的音乐)。成人另类流行/摇滚的产生来自于人们感观的成熟:它有意和无意的成为90年代的主流音乐形式。它使摇滚的形式变得更加松散,更加注重创作技巧。它的缺点是,成人另类摇滚的灵感仅仅停留在物质表面上-经常在表演中因为刻意追求而变得做作,有意让音乐变得甜美,或使声音变得深沉。但就优点而言,这种风格造就了优秀的需要经典音乐而非凭借大声歌唱的艺术家。

具有该风格的乐队/艺人名单:

ToriAmos


TORIAMOS是近几年活跃于另类摇滚乐坛著名的女歌手之一。与PJHARVEY、LIZPHAIR、ALANISMORISSETTE、JILIANAHATFIELD、BJORK、DOLORESO'RIORDAN相比,TORIAMOS的音乐显得更为成熟和自然,同时也不失其桀骜的个性与深刻的内涵。TORIAMOS原名ELLENAMOS,1964年出生在美国北卡罗来纳州,后移居马里兰。小AMOS有一个墨守成规的父亲和一个善于持家的母亲,他们在AMOS2岁半的时候就发现了她的音乐天赋,开始培养她练习钢琴。到了4岁那年,小AMOS就已经能够熟练地弹奏莫扎特等人的名曲了。就这样,从13岁到21岁,AMOS在酒吧中弹了8年钢琴。8年后,她把自己的名字改为TORIAMOS,并来到大地市洛杉矾追寻自己的理想--“成为一个摇滚歌手”,她父亲这样说,“她从11岁起就一直嚷着要成为一个摇滚歌手。”就在这时,发生了一件很不幸的事--AMOS被她多年以来一直很信任的好友强*了。

PJHarvey



P.J.Harvey在伦敦的一间公寓里用自己的声音证明了这个时代还有真正的激情的存在,并因为非主流音乐指明了最终归宿----我指的是她的那张“4-trackDemo”。
她的音乐几乎是粗糙得晦涩。但是,挟杂着自己内心深处的所有激情,P.J.Harvey用一把吉它,一副非正统意义的好嗓子,把自己的名字雕刻在了90年代摇滚乐大杂剧的长长的演出者名单之中,从而成为这出大杂剧中的最为冷峻的一道布景。P.J.Harvey的音乐形态的粗糙与直接喻示着她率真的性情与悲戚而愤怒的心态。作为一位女性,她延续着JanisJoplin、PattiSmith的思想轨迹,在90年代适宜地站在了流行音乐的前沿。她的出现进一步证明了80年代以来的主流商业摇滚的软弱,也使摇滚乐在真正意义成为最严肃的通俗音乐成为可能。如果具体分析起来,P.J.Harvey的音乐的具体框架是非常简单的(一般都为短小的单一,单二曲式),但她的可贵之处是并没有按照一般意义上的“歌曲”的概念对它进行某种圆润与修饰,这样她就把形式与自己想要表达的完全结合起来了。(P.J.Harvey的情绪之直率与愤怒在形式上可以说是显然易见的:诸多乐曲的进行由低沉缓慢进而高亢激昂甚至嘶吼,这是她在对现实的简单的感应后的一次情感的拒斥。很多歌曲P.J.Harvey是喊叫出来的。喊叫,在这里作为心情的直接表现是旋律的一次本质还原----当人的情绪已积累到了无法不喷的时候,他还能有耐心去诉诸旋律吗?自然,这种喊叫与已成为模式的Rap的区别是显而易见的。)当然,这种在形式中直接强烈喷发的情感是最原始也是最感人的。它不需要过多的形式的承载而引起你的共鸣,使你也进行一次情绪的释放。在这个意义上,P.J.Harvey已完全验证了“最个人的也是最大众”的原则。

6.AdultContemporary(成人时代)

成人时代的本质是精练的风格。换句话说,它的演奏就像“街道中央的隔离带”。它十分缺乏摇滚或者soul这些音乐所具有的摩擦和圆滑的声音,但是它却像传统流行音乐一样过分的重视原声效果。成人时代和软摇滚的主要分界在于:成人时代更普遍使用音响合成(以及别的电子技术,如电子鼓)作为它的一个闪光点的主要组成部分。对于电波模式的风格和流行,成人时代着力于浪漫而伤感的情歌,但它为动人的摇滚/流行提供了足够的空间,(通常是最新的风格——较早的摇滚和平和的soul,Beatlesque流行乐——成人时代的歌迷曾和它们一起成长)以及反复斟酌的歌词,和曲作家情感的宣泄。不少音乐家停留在成人势道的领域里,享受着他们曾做过的一切,但是这种模式也通过流行舞和乡村歌手的代表人物(有时那些最流行的音乐家通过空中的电波发表让他们的代表作)成人时代的旋律总是能很快使听众进入境界,但是它总是无可非议的被用作背景音乐;许多批评家指责它只是一种音乐墙纸、一种过分的平静,或者是一种伤感的液体,但是它并没有阻碍其发展成为80年代的主要流行电波形式。但90年代,成人时代逐渐萎缩,只是留下点点印记,主要因为在交流电音乐家们不需要依赖大量的敲击来吸引成人听众的十年间,一些氛围时代音乐还是需要电波的传递,它依然是成为与新千年接轨的优秀音乐风格,多年来成人时代涌现了一批优秀的音乐家,包括EltonJohn,BillyJoel,AirSupply,MichaelBolton,PhilCillins,LionelRichie,Chicago,CelineDion.

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EricClapton



艾力普顿(EricClapton)在音乐生涯的早期曾经有两个绰号:“God”(上帝)和“Slowhand”(慢手)。“God”的美誉得自艾力普顿神乎其技的吉他弹奏功夫,他的吉他造诣已臻惊天地、泣鬼神的化境,实非凡人的所能奢望;“Slow-hand”指的当是艾力普顿那从容内敛、游刃4有余却绝不矫情炫耀的表演风格。作为歌手的艾力普顿,其表现并不逊色于他的吉他表演。事实上,从70年代到90年代这三十年中,艾力普顿的歌曲从未在流行音乐排行榜上缺席过,他本人也因其杰出表现赢得过无数的奖项。吉他手艾力普顿和歌手艾力普顿这双重的身份交相辉映,缔造了一段四十年的精彩音乐人生。
             永远的布鲁斯追随者
  追根溯源,艾力普顿的成功应该感谢他的外祖父母,在他十四岁生日那天,两位老人送给艾力普顿一把价值14英镑的吉他。在此之后的40年里,这只神奇的乐器一直陪伴在艾力普顿的身边,为他留下一个个传奇的故事和一首首动人的歌曲。艾力普顿早期曾加盟过很多布鲁斯乐队担任吉他手,其中“TheYardbirds”(新兵)和“Cream”(奶油)这两支乐队曾经给摇滚乐带来过深远的影响。TheYardbirds乐队曾经诞生过三位伟大的吉他手,而艾力普顿无疑是其中最为出色的。当TheYardbirds的音乐风格越来越趋向流行化的时候,艾力普顿决定离开乐队去追寻心目中永远的梦想——布鲁斯。Cream存在的时间虽然只有两年多,但它却……

7.AlbumRock(专辑摇滚)

70年代,FM调频电台逐渐忽视那些对转播早期的调频电台的随心所欲的革新之后的电台传媒。就理论上,新的电台做着前人们也做过的事——以专辑播放而非单曲——但他们很快依赖与一组为他们演奏的音乐家,让所有专辑摇滚乐家聚在一起,一件很累的事就是他们通过媒介介绍他们在专辑中的贡献,加上以他们的音乐展示他们是专辑摇滚的奠基者。这意味着专辑摇滚有重金属/南部布鲁斯摇滚。前卫摇滚由那些摇滚乐队中的演唱者与词曲作家组成。它有很多不同种类,但是他们都有艺术之美与放纵的特征,加上它不断的在调频电台中的播放,使这些专辑摇滚也几乎垄断了70年代的调频电台的电波。它们一直持续到80年代,但当专辑摇滚电台逐渐发展成古典摇滚的风格,专辑摇滚就越来越少的出现在电波中。到了90年代,专辑摇滚乐队依然在推出新专辑,但它们过去那些老歌依然还能在电波中听到——并且经常在音乐会上演奏。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Aerosmith




在1970年夏天,于Sunapee渡假的SteveTyler,结识了在冰淇淋店打工的JoePerry,两人在共同欣赏一场当地的小型演唱会后,决定组团.然后Perry介绍了原本跟他同团(TheJamBand)的贝斯手TomHamilton,打算组成一个三人的团.Tyler同时还担任鼓手,后来Tyler邀请他高中时的同学JoeyKramer加入担任鼓手.而另一位吉他手BradWhitford则是在团员们决定搬进波士顿的一间公寓后才加入.他们曾考虑过的团名有TheHookers,SpikeJones,..等.最后在鼓手Kramer的建议下才正式定名为AEROSMITH.首度公演是在Nipmuc公立高中,演奏了包括JohnLennon,TheRollingStones以及Theyardbirds等作品.
1972年8月据称CBS哥伦比亚唱片公司以十二万五千美元签下AEROSMITH,而当天晚上Atlantic唱片公司则拒绝了与AEROSMITH签约的机会.1973年10月,同名专辑《AEROSMITH》(亦为第一张专辑)进入流行排行榜166名,之后他们展开巡回演唱会支援Mahavishnu管旋乐团和MottTheHoople乐团的演出.这张专辑后来获得RIAA美国唱片工业协会颁发双白金唱片,1974年大部分的时间他们都在巡回全美演唱,支援TheKinks,MottTheHoople以及ShaNaNa等团的演出,同年他们发行专辑《GetYourWings》并翻唱了Yardbirds的名曲《TrainKeptARolling》,结果成为该曲的经典本.1976年专辑《Aerosmith》重新进入美国流行排行榜,达到21名.重新发行的单曲《DreamOn》;名列第六.1977年单曲《WalkThisWay》在美国拿到第十名.1979年参加于克里夫兰市立体育场的"世界摇滚"演唱会,会后主唱Steve和吉他手Perry因为意见严重不合,导致Perry离团并由JimmyCrespo取而代之,而另一吉他……

KISS




成立于1972年由PAULSTANLEY和GENESIMONS组建并吸纳了PETECRISS和ACEFREHELY为其成员。1975年夏天的专辑《ALIVE》给乐队带来了成功。KISS的引人之处在于他们的现场气氛,怪异的化妆,花哨的服饰,眼花聊乱的舞台效果,再加上他们的硬摇滚,营造除了无与伦比的演出气氛。现场演出的成功使得《ALIVE》达到的白金销量。在这之后,乐队又发行了四张专辑其中的《ROCKANDROLLOVER》,《LOVEGUN》,《ALIVEII》奠定了乐队大牌的地位。1978年乐队的每个成员个子作了一张专辑并取得了不同程度上的成功。1979年专辑《DYNASTY》中的歌曲“IWASMADEFORLOVIN’YOU”在全世界流行开来。此后不久,乐队内部出现问题PETECRISS离队并从此实力大为减弱一直到1983年。乐队也试图改变原来的风格,但未被接受,FREHLEY因对乐队的未来方向不满在1983年也离开了乐队。在这期间的专辑在商业上都不是很成功。在此之后的专辑1985年的《ASYLUM》和1987年的《CRAZYNIGHT》又使乐队继续在商业上取得成功。在1989年的专辑《HOTINTHESHADE》中的歌曲“FORVER”使乐队在美国排行榜上取得第四的最好成绩。1991年鼓手ERICCARR死于癌症,ERICSINGER接替了他的位置,专辑《REVENGE》到1992年发行。并再次进入排行榜的前十名。1993年乐队发行《ALIVEIII》专辑。1996年乐队举行了全球巡演,并获得了成功。1997年乐队陆续推出了几张不错的专辑。1998年又推出专辑《PSYCHO-CIRCUS》。
AlternativeDance(另类舞曲)

另类舞曲结合了拥有电子音乐结构,合成器采样和后DISCO舞曲的方式的地下旋律性音乐结构的另类,**摇滚风格。这些年当许多流行另类艺术家用舞曲或者电子音乐来试验时,另类舞曲得到了很大的发展并成为酒吧文化中不可缺少的音乐成分。尽管另类舞曲音乐看上去代替不了俱乐部的舞曲,凭借它的流行可亲性以及和其它音乐的易结合性,它还是成为这种文化外围一种重要的形式。这种特性使更多的人参与到另类舞曲之中,以此抗拒那种标准的固定样式的舞曲。结果是,表演者对其它的具有特定样式结构,特殊音乐元素的音乐更加接近。很多另类舞曲艺术家来自英国,成为地下音乐文化中非常显著的英国酒吧和锐舞,他们创造了有助于进行更过音乐艺术试验的氛围。NewOrder第一个另类舞曲组合,在他们1982-83年的录音中出现了这种冰冷阴沉的后朋克和Kraftwerk的电子流行相结合的风格。相对于另类音乐,另类舞曲是受电子流行,酸性车房音乐和trip-hop影响最大的风格类型,这些形式都产生了相应的另类舞曲艺术家,并在英国80年代后期的曼切斯特产生影响,直到90年代的根源于**和trip-hop的艺术家。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Bjork




歌者Bjork这一次因为一部电影而再次成为人们关注的焦点。她在《在黑暗中漫舞》中饰演一位失业女工。 
世界摇滚史上从来没有这样一位怪诞的女士:她出生于一个长年冰天雪地的岛屿上,后来又长居于东方一个美丽而哀愁的宝岛上。到了成年,这个瘦小精怪的小女子创建了一个名为“糖块”的乐队,接下来她觉得还不过瘾,于是她就决定开始跑单帮,一口气连出了三张专辑。结果三张专辑分别得到的评价是:第一张被香港《音乐殖民地》杂志评为九十年代最佳唱片第九名(前五十名中只有她一位女艺人)连大名鼎鼎的P·J·Harvey都没有能入选),第二张被美国《滚石》杂志评为九十年代最佳唱片第七名,第三张被香港天才少年黄耀明和实验电子团体Minimal成员李端娴选为1997年度最喜爱唱片的第一名。她被评论界称为九十年代的冰世纪女神,因为在录影带里,人们看到的Bjork不像是一个天真乖巧的少女,反而更似一个从未来倒流回现在的精灵。Bjork的声音就是一座现代派艺术冰雕,在这座曲径幽深勘探艰难的迷宫里,随着穿行步速的加快和眼前惊人画面的切换,我们会渐渐体力不支并最终迷失在这位魔女的幽魂里。
  
Mono




组建时间:1996国籍:英国

10.Alternativemetal(另类金属)

在其初始期,另类金属以相对于那些可直接分类音乐的不同寻常的敏感形成了自己的风格。重金属是这种音乐的核心,但是这些乐队太不规则了,应且他们的影响力对于适合地下的鞭挞金属来说太折衷了,所以他们主要的乐迷都是些喜欢重型吉他摇滚的人。然而,在车库音乐帮助另类金属更丰富从而获得了大量听众,特别是当更多的有闯劲的乐队逐渐考究他们的音色后,另类金属开始成为90年代重金属中最流行的风格。当它表现出几乎最少重金属分类类型的时候,它的形式和80年代早期的另类金属就很不大相同了。同时,大部分幸存下来的硬核朋克乐队都已转入到了金属领域的潮流,推动了地下重吉他摇滚乐队在别处找寻灵感。最早的带有重金属风格的另类金属分为前卫摇滚(JanesAddiction,Primus),车库朋克(Soundgarden,CorrosionofConformity),噪音摇滚(theJesusLizard,Helmet),疯克(FaithNoMore,LivingColour),说唱(FaithNoMore,Biohazard),工业(Ministry,NineInchNails),迷幻音乐(Soundgarden,MonsterMagnet),甚至是世界音乐(laterSepultura)。这一切的演变并没有在一个特定的场景下发生,只是不断增长的想去尝试已经形成的那种越来越依靠乐器的纯演奏形式。一些这样的乐队终于在大众中获得了很大的影响力,特别是通过巡回演出,并且他们还为在1993-94年逐渐显露的另类摇滚奠定了基础,形成了以RageAgainsttheMachine和Korn为代表的说唱金属,以Tool为代表的不协调音乐,以WhiteZombie为代表的重。。。。和以NineInchNails为代表的流行突破。这些乐队将成为在剩余的90年代期间连同Pantera那种有别于任何鞭挞金属乐队的粗厚,溶解的即兴重复风格在声音的制作和另类金属类型的风格上最具影响的力量。像很多另类金属乐队,Pantera是严肃的,阴冷的和内在的,但是他们示范了关于此如何具有男子的气概。在90年的中后期,大部分新的另类金属乐队开始玩起了把单一鞭挞,说唱,工业,硬核朋克和车库混在一起的风格。这种新的声音更多的包括了比hooks或memorableriffs更多的碾核特征和剧烈进攻,因此更多地依靠工作室录制完成它所展现的力量;然而,它俘获青少年那种隐藏的主流金属所代表的男子气概,从而成为一种商业崇拜。Korn,MarilynManson,和LimpBizkit这些有时配以aggro-matal,nu-metal,或者(incorrectly)hardcore内容的乐队是这场新运动中最大的明星,并且在这十年的末期,无数新的乐队开始表演那种类似80年代后期微金属分支的带有成年性质暴力行为(ironic,givenalternativemetalsvehementrejectionofhairmetalsattitude)的风格。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Korn


Korn扬言过去3张专辑已经是一个阶段的总结,当你还以为Korn要被定形为一队Rap-metal乐队的时候,他们在Issues中已刻意脱去以往的HipHop外衣,以崭新的视点角度去表现少年人内心那股怨屈、愤怒、失落与痛苦,犹如置身在伸手不见五指的幽暗之中。去年的FollowTheLeader专辑令到来自美国加州Bakersfield的Korn之事业带上一个高峰,成为这个年头风靡无数Yankees的摇滚班霸,甚至是与被他们一手提携的LimpBizkit攀上主流乐坛,卖个满堂红,堪称得上是新时代中最具影响力的Neo-metal乐队之一。相隔只有一年的时间,Korn已完成了第4张专辑Issues,乐队扬言过去3张专辑已经是一个阶段的总结,当你还以为Korn要被定形为一队Rap-metal乐队的时候,他们在全新作品中已刻意脱去以往的HipHop外衣,以崭新的视点角度去表现少年人内心那股怨屈、愤怒、失落与痛苦,犹如置身在伸手不见五指的幽暗之中,那份丰富与复杂的内心感情描写,不再停留于以往一味发出煽动性的渲染发泄,这次却是Korn最能够骚动听众内心深处、最富动人力量的一次。

KidRock

出生时间:1971国籍:美国

11.AlternativePop/Rock(另类流行/摇滚)

另类流行/摇滚在本质上来源于80年代中期到90年代中期的后朋克乐队,虽然另类摇滚之中有很多种音乐形式,但是他们被放到了一起因为他们都有别于主流的音乐形式。在另一方面来说,以Nirvana在1991年的成功可以划分为两大类另类流行/摇滚。在80年代,许多另类乐队都是**的,因为他们的音乐形式使他们无法得到更多的来自主流的支持,这在80年代包括流行舞曲,后硬核朋克,疯克金属,流行朋克以及试验摇滚的所有形式;另一方面,自Nirvana在90年代变得流行以后,另类泛指所有的非主流亚风格类型,但是区分并不一定很明显因为有些变成了主流音乐商业市场的一部分。硬核和复兴朋克音乐变得比导致了80年代后期的另类流行/摇滚的流行乐更能赢得商业市场,因此90年代的另类音乐失去了一些原本另类音乐的本质特征。许多试验乐队的风格转变成**摇滚。

具有该风格的乐队/艺人名单:

R.E.M.


R.E.M.成立于1980年,他们是在美国的Georgia州的Athens城组建的,当时Bill、Mike和Michael都是Georgia州立大学的学生,而Peter则在当地一家名叫Wuxtry唱片店里工作。当Peter在这家唱片店工作时,认识了经常来买唱片的Michael,他在同他的两个姐姐(Lynda和Cindy).一起时,还显得很文静,但在他寻找一些难得见到的vinylB-sides唱片时,共同的音乐爱好使他们相识交谈并成为了好友,后来他们就搬到Oconee大街上的一个废弃的教堂里住在一起,而在此同时,Mike和Bill也收拾好乐器进入Attens的UGA.大学,但可笑的是,他们最初未相识前似乎是两个截然不同的学生:Bill是一个典型的“坏”孩子──酒鬼兼烟鬼,而Mike是一个诚实的好学生,在一次即兴的放学后的舞会演出里,Mike成了伴奏乐队里的Bass手,而Bill几乎听到Mike的Bass声后离开,但最终还是留下来共同演奏,随后他们二人配合出现在一些小型的现场演出里,一直到他们在1979年1月去Athens之前...

12.AlternativeRap(另类说唱)

另类说唱主要指那些hip-hop组合中拒绝附和传统老套的说唱风格的一种音乐,比如gangsta、疯克、贝斯、硬核和聚会说唱。然而,另类说唱时一种极为模糊的音乐类型,它吸取funk、流行/摇滚、爵士、灵歌、reggae,甚至是民谣。尽管ArrestedDevelopment和Fugees力图成为主流音乐,但另类说唱的组合主要还是被另类摇滚的歌迷簇拥着,而不是hip-hop或者流行音乐的歌迷们。

具有该风格的乐队/艺人名单:

TheRoots




组建时间:1989国籍:美国

13.Ambient(氛围音乐)

氛围音乐源于70年代艺术家们的一种实验性的电子合成音乐,代表人物如BrianEno和Kraftwerk,同时也具有80年代trance风格的数码舞蹈乐曲。氛围音乐是一种有足够空间让人发挥的有着声波结构的电子音乐。它没有作词或作曲的束缚。尽管艺术家在创作之间有暗示性的差异,但对于偶然一次的听众来说,它只是不断地在重复和没有变化的声音。多亏像Orb和AphexTwin的氛围数码音乐家们,才使90年代早期,氛围音乐成为一种令人痴迷的音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Lycia


组建时间:1988解散时间:1999

14.AmbientPop(氛围流行)

氛围流行结合了宁静和欢快两种不同的音乐风格。氛围流行拥有来自普通传统流行乐的风格,它是电子音乐结构和背景气氛折射出外界的寂静,和一种沉思的氛围。氛围流行是典型的没有刺耳音符的代表音乐,使德国摇滚令人陶醉的韵律受氛围流行的影响很大,甚至有点催眠的作用。本质上来说,它是梦幻流行音乐在shoegazer运动中觉醒后的延伸。尽管大多数仍旧使用原来的乐器,通过吸收电子音乐的方式,包括样本作品等,再对音乐给予了诠释。

具有该风格的乐队/艺人名单:

TheCardigans




来自瑞典,成军于’92年底的TheCardigans/羊毛衫合唱团,’94年签入Stockholm唱片旗下后,发行了《Emmerdale》专辑,被当地权威音乐杂志Slitz评选为“年度最佳专辑”,随后推出的《Life》、《FirstBandOnTheMoon》等专辑中,陆续诞生了“Carnival”、“Rise&Shine”、“Lovefool”等排行金曲,最脍炙人口的莫过于入选李奥纳多狄卡皮欧主演《罗密欧+茱丽叶》电影主题曲的“Lovefool”了!这首轰动全球的单曲不仅获得英美点播冠军、英国金榜亚军,更让TheCardigans声势水涨船高,获邀至热门影集《飞越比佛利》客串演出、参加美国《大卫赖特曼秀》及英国《TopOfThePops》等热门电视节目演出...

15.AmbientTechno(氛围数码)

氛围数码是一种考究而特别的氛围室内音乐,它通常被很多音乐家采用,如B12、早期的AphesTwin、theBlackDog、HigherIntelligenceAgency和Biosphere等。它是音乐家们通过808和909型打击乐器来划分数码和电子中曲调和韵律的合成的的依据;效果好的、声音尖细的是电子的效果;另外曲调和合成录音——和着高声的、分层的、带着潮湿的气息,却没有打击乐和实践性的氛围。大多数被命名为Apllo、GPR、Warp和Beyond,在Warp重新定义它的
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16.AmericanPunk(美国朋克)

美国朋克根源于60年代的车库摇滚,在音质柔和和现代爱情中有极简洁派艺术风格特征,它的几支乐队——傀儡,theMC5,纽约娃娃——在美国朋克的基础上发展成真正意义上的朋克摇滚的种类。但对美国朋克真正开始于大约1975-76年的Ramones。在纽约,美国朋克得以繁荣和涌现,类似的音乐在美国路易斯蓬勃发展,并且向硬核朋克方向积极发展,在Cleverland,它得到了带有实践性的几乎不可思议的发展。一部分原因是由于缺乏媒体的注意;在波士顿,它比真正的朋克更接近于车库音乐。纽约仍旧是美国朋克的中心阵地,然而,它却以大批著名的有影响力的艺术家为特色:如Television,RichardHell,POattSmith,Blondic,TalkingHeads,转移到Cleverland的DeadBoys等,在80年代,美国朋克开始枯萎并发展成一种新的形式:硬核摇滚,新啦浪潮和另类摇滚。美国朋克没有象英国朋克那样满足后继的流行音乐革命的需要,但是它继续滋养着美国地下摇滚近10年的时间,并且在90年代加利福尼亚洲中心依赖Ramones,又将使其成为盛行的音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Ramones





纵使美国纽约市传奇性PUNK-ROCK乐队RAMONES的乐队生涯,亦随着其告别巡回演出之完满结束而在96年划上句号,但在这年间,我们却感觉到乐队的音乐精神仿佛仍没有离开过.闻说歌手JOEYRAMONE正在灌录他的首张个人大碟;鼓手MARKYRAMONE及其乐队THEINTRUDERS刚在早前发表了他们的THEANSWERTOYOURPROBLEMS专辑.更重要的是,随着一套RAMONES的ANTHOLOGY式双CD专辑HEYHOLET'SGO!之面世,一方面是对这对乐队崩乐先驱做出崇高的致敬意义,同时也好比悄悄地燃起一次RAMONES热似的...

17.AmericanTradRock(美国传统摇滚)

尽管美国传统摇滚听起来与英国传统摇滚十分不同,但它同样在艺术领域里举足轻重——它展现了60年代古典摇滚存在的声音和灵魂。而英国传统摇滚却受披头士和现代音乐的影响,美国传统摇滚则是依赖于南部黑人爵士和布鲁斯的即兴创作。TheGratefulDead和theAllmanBrother是两个美国传统摇滚的先驱,甚至他们在一段时间里代表了美国传统摇滚的骨架和表皮。在80年代中期到末期,出现了美国第一批成长在摇滚发源地的传统摇滚乐家——乔治亚卫星和黑乌鸦(theGeorgiaSatellites和theBlackCrowes)。到90年代早期,美国传统摇滚逐渐开始成为以Allman为代表,象广泛流传的Panic一样,成为一种有过良好教育追随者的表现,到90年代中期,出现了一个松散的有相同鉴赏的人的集合——neo-Deadbands(BlusTravelerPhish),在不断的旅行中,建立了一支乐迷队。并给这支乐迷队命名为BlusTraveler。1996年,在流行领域,旅行节和另类摇滚的Lollapalooza成为美国传统摇滚的竞争对手。

具有该风格的乐队/艺人名单:

theWallflowers






在中国,知道TheWallflowers的人大概不多,知道JakobDylan的人就更少了。但是,知道BobDylan的人却不在少数,它们的关系是这样的:BobDylan的儿子是JakobDylan,JakobDylan是TheWallflowers的主唱。尽管关系是这样的,但是,在听TheWallflowers的音乐时不要把TheWallflowers或JakobDylan与BobDylan联系在一起,尽管他看上去很像他的父亲,尽管Jakob也像他的父亲一样抱着吉他。TheWallflowers立足洛杉矶,但音乐却源自纳什维尔、新奥尔良和新泽西,音乐风格也是乡村音乐、摇滚乐和民歌的融合体。1992年,它们出版了第一张同名专辑,但没有什么反响。这是TheWallflowers的第二张专辑,担任制作人的T-BoneBurnett恰恰是当年BobDylan巡回演出时RollingThunder乐队的吉他手。T-BoneBurnett的参与,使这张专辑比起他们的第一张专辑更根源一些...


18.AmericanUnderground(美国地下)

在20世纪80年代初,当第一支朋克乐队开始露面并且当另类金属通过英国前朋克开始日益占据乐坛优势的时候,一些美国的乐队开始制作新的音乐用以对那些发展起反作用。当朋克日趋成熟的时候,美国地下乐队逐渐倾向于喜好宽广的音乐风格(重型摇滚,迷幻音乐,传统摇滚,民谣摇滚和乡村摇滚,他们的影响是最普遍的),虽然他们通过无需特意宣张的电吉他和抒情诗般的风格继续占据统治的地位。这些乐队也倾向于喜爱**的组合和低预算的巡回演唱,自从他们全部都几乎不被主要分类音乐理睬,这从而强迫他们去寻找其他的方法来维持他们的音乐。当他们成为硬核朋克的先驱时,BlackkFlag因其通过长达数年的艰苦练习有效的创造了**的巡回演唱网所以仍然是美国地下音乐的主要开拓者;这个乐队的标签和超音速演奏风格也同样是至关紧要的影响,通过像Minutemen,theMeatPuppets,HuskerDu,DinosaurJr.,和其他在推动不知名的朋克乐队进入新的,刺激的方向中起主要作用的乐队来大批量发行唱片。Midwest吸收了Minneapolis疯狂但是真诚,theReplacements和Chicago残暴的高声喊叫,BigBlack和NakedRaygun赢取了相当大数量的崇拜者的实力被证实为美国地下有效的滋生地,当SonicYouth和theSwans成为当时东海岸上不谐和音的统治者和德克萨斯迷幻噪音的代表,theButtholeSurfers在美国留下了恐怖的轨迹,并且BostonMissionofBurma在它们短暂的生涯中同时推动了巨大的影响力和预见力。在80年代中期,最初商业突破的R.E.M,立刻给美国地下一个新的视角。在90年代早期,对于一些重要的美国地下乐队的艰难工作和相对意义上的成功最终被证明成为了这场运动的解散;许多这场运动的主要行为被其带有成年的标志给驱散了(它们失败在没获得大量的观众,尽管他们在欧洲赢得了一定的进步),而且通过Nirvana在1991年底的风格突破,地下乐开始慢慢分裂,极大程度上分裂为另类摇滚(因为他们有更好的商业利用价值)和**摇滚(因为他们很少去模仿他人,有自己的风格)。

具有该风格的乐队/艺人名单:

SonicYouth





承袭自70年代末的朋克运动风潮,成军于l981年的SonicYouth,成为80年代中最具代表性的吉他实验团体之一。有别于其他的Hardcore或是Punk乐队,SonicYouth追求的除了精神上的发泄、感官上的刺激之外,更多了实验性的气质。聆听SonicYouth的作品,虽然他们使用的乐器,和大多数的摇滚乐队一样,使用了鼓、吉他、贝司,但是你就是不能说出他们的风格承自于谁。同时,SY更赋与吉他噪音一种生命,在巨大、不和谐的噪音之下,创造一种空间感;使声音变成一种永无止境的旅行...

19.AnarchistPunk(无政府主义朋克)

当JohnnyRotten在SexPistols初次发表的唱片中咆哮出‘我想要.....无政府状态的混乱’时,它比那些深深握着政府信仰的更能煽动全场。但是,许多把这种信条深入灵魂的朋克乐队,不仅仅只是盲目的反对权力而是针对这种思想的政府,或至少是伪善的,滥用职权的政府。无政府主义朋克乐队有些是来自右翼分子的(theDeadKennedys),有些是来自被压制的工人阶级(theExploited)或是两者兼有的;无论它的由来如何,它通过其激进的思想被统一了。大部分无政府主义朋克是硬核朋克的分支,自从他们都在同一时间显露,并且无政府主义朋克常常以粗野的风格展现,更多的是音乐的非专业人士。这其中一部分的原因来自于这种风格的音乐是以个人自由为意识形态的(音乐上个人宣泄应该被每个人利用,无需不理会技术上的能力),并且这种思想渐渐比音乐本身更重要。但是能使人通过音乐充分理解到这种信念是和所宣扬的同样激进也是很重要的。所以,无政府主义朋克被认可为通常都是喧闹的,快速的并和它的专业技术一样的粗糙。最具代表性的无政府朋克乐队是Crass,因为他们的非凡的音乐结构以及他们乐队成员的生活方式坚持了他们的演奏思想。

具有该风格的乐队/艺人名单:

DeadKennedys





TheDeadKennedys要庆祝乐队成立二十五周年,却在这一周遭遇了更多内部不合问题,充分表明了乐队已经分裂的小集团之间恶劣的关系。乐队的吉他手EastBayRay、鼓手D.H.Peligro和贝斯手KlausFlouride对主唱JelloBiafra提出邀请,希望乐队重新联合并于周二的时候在洛杉矶的KeyClub举行一场演出,结果遭到JelloBiafra的严词拒绝。
组建时间:1978国籍:美国解散时间:1987

20.ArenaRock(舞台摇滚)

舞台摇滚发起于70年代中期,当重型摇滚和重金属乐队开始赢取了声望。这种音乐因其引以为傲漂亮的旋律和赞美诗般的合唱形式逐渐成为商业导向和广播电台的宠儿,当然还有他们把重型摇滚和普遍的认知的民谣结合起来。大部分这些乐队是通过他们大量的把唱片发送给FM电台和持续的巡回演唱会争得了他们大量的乐迷。如Journey,REOSpeedwagon,Boston,Foreigner和Styx就是通过此来成为70年代中后期最流行的乐队。

具有该风格的乐队/艺人名单:

AC\DC




也许使AC/DC区别于其他所有硬摇滚乐队的一个事实就是他们除了演奏精彩刺激的摇滚乐之外,其他的事情一概不关心。硬摇滚确实是一种奇怪的工业,一个做出过最重的THRASHmetaL的决不循规蹈矩的乐队,却会突然推出一张专辑,全是短小,甜美,老练得足以在电台上反复播出的歌曲。贪欲和自大,驱使音乐家们进入这种奇怪的工业。也有很多乐队的主要目的是使某个吉他高手或演唱高手或创作高手的个人才华得以充分体现。当然,还有一些乐队在歌曲里试图表现智慧,才识,甚至哲学的思考...

21.AussieRock(澳洲摇滚)

澳洲摇滚并不是指所有来自澳大利亚的摇滚乐队。反而,澳洲摇滚是那些在酒吧演奏乡村音乐的乐队在传奇性的激烈竞争中形成的一种强硬的硬核音乐。在本质上,在神圣音乐里的不同,依然有它艺术的美,像theCelibateRafles,AC/DC和子夜石油乐队等。

具有该风格的乐队/艺人名单:

MidnightOil





许多乐队对于自己度过20周年这一个隆重的里程碑式的时刻常常做会大肆宣扬,他们会去做电视专题节目,特别的MV合辑,3CD的精选,公园里的免费演出等等之类的事情。而MidnightOil如今也把自己的历史推向了这一辉煌的20周年的美妙时刻——但他们却选择让这一重大时刻悄悄过去,没有加以宣扬.1980年乐队阵容发生了些变化,原先的贝斯手AndrewJames由PeterGifford顶替,并在1980年11月发行了一张全新专辑名为“BirdNoises”……

22.BaroquePop(巴洛克流行)

巴洛克流行在60年代中期出现,这是一个包括LeftBanke,theBeachBoys, 制片人PhilSpector和作曲家BurtBacharach在内的艺术家开始把古典音乐的基本元素注入摇滚的时期,用以达到一个宏伟的管弦乐声响效果有别于与单纯摇滚那种原始的狂热。分层的协调,排列和喇叭是所有巴洛克流行的特点,具有强烈音乐戏剧性的,生动的特点。在它刚开始形成的时候,它是摇滚成熟的产物,它的灵魂是建立在Philly所有70年代早期的思想到90年代中期chamberpop的思想上的。

具有该风格的乐队/艺人名单:

BeeGees






组建时间:1958国籍:澳大利亚解散时间:2003

23.BigBeat(重打击乐)

把电子音乐从下滑的实验边缘营救起来,重打击乐以下一波的重纯音乐出现在90年代中期。在1994世界各地的区域性的钱财已经着重于较少内涵的跳舞音乐方面,用以对同时期那些迷恋于鼓,贝斯和实验形式的chin-strokingintellectuals做出反击。重打击乐通过其明晰的乐章最终在1995-96年左右结合了两大英国标志----BrightonsSkint和LondonsWallofSound.前者---以FatboySlim,BentleyRhythmAce和Lo-FidelityAllstars创在出的释放的家园---获得了越来越多的名誉在其创新和音乐质量上,尽管WallofSound在较早时被发现并且通过Propellerheads,Wiseguys和LesRythmesDigitales大量发行单曲。重打击乐很快被证实它在美国同样很流行,并且乐手依靠CityofAngelsRecords和英国的风格获得了更高的名声。除了FatboySlim,其他重打击乐的巨星便是theChemicalBrothers和Prodigy这两个创造了此风格和帮助它产生的乐队。TheChemicalBrothers和Prodigy这两个乐队从不去死板的适应对方,给予作品那些常能反映出更多trip-pop优点的智慧,并且很少用真正打击乐那种愚笨的舞台风格。
重打击乐的声响效果,是在旧学校派对上更无拘束适当放松的尝试,是和旧学校说唱一样在80年代后期怀旧的音乐形式,并且它倾向于愚蠢的形式和无法压抑的破裂。尽管设计和大量的生产超越了他们的前辈,但是重打击乐在90年代后期仍然被指责为破坏了纯电子音乐。
甚至当ChemicalBrothers,Prodigy和FatboySlim的唱片冲击了美国并且赢得了正面的肯定---得到了摇滚评论家的认可---然而在世界范围内,许多舞曲的乐迷坚决抵制那些太多依靠巧妙的演奏技巧的风格。重打击乐持续了相当长的惊人的时间,被定以一种风格,这种风格是建立在听众听同样的破裂声许多次所表现的耐性上的,就像DJ们在地方简陋的小商店里寻找感兴趣旧的经典的唱片一样所表现得耐心。

具有该风格的乐队/艺人名单:

FatboySlim




一看这个题目大家就会知道是在哗众,正如FatBoySlim的音乐,至少在场面与声势上,它要先声夺人,让你的耳道和脚踝同时在几秒种内充血,这亦是新近风头正盛的BigBeat乐队,如ChemicalBrothers、Prodigy等音乐的一贯伎俩和作风,而FatBoySlim正是BigBeat界最近涌现的生力军。
FatBoySlim是一个做事迅速、立意果断的中年男人NormanCook的个人乐队,亦可称他的绰号或艺名。Norman多年的混音师与录音师身份使他可以在一天内让十首不同的曲子——可以是天鹅湖、中国民谣或JohnCage的“FourWalls”——成为风格统一、符合他美学态度的Remix作品;某种角度来说,如果你是Norman的任其所为的经纪人,你一定不会再相信音乐产业如今已是穷途末路。同时,他决不是一个流水线工人般,思想古板的电子压模器,他可以用独到的手法释放、酝酿或提炼出每首歌性格化的情调来,这手法说出来亦毫不新鲜——就象JimiHendrix的乐器看起来毫不新鲜一样——从属于BreakBeat阵营,光怪陆离、柔肠百结的节奏运用,它是最流行、最实用的一瓶盐,控制它数量的增减多寡你马上会做出无数种味道的菜来。反正现在一些青年人的音乐胃口已经彻底分不清咸淡了,他们更多是跟在心怀不轨的学究——乐评人,以嫁接、采样、拼贴、搅拌为手段的新新音乐家——DJ,这些伪美食家屁股后边,用臀部和脖子——而不是耳朵来听音乐。我们应该清醒地看到,我们已处于继80年代Disco风潮以来更加风起云涌的舞曲时代。而最最过瘾,最能让你精神紧张、血流加速、肉体兴奋的舞曲无疑是BigBeat,当有人暗讽它不过是一种用压榨机漂白后再用神奇酵母恣意放大后的HipHop,那么当你无意闯进一个BigBeat风格的RaveParty,你能在那吞噬灵魂、蹂躏大脑般的巨大节奏中停止你膝盖的颤抖,让你惨白的脸色恢复正常?并且,你需不需要这种时尚的感官刺激,在你乏味而狭小的朝九晚五之间?
人们当然需要BigBe……

24.Blue-EyedSoul(灵魂乐)

灵魂乐指的是灵魂和R&B音乐的演奏以及白人音乐家歌声的组合。它最初出现在60年代中期,Righteous兄弟用打击乐唱着《失去爱的感觉》成为它出项的标志。整个60年代后期,灵魂乐开始颓废,象Rascals,theBoxTops,MitchRyder,TonyJoeWhite和RoyHead乐队受到一系列的重创。70年代时,灵魂乐继续发展,如Hall&Oates,RebertPalmer,AvergeWhiteBand,BozScaggs,和DavidBowie等乐队的推进,使演奏风格更加现代化。

具有该风格的乐队/艺人名单:

CultureClub






对现在的年轻人来说,80年代似乎已经象炻器年代那样遥远了。如果你知道80年代的流行音乐,那么这个CULTURECLUB对你来说一定不陌生。主唱BOYGEORGE的特殊装扮更是当时少男少女群起效仿的榜样。该合唱团的第一首单DOYOUREALLYWANTTOHURNME于1980年出品,当时席卷英国和美国唱片市场。到1984年,这个CULTURECLUB声名无人可及。但是名声和财富就象一弱酸,渐渐将这四个伙伴的友谊腐蚀了。1986年,在出了他们的第五张专辑之后,四人分道扬镳,不再来往。BOYGEORGE在这段时间里染上毒瘾,差点送了命,从此之后,这四个人的事业都失去了往日的辉煌。直到1998年,这四个人再次合作,出了这两张精选辑,它收集了80年代以来每一手每一首最负盛名的歌曲,另外还有三首新歌。这两张精选唱碟,第一张是80年原唱精选,第二张则是CULTURECLUB在电视上演唱现场录音。喜欢他们的听众可以回忆一下自己风华正茂的80年代。BOYGEORGE这样评论他们的重新携手:“我们终于长大了。”

25.Blues-Rock(蓝调摇滚)

很多早期的摇滚是基于蓝调的,但是直到60年代后期,蓝调摇滚仍没有完全发展为一种被认可的流派。蓝调摇滚着重于两种明确的特征---传统的三和弦蓝调歌曲和乐器的即席创作。结合了小型爵士乐队和摇滚不断扩大的喧闹特点,传统的蓝调摇滚---像Cream那样由AlexisKorner和JohnMayall的传统的英国蓝调风格而来的乐队,又如美国thePaulButterfieldBluesBand和CannedHeat—也尝试着演奏在爵士唱片和蓝调演唱会中司空见惯的长的即席创作。这种混血儿很快就流行起来,与此同时很多乐队立刻开始模仿他们,甚至比他们更喧吵和更多的重复段。在70年代早期,蓝调摇滚和硬核的界限越来越不清晰了,像以爵士乐为基础的ZZTop就吸取了专辑摇滚作品的表演手法用以模糊他们的蓝调根源。不论如何,蓝调摇滚逐渐远离了硬核,并且有一部分的乐队仍继续演奏,重写和创作歌曲按照蓝调的标准。在80年代和90年代,蓝调摇滚比6,70年代更为坚定,即使当如FabulousThunderbirds和StevieRayVaughan这样的乐手玩弄起了摇滚演奏者身份。在80年代,蓝调摇滚已经成为像蓝调一样被认可的传统。

具有该风格的乐队/艺人名单:

theRollingStones





1962年7月21日"THEROLLINGSTONES"在伦敦首次演出.1963年录制了第一张单曲专辑&lt;&lt;COMEON&gt;&gt;.此后不久有录制了的二首单曲专辑&lt;&lt;IWANNABEYOURMAN&gt;&gt;并于1964年1月登上了排行榜的的十位.到了2月出版了第三张单曲专辑&lt;&lt;NOTFADEAWAY&gt;&gt;.他们的第四张单区专辑&lt;&lt;IT'SALLOVERNOW&gt;&gt;是成功的,他们凭着这张单曲夺取了英国排行榜的榜首.这首单曲预示着理查德和贾格尔合作的开始.已开始他们的作品还带着节奏与布鲁斯的味道,直到后来他们超越了节奏及布鲁斯的风格,他们的创作才开始真正活跃起来.1965年他们的单曲&lt;&lt;SATISFACTION&gt;&gt;获得了美国排行榜的榜首.这首作品完美的综合了影响乐队的各种音乐风格.这首作品标志着"THEROLLINGSTONES"在音乐上的进步.这首单曲得成功不仅因为乐队的表演和乐曲本身,更重要的是它精确地反映了那一代人的思想感情.再此后的两年中虽然"THEROLLINGSTONES"的单曲和专辑都获得了很大的成功甚至获得了排行榜的冠军但影响却都不如&lt;&lt;SATISFACTION&gt;&gt;.也正是在这一两年中他们在公众中树立了自己"革命"的形象也奠定了他们在摇滚乐谈中的地位.与此同时他们也被当局"看上了",1967年贾格尔,理查德,琼斯因吸毒而被捕,并遭到不公正的判决.最后在各方面的呼吁下才被宣判无罪释放.此后他们发行了单曲&lt;&lt;WELOVEYOU&gt;&gt;.同年有发行了具有迷幻风格的专辑&lt;&lt;THEIRSATANICMAJESTIESREQUEST&gt;&gt;.转年5月发行了另一首成功的单曲&lt;&lt;JUMPINGJACKFLASH&gt;&gt;,并举行了两年来的第一次英国演唱会.同年12月专辑&lt;&lt;BEGGAR'SBANQUET&gt;&gt;发行,这张专辑……
26.BritishBlues(英国蓝调)

除了在地理位置上的差异外,50年代后期和60年代早期出现的初期英国蓝调,通过一种对蓝调创始人尊敬的情怀,固执地依附在美国蓝调类型中。到60年代中期蓝调复兴时,英国的吉他手们——主要是EricClapton——开始用他们自己的合成乐拓展一种新的形式。B.B,Albert和FreddieKing用功率大的扩音器将音量放到最大,烘托出婚礼中的热情。英国蓝调广泛的结合了蓝调摇滚,曾经的传统蓝调艺术家,如RollingStones和Clapton成为摇滚明星。与美国的摇滚比较来说,英国风格也许是与之联系最紧的。正是这种不断地变化,同时又保留着老的风格和主流使它进入了流行市场,这正是英国蓝调的特征。

具有该风格的乐队/艺人名单:

theYardbirds





只要你已不是用耳朵,而是用心听了三年以上的摇滚乐,相信,哪怕你仍然对现今如火如荼的现代摇滚(modernrock)善意地采取一种适可的宽容态度,在你一直不懈地寻觅摇滚艺术中最贴切、最完美、最惊心动魄的篇章的前提下,你终将皈依那神话般不可思议的六十年代摇滚盛世。让我们回到丑陋的唱片工业机器尚未全面轰鸣时的那方净士,从那些真正令人肃然起敬的摇滚英雄名录里,看一支几乎每篇介绍摇滚史的文章中都被提到——但人们只将更多的目光聚集于它那传奇般的经历,却很少正视其音乐的组合——TheYardbirds...

27.BritishFolk(英国民谣)

英国民谣通常和美国民谣共同拥有传统中相同的精髓,换句话说,它比个人音乐覆盖得更广泛,传统的凯尔特、英国捷格舞和纺车舞成为英国民谣的三大元素。英国民谣也采纳演唱者/词曲作者在当代民谣中的革新,但没有丧失它的英国音乐明显的特点。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Monks





组建时间:1964国籍:英国解散时间:1967

28.BritishInvasion(英国入侵)

英国入侵出现在60年代中期,在美国披头士取得成功性突破时,一波英国摇滚乐队横渡到美国市场。尽管不是所有的乐队演奏都有所雷同,但在从Rolling和StonesKink的硬摇滚到深受美国摇滚、布鲁斯和R&B影响的Gerry和thePacemakers、HermansHerimts的范围内变化。英国入侵乐队的风格是用吉他演奏迷人的韵律,配以布鲁斯、摇滚和流行乐。在1964年到1966年间,英国乐队垄断了美国和英国联合王国的乐队。在那时候,又涌现出第二波英国入侵的乐队--比如theWho和“蟒神”乐队--它们又吸收了美国摇滚和英国入侵流行的优点。在60年代后期,许多乐队成为摇滚中的偶像,但更多的却逐渐消失。

具有该风格的乐队/艺人名单:

DeepPurple





"深紫"乐队的美学思想是建立在英国对布鲁斯音乐进行改良的观念之上,通过大功率的扩音设备表达出来。
乐队1968年成立于伦敦,初时名为"迂回"在进行北欧巡演后,乐队更名为"深紫"。
1968年发表专辑&lt;&lt;ShadesofDeepPurple&gt;&gt;,其中翻唱了许多著名歌曲。
1969年出版了两张专辑&lt;&lt;TheBookogTaliesyn&gt;&gt;和&lt;&lt;DeepPurple&gt;&gt;。
1969年7月LanGillan和RogerGlover加入,他们与伦敦爱乐乐团合作录制了专辑&lt;&lt;LoncertoforGroupandOrchestra&gt;&gt;,同年9月在皇家艾伯特大厅演出,该专辑为令人震惊的作品,并被广泛接受...

29.Britishmetal(英国金属)

单单来看英国金属,是和朋克摇滚一样具有巨大的反动力在70年代中期缓慢发展的重金属乐队领域。通过BlackSabbath所表演的grimyriffs形式,英国金属这个风格比他们的前辈更为快速,强硬和喧闹。常常穿着皮衣来玩快速,重击重复段,他们远离了在70时代早期的重型摇滚领域占据优势的AOR-orientedmetal风格。JudasPriest,IronMaiden和Motorhead都是这张变革的领导者,他们在欧洲和美国赢取了忠诚的跟随者,即使他们没有参与主流 他们仍然为所有的金属乐队从鞭挞到死亡摇滚,制造了一定的音乐氛围。

具有该风格的乐队/艺人名单:

BlackSabbath





这支来自伯明翰的乐队是由贝司手GEEZERBUTLER,吉他手TONYIOMMI,鼓手BILLWARD,歌手OSBOURNEOZZY组成。1969年乐队把原名“Earth”改成了“BLACKSABBATH”他们以使用纯正音色,极度简化的音乐和魔术般的联想著称。1970年推出了第一张同名专辑《BLACKSABBATH》。他们的第二张专辑《PARANOID》中的同名专辑也取得了一次瞬间的轰动。乐队的演出结合了核战争与死亡的主题,还显示了毒品,青年反叛的厄运和毁灭与队的感染力是建立在于青年观众一对一的确定的基础上。但几乎没有电台乐于给他们播放唱片,其中最著名的就是《MASTERSOFREALITY》和《SABBATHBLOODYSABBATH》他们的巡演也几乎场场爆满。在八十年代BLACKSABBATH的人员一直在处于不断的变化中,只有IOMMO一人一直留在乐队中。到了九十年代BLACKSABBATH已渐渐的被人遗忘,但他们早期的唱片仍能给新一代的乐队和听众带来灵感。……

30.BritishPsychedelia(英国迷幻)

虽然属于英国迷幻乐的分类风格之间在艺术和技法方面十分相似,但她和美国迷幻还是有很多的不同。总的来说,英国迷幻比美国迷幻在演奏上更倾向于流行歌曲的结构,也更有艺术的实践性。这不是一条硬性和短时间就定下来的规则。然而,他们的简明正体现了流行的单一性,PinkFloyed依然有它在舞台上的戏剧性,通过演出让歌曲步入一个未知的领域。然而,有些时候,特别是英国迷幻在录音棚时,这些总的原则总是过多或过少的被采用。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Yes



Yes乐队于1968年建立,最初的成员是JonAnderson(1944,主唱)、ChrisSquire(1948,贝司).他们都来自一个名叫“theWarriorsandtheSyn”的乐队。加上BillBruford(1948,鼓手)、PeteBanks(1947,吉它)和TonyKaye(1946,键盘),构成了最初的Yes乐队。他们的第一次重要演出是应邀参加Cream乐队在英国皇家Albert礼堂举行的著名的告别演唱会。BBC电台的主持人JohnPeel把这次演出的实况在他的节目TopGear播放,使得Yes乐队得到全国性的知名度。他们用自己风格翻唱的BuffaloSpringfield的“Everydays”和theBeatles的“EveryLittleThing”以及他们自己创作的“Sweetness”都非常受欢迎...

31.BritishPunk(英国朋克)

尽管英国不是朋克摇滚的诞生地,它依旧是朋克音乐盛行和产生文化碰撞的地方,紧紧把持住其与美国在表达愤怒和叛逆上的不同思想。英国朋克通过酒吧摇滚乐章中的传统摇滚和任何舞台效果的摇滚形式来得到灵感的,但是最主要的催化剂是早期的纽约朋克如theRamones和theNewYorkDolls。在一个有等级意识的国家诞生并与经济低迷期的抗争,朋克似乎对正是这样一种结构的英国社会造成了威胁,说出了情绪激动的下层阶级和愤青们的心声。它就是通过高声的喧吵,快速的节奏以及最真实地面对现实来做到这一点的。第一个并且是最具影响力的英国朋克乐队就是SexPistols,他们在1976年出现,并且通过直接煽动造成了很快速的影响以至于所有的英国朋克乐队都紧随其后。他们的率真,自然,大胆破除吉他重复段的特点为英国朋克描绘了很好的蓝图,他们带来的感官刺激,讽刺颠覆般的花言巧语是他们在公众压力下成为了魔鬼,甚至在大街上都遭到了人身攻击。另一个关键的英国朋克乐队便是theClash,他们不仅仅是史上最具空想主义的乐队,而且还是音乐上最折衷的乐队,把早期的摇滚和瑞歌舞结合了起来。但在早期的时候,这种风格很多变的:theBuzzcocks谱出了带有诙谐浪漫标志的紧凑的流行朋克的曲调;theJam用适当的改变英国青年们的庆典音乐缓和了他们的社会批评;theDamned一群暴动分子,他们击败了theSexPistols法系各地一张英国朋克单曲(“NewRose);X-RaySpex的显著特征则是它们的成员都是女性。不管他们音乐的收发货这个词的主题,能让其他英国摇滚乐队分享的是鲜脆的能量,对那个时期停滞的主流音乐的厌恶之情以及让每个人能完全释放的动力---抛去他们的演奏技巧而言---能够随意用乐器演奏,在舞台上任意发挥,宣泄他们想说的一切和猛击出一些刺耳的噪音。TheSexPistols和theClash都是主要的标志,唯一可发泄的出口;无论怎样他们自创的审美学在英国引起了**自由音乐的繁荣。第一阶段英国朋克伴随着theSexPistols在1978一月份的解散而中止了,但是这种风格仍旧繁盛---它的音乐是朋克的标志---直到1982年左右。在那段时期,残留的原始朋克已经扩大了他们的音乐风格,并且英国朋克本身已经变异和分裂成一些其他的流派,如流行传统的新潮,艺术挑逗的前朋克,冰冷阴暗的歌特摇滚,无政府的硬核朋克和早期的另类摇滚。

具有该风格的乐队/艺人名单:

SexPistols

虽然被称作“朋克”的一切是1973年之后兴起于美国那些激进青年们忽冷忽热的心中。但它作为横扫四野的运动却只出现在英国。在1974年的伦敦切西区,有一家专卖50年代服装的商店名为“摇起来”。“摇起来”的老板马科姆.麦克菜伦是那种典型的不甘寂寞的人,因而当1974年一支名叫“纽约小妞”的美国“朋克”乐队来到英国且未造成多大影响时,麦克菜伦却对他们一见钟情,并在自荐成为其经纪人之后随同他们飞去了纽约。在“纽约小妞”于1975年矮夭亡之后,麦克菜伦回到了伦敦,将商店更名为“性”并专献各式“朋克”服装,一时生意火爆之极,他自然又闲不住了,干脆自己出头招来一帮“朋克”哥们,组成了后来天下驰名的“性手枪”。他挑出的主唱是约翰.菜顿,原因是这厮经常在“性”商店遛达,常常发出弱智儿一样的尖叫,并酷爱惹事生非。乐队人员已经就位,马科姆.麦克菜伦开始按他的思想和生活方式塑造它。主唱约翰.菜顿牙齿不甚美观常被队友中的吉他手SteveJones戏称为“烂牙”,McLaren遂为其取名为JohnnyRotten(约翰尼·罗顿)Rotten意义为腐朽、烂掉的,McLaren以此来显示社会本身的病态和既成观念的腐朽。他的总店名日“Sex”,店里出售的时装上曾有过一淫荡的标语“SexPistols”(性手枪)此刻被籍来做队名。Strand与theSexPistols相比的确未免太不够刺激...

等...

32.BritishRap(英国说唱)

尽管英国金属在大不列颠和北爱尔兰联合王国以及欧洲以外很少听说,但却是有英国说唱传统并一脉相承的音乐风格。尽管它没有很受美国hip-hop传统的影响,但许多说唱音乐人却成长在肥沃的加勒比海,因为当地的传统和方言成了hip-hop的风格。应该说说唱开始于80年代后期,“公敌”乐队的声波社团成为一个登陆的标志。很快,许多联合王国的说唱乐家纷纷加入酸性乐房,充实到他们的歌声中,而这类音乐风格在同期比美国更加黯淡,并成为美国说唱音乐可怜的复制。但是最好英国Hip-hop分化为三个阵营,向“天才”乐队的演奏就结合了hip-hop和锐舞,而Lifefield乐队就类似舞吧中hip的风格,另外慢hip-hop打击风格的打击乐队也加入了酸性爵士大军中,发展成trip-hop。甚至这三支组合继续追寻新的领域,那些单一复制美国说唱的英国说唱乐者依然有一定的优势。

具有该风格的乐队/艺人名单:

BlackGrape





组建时间:1993国籍:英国解散时间:1998

33.BritishTradRock(英国传统摇滚)

在90年代,在英伦摇滚后不久便出现了主流英国摇滚的新声音,传统摇滚成为英国音乐中占有支配地位的分支。如同这个名字一样,传统摇滚是传统的---这是种毫无遮掩的沿袭了经典摇滚的音乐。在英国传统摇滚下,theBeatles,Stones,Who,Kinks,SmallFaces和Traffic建立了地基。所有英国传统摇滚乐队都为坚持音乐的保守和真实而困扰---为了获取完美的60秒的电子颤音纪录,他们使用最佳的乐器并且不偏离古典歌曲结构。Oasis和PaulWeller在90年代早期通过他们的专辑DefinitelyMaybe和Wildwood开始运用这种新的方式。当Oasis背离了传统摇滚的规则,便有很多乐队因为毫无遮掩复制的60秒摇滚从而投入经典摇滚。OceanColourScene,Cast,NorthernUproar,Embrace和KulaShaker全都跟随了同样的基本模式并且都紧紧被压于”Noelrock”这个由Oasis的主唱NoelGallagher所带来的英伦压力。Weller加入了OceanColourScene,是联合起来冲而成为了传统摇滚的前辈,并且一直延续到了90年代末期。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Oasis




Oasis是近十年来英国最受欢迎和最受评论家承认的乐队之一;他们在将英国的guitar-pop推向顶峰的过程中起了不小的作用。这个来自曼彻斯特的演唱组沿袭了Stones和theWho的粗糙灰暗的形象,融合了Beatles的曲调并带有明显的英国抒情色彩的主题。他们将这一切用吉他的吼叫声串起来。而他们的挑衅式的讥笑可以和SexPistols的叛逆与StoneRose的傲慢自大媲美。起初,组合是由LiamGallagher,Paul"Bonehead"Arthurs,PaulMcGuigan,和TonyMcCaroll几个同学组成的.他们最初是为StoneRoses做吉他伴奏。当NoelGallagher回到曼彻斯特是发现他的兄弟成立了一个乐队后便提出要加入。但是前提是他能够完全的控制这个组合,其中包括创作所有的歌曲;乐队的其他成员同意了他的提议并将乐队更名为Oasis...

等...

34.Britpop(英伦摇滚)

TheBeatles确立了很长时期的英国传统和谐的音乐,吉他流行乐队,是一种通过音乐运动时常更新的传统形式。然而英伦摇滚采用了很多90年代那些比之前任何时期对传统音乐的使用都要多的乐队。尽管这个音乐形式起源于英国音乐**时期,但是英伦摇滚有很大的商业价值---着类型的乐队可以有经济上很大的报酬,他们是闪亮的,容易让人上瘾的,就像主流流行的歌手们一样,并且他们为新一代英国年轻人的生活创造了新的精神环境。它被英国的年轻一代瞄准:因为英伦摇滚甚少关心其路线是否会使自身较难被美国听众接受,从而使英国年轻的一代充分感觉其唱出了他们的生活,他们的文化和他们的音乐追求。英伦摇滚年轻的活力和渴望公认的特点不仅对90年代早期低调shoegazer风格乐队的老一辈乐手有冲击作用,还对美国阴沉的车库以及在新崛起的地下电子舞曲背后搞创作的乐手有一定的影响力。从音乐上来看,英伦摇滚沿袭了theBeatles,当然也融合了60年代晚期Kinks的田园之声,中速音乐(theWho,theSmallFaces),70年代的迷幻(DavidBowie,T.Rax,RoxyMusic),
朋克和新浪潮(theJam,theBuzzcocks,Wire,Madness,XTC,Squeeze,ElvisCostello),还有theSmiths的另类吉他流行。所有的这些乐手都是英国音乐的精髓---他们用明显的英国思维极大的发挥想象,作词和有谱曲,这也是他们几乎没发和美国的Cult相比以及造成英伦摇滚形式单一的一大因素。在影响中分裂后,英伦摇滚已经在曼切斯特拥有了他们最迅速的根基,那是个强调好时机和偏重于shoegazer美学易记曲调的地方。TheStoneRoses的颓靡流行风格和摇滚明星的姿态是英伦摇滚创立的主要部分,但是真正意义上的英伦摇滚之父应当属于
Suede。在1993年他们以同名专辑第一次发行唱片时,他们那融合了glam-rock权威的式样和Smiths改进后的风格使他们收到了意想不到的出色效果。Suede为之后1994年Blur(Parklife)和Oasis(DefinitelyMaybe)更强烈的突破开启了大门,使他们从而很快地成为了英伦摇滚的两大最流行的巨星。通过前两者成功,炫目地在乐坛上爆炸而得到灵感,用相似的风格出现的乐队:Elastica,Pulp,Supergrass,theBooRadleys也同样并列于巨星行列。到了1996,只有Oasis真正的成为了美国乐坛主流音乐的明星。1997年英伦摇滚盛行光环的逐渐消失,也就是Oasis在回顾第三张专辑是表现的贫乏和Blurs转向美国**摇滚的时期。然而就是在这场运动中慢慢暗淡的巨星们,也仍有个别的继续保持强大的势利,较少的初期传统摇滚保持古典风格继续生存。

具有该风格的乐队/艺人名单:

theAuteurs


乐队由LukeHaines于1992年春建立。LukeHaines(是乐队的主唱兼吉他手以及Auteurs所有歌曲的创作者)出生于南英格兰的Surrey,那时大概有29岁了。在他15岁时便开始了以乐队形式的演艺生涯,从那时起就在许多不同的乐队里呆过,但在加入Auteurs前呆过最著名的应属TheServants了,这已经是80年代的事情了。但Luke还是希望建立自己的乐队,因此他召入了他女朋友——贝斯手AliceReadman(她也为Servants最近几张专辑演奏过贝斯)和鼓手GlennCollins...
35.Celtic(凯尔特音乐)

起源于伊比利亚半岛,超过了两千年历史的凯尔特音乐因他们横跨欧洲大陆的派生而卷入了征服与撤退的周期性循环中。明显的凯尔特民族的人现在分布在爱尔兰,苏格兰,康沃尔和威尔士,那是他们制定具有支配性文化和使他们的语言与英语并列的地方。然而,凯尔特人目前仍大量的居住在法国的布列塔尼半岛和西班牙的佳力斯亚,并且凯尔特音乐在这些地方幸免而存在。爱尔兰的凯尔特人通过独特的凯尔特音乐风格起源的地方如加拿大的布里多尼,把凯尔特文化带到了theNewWorld。在美国,在大批芝加哥和波士顿的爱尔兰移民中出现了一些在创作歌曲中运用到比在本土的音乐家更多传统风格的音乐家。
传统的凯尔特音乐是以歌为基础的,并以抒发关于爱情和英雄的传说为主,运用大量的快步舞曲和在跳舞时演奏的旋转曲调的乐器。一连串相关联的乐器,像宝斯莱鼓般的手持鼓和多种的管乐器在常常独奏或小型组合中被音乐家们使用。现代凯尔特音乐已经从theNewAge类型中受到了主要的影响:它的在流行和摇滚上的影响是两种途径的,通过一些现代凯尔特乐队中引人注意的接近于重型摇滚的风格,就如thePogues和theSawDoctors这样的摇滚乐队混合了凯尔特的乐器和曲调。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Enya



36.CelticFusion(CelticFusion)

凯尔特溶解通过凯尔特新浪潮和流行融合了传统凯尔特的原理。那是回顾凯尔特音乐的一些行为,特别是在主旋律上,但是乐器确实是用当代的,而且全部的感觉是既不像凯尔特也不像新浪潮---它是这两者的结合。

具有该风格的乐队/艺人名单:

theCorrs






Corrs们生长在爱尔兰东部海岸一个叫Dundalk的小镇(距都柏林只有50英里),Andrea对此描述过“那是一个人人都互相认识的小地方。”“我们就是在音乐的包围中成长起来的,”Jim告诉我们,“我们的父母Jean和Gerry就曾经在一起搞过乐队,妈妈是主唱,而父亲则是个键盘手。从KarenCarpenter、TheEagles到经典名曲甚至宗教音乐,他们都玩,丝毫不限制自己的风格。在这个音乐之家里,我们自然而然地就找到了将来的路...

37.CelticNewAge(凯尔特新浪潮)

凯尔特新浪潮是凯尔特主旋律,乐器和歌曲的混合物,加上新浪潮自身的创作和敏感性。Clanned和Enya是这种流派最具代表性的乐队,但是他们并不仅是擅长于这种溶解风格的音乐家。这种天籁之声通过60年代末的EbyasWatermark得以传播,并且一直持续旺盛贯穿于整个90年代。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Enya




38.CelticPop(凯尔特流行)

凯尔特流行相对于传统的凯尔特音乐有很多的相似之处,美国和英国的乡村流行就利用这点来模仿---虽然悦耳的音调或是乐器在跟随流行习俗并且很少误解传统形式的音乐核心上明显的被可信的文章影响。这种风格在很大程度上开发于80年代,沿袭了在70年代复苏的传统爱尔兰民谣,这些民谣随着时间的流逝,最初创立的坚定玩民谣的表演者开始在其曲风中混合了摇滚和流行的元素(尽管顶级的摇滚乐手像thePogues并没有适应这种类型)。当新浪潮乐迷开始在一些死板的凯尔特音乐中发掘缥缈的元素,一些凯尔特流行也开始适应这种变化,除了标准基于声学的乐器外还融入了电子合成器(但不是和凯尔特溶解的风格很相似)。Capercaillie和Clannad是玩这种风格中最重要的两支乐队。

具有该风格的乐队/艺人名单:

theCorrs





39.CelticRock(凯尔特摇滚)

从朋克管弦乐队如thePogues到纽约/凯尔特的混合物如Black47到轻微的改变爱尔兰曲调的Cranberries,Celtic这些摇滚乐队通过摇滚的韵律结合了爱尔兰演奏乐器来创作音乐,那是狂热与激情,忧郁和浪漫共存的风格。凯尔特摇滚经常展现出明显的爱尔兰酒吧音乐的特征,但是它也同时描绘了与R&B和另类摇滚并列的流行音乐。

具有该风格的乐队/艺人名单:

theCranberries



卡百利组建于一九九零年五月,Dolores自三岁起就开始唱歌,十几岁时开始弹钢琴并且自己作曲。她很早就开始找寻志同道合的伙伴组建一支乐队。Noel,Mike和(Fergal)曾经用各自的乐器在一起玩了两年音乐,期间,他们在一个叫做"TheCranberrySawUs"的乐队中唱了六个月。为了更好地在另一支乐队中发展,"TheCranberrySawUs"中的成员Niall决定退出乐队。她离开时把她的朋友,也是一位歌手推荐给了这支乐队,她就是--Dolores!Noel完成了几段音乐,他正想把它编成歌曲,Mike和我也作着自己的工作,但是一段时间以后,他们觉得乐队没有没有抒情歌曲和适合唱这些歌曲的人很单调。五月的一个晚上,他们正在排练歌曲,这时Dolores夹着一个键琴走了进来。他们向她问了一声好,便觉得有点尴尬。因为当时有五六个朋友在场,说实话,他们很怕她出丑。可是当她拿起键琴演奏音乐的时候,他们全都惊呆了。他们把Noel的歌曲演奏给她听,她很喜欢这种风格,于是我们给了她一卷带子,约了她下周一起排练...

40.ChamberPop(会所流行)

Drawingheavilyfromthelush,orchestratedworkofperformersincludingBrianWilson,BurtBacharach,andLeeHazlewood,ChamberPoparoselargelyasareactiontothelo-fiaestheticdominantthroughoutmuchofthe1990salternativemusiccommunity.Inspiredinpartbythelounge-musicrevivalbutwithacompleteabsenceofironyorkitsch,chamberpopplacedarenewedemphasisonmelodyandproduction,asartistslayeredtheirbaroque,ornatesongswithrichlytexturedorchestralstringsandhorns,allthewhilevirtuallydenyingtheveryexistenceofgrunge,electronica,andotherconcurrentmusicalmovements.

具有该风格的乐队/艺人名单:

theThrills



国籍:爱尔兰

41.Christmas(圣诞音乐)

圣诞长篇覆盖了很多不同的种类---他们可以是合唱的,流行的,摇滚的,乡村的或是爵士的---但是这些形式在此类型中都百变不离其中的表达圣诞。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Low



相信每个人的心底都会珍藏着某段音乐,它能立即勾起人的最深远、最美好、最难忘、最模糊、最琐碎的回忆,或者引发人的最无拘无束、最诗情画意的想象。Low的音乐对我就具有这种难以用文字表达的意味。ICouldLiveInHope,Low的首张专辑,它把许多无意义的回忆碎片嵌进我的心底,那寂静无人的山丘小径,那反射在湖面的落日,那些影影绰绰的树木,那些橙黄色温暖的路灯,那些入睡之前的漫长黑夜,Low引领我离开了狭窄的空间,穿过屋檐,穿过树的枝枝叶叶,穿过云朵,一直飘升至地球的平流层,我躺在云端,放眼是无边无际的蓝天,在那里我不必担心会缺氧而窒息,因为我正在呼吸着音乐......

42.Club/Dance(舞曲)

舞曲来自不同的音乐形式,从disco到hip-hop。尽管有很多类型的狂热贯穿整个流行音乐的历史,舞曲仍在70年代中期形成了自己的风格,就如其灵魂变异为了disco从而使全部的夜总会都专心于舞曲。在70年代后期,夜总会播放着disco,但是在十年的尽头,disco便已成了许多不同的流派。所有的这些流派都集中在热舞下,虽然在dance-pop,house,techo以及其他的派生中存在着截然不同的特征。能让他们全都集中一体的是他们都强调节奏的风格---在每一种舞曲的派生种类中,强烈的节拍至始至终都是最重要的。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Beck




Beck用他的便携式录音机、键盘、鼓机和吉他创造了属于九十年代junk文化自己的音乐。他吸取了hip-hop、民谣、实验摇滚、迷幻、流行乐和早期摇滚乐的养分,结合了扭曲而刻薄的歌词,将其融合成了一种既丰富多彩又邋遢肮脏的后现代摇滚。其折衷主义的音乐明显是一种九十年代的产物,影响他的东西几乎都是来自于电视和唱片的,而现实生活的经验则无所作为。他的音乐在音质方面是属于垃圾级的,但这正是使他显得独特的地方...

等...

43.CollegeRock(学院摇滚)

本质上来说,学院摇滚是很大型的另类音乐,它在80年代(大约1083-84)中通过collegeradioplaylists中占据优势。大部分的学院摇滚是在新潮,前朋克和早期的另类摇滚的混合中产生的。学院摇滚要求乐队不能像新浪潮一样去适应主流;尽管它可能是艺术的,但它又不同于试验或是分离的前朋克;并且在早期另类摇滚和美国地下根源于的朋克和硬核,并不是所有的学院摇滚都重复着一过程。(虽然,很多早期的另类乐队很精确的适应了这种风格)。早期的学院摇滚中两大最具影响力的乐队是R.E.M和theSmiths,他们为无数美国(thedBs,LetsActive)和英国(Housemartins,Las)janglyguitar-pop的开拓者展现了一条光明大路。但是学院摇滚还包括了很多的东西:萌芽阶段的前硬核风格的美国地下(SonicYouth,theMinutemen,theMearPuppets,DinosaurJr.,theReplacements);离奇的英国流行在新浪潮中的幸存者XTC和RobynHitchcock;类似离奇的美国乐队如TheyMightBeGiants,theViolentFemmes,CamperVanBeathoven和thePixies;有内涵的民谣摇滚(BillyBragg,theWaterboys和10,000Maniacs);加入了很多流行元素在音乐中的前朋克(tbeCure,Siouxsie&Banshees);以电子合成器为基础的忧郁的舞曲流行,好自省的歌词(NewOrder,DepecheMode);和带有轻微流行,制造出使耳朵爆裂的快速吉他噪音(thePixies,theJesus&MeryChain)。学院摇滚还包括了像U2,PeterGabriel,Sting这样少数的主流明星,他们有思想的歌词以及社会意识的唯心论使他们在校园中广为流行。学院摇滚意义上的全盛期伴随着1991年Nirvana的突破而结束,它为那些主流的耳朵拓宽了更多关于另类流行的理解;如collegeradioplaylists开始像商业的alternativeradio,更多另类音乐的实验分支以及**摇滚在地下更被驱策地向前发展。

具有该风格的乐队/艺人名单:

ConcreteBlonde




不知你们是否有过同样的经历:在某个深夜无意识的醒来,面对着黑夜无法入睡,看见对面的楼房中的灯光已全部熄灭,于是,找出一张狂噪的唱片,将音量放大,再伴随着对面的灯光逐渐亮起,和周围的咒骂声,将音量减小。而后,听一张舒缓、养神的唱片,伴随我重新入睡。有一段时间我就是这样度过,我总会在同一时刻醒来,不知原因的(现在分析可能是生物钟定错了时,或是植物性神经紊乱),就在这个特殊的状况下,我结识了一位朋友,一个我心中的女巫——Concreteblonde...

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44.ComedyRock(喜剧摇滚)

喜剧摇滚是在摇滚中被设计成取笑传统和主流社会的摇滚音乐。再曲调和歌词上的抨击使它显得很幽默。有时喜剧摇滚是不成熟的---这种风格的教父:FrankZappa,喜欢队废物排放问题和傻瓜开玩笑---但是它最好的一面是它很聪明的将陈词滥调与传统串联在一起。

具有该风格的乐队/艺人名单:

Ween




组建时间:1984国籍:美国

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45.ComputerMusic(计算机音乐)

计算机音乐是音乐完全被电脑创造出来的一种普遍种类。电脑供给,就如一个乐器的功能或是一个作曲家,并且很明确干脆的修补音乐。膝上电脑正在越来越流行和实用,大体上来看,电脑已经帮助计算机音乐比原来更流行了。工作沉重的艺术家将焦点集中在电脑的使用上,一个乐队的成员可以互相联系通过电脑的网络,如LaurieSpiegel通过她自己编电脑程序来帮助完成音乐的创作。

具有该风格的乐队/艺人名单:

FrankZappa





FrankZappa原名FrancisVincentZappaJr.1940年生于巴尔地摩,是美国六十年代摇滚乐发展史上的先锋人物之一.1960年出版了第一张唱片,不过是为一部电影做的插曲。随后他又为电影配乐使得他有钱自己买了一间录音棚。1964年他和与他公事的乐手组成了一支乐队“Mothers”。1966年乐队推出了双专辑《FreakOut!》。体现了乐队“嬉皮“的风格,也使人们对他们有了更深的印象。再这张专辑中,Zappa在录音方面比同时期的其他乐手到要先进。1966年出版专辑《AbsoulatelyFree》和1967年出版专辑《We’reonlyinitforthemoney》。1969年Zappa出版了个人专辑《HotRats》。这张专辑使他获得了“出色的爵士摇滚音乐家的”的称号。在此后的多张专辑中他尝试了多样的主题和手法,使专辑呈现出不同的特色。1968年他与他的经理人组建了自己唱片公司,并推出一些亲手提拔的一些乐队。在此后推出了一些个人专辑如1975年的《BongoFury》,1978的《ZappainNew》。此后,Zappa解除了同公司的合同并建立了自己的公司Zappa。1979年推出了经典作品《Joe’sGarageAct1》,《Joe’sGarageAct2,3》。到了八十年代他几乎每年都出一张专辑。并写了一部音乐剧和一部卡通片。虽然也有失败的地方但他依然被公认为是一位摇滚大师。1991年Zappa被查处患有癌症,但他依然不停的出专辑直到他1993年12月去世。
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